《艺术与视知觉》读后感

作为一个艺术领域的门外汉，对于现在的我而言，这实在算是一本晦涩枯燥的专业读物。虽然作者始终在力图以深入浅出的语言并结合心理学规律将种种视觉艺术的原理阐释的简单明了，但我努力跟随的思绪还是极易在稍不留神之间陷入懵懂。所以在企图洞悉视觉艺术与视觉心理关系的过程中，我首先感到对于作者严丝合缝的理论分析的由衷敬佩，还有对自己的境界实在差得太远的感慨。

以平衡、形状、光线、色彩等视觉元素为切入点，作者鲁道夫借由大量的图例将潜在原则清晰地陈述出来，阐述了如视觉倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性等等，以及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则，使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。而视觉艺术与视觉心理的关系，更是作者通过种种视觉实例首先向我们解答的问题，“视觉心理主要是指外界影像通过视觉器官引起的心理机理反应，是一个由外在向内在的过程，这一过程比较复杂，因为外界影像丰富，内心心理机能复杂，两者在相互联接并发生转化时建立起了千丝万缕的联系，因此不同的人不同影像，相同的人相同的影像以及不同的人相同的影像和相同的人不同的影像产生的心理反应是不同的。”他根据正方形中的单一圆形、多个墨点等简单图例向我们阐释，视觉心理不仅仅是视觉上对其形状、光线、色彩等的感觉，而是由我们对于特定视觉图例的感觉与知觉共同构成，它包含了大脑对外界感觉信息的组织和解释。“一个视觉式样所包含的东西，绝不仅仅是那些落到视网膜上的那些成分。”“这种感应现象绝不是理智的活动，所得到的结果也不是基于预先积累的知识推断出来的，而是直接感知到的整体事物中的一个不可分割的部分。”作者鲁道夫如是说。

除此之外，他还以大量的艺术史事例令人信服地解释了艺术史上的一些有趣的问题。例如，所谓伦勃朗式用光法，我们仅仅看到了半张脸，但是我们却判断这是一个完整的脸。埃及人画画的时候，永远都是侧面的人像和正面的身体，是他们不懂得所谓的透视法么？而迟雷科作品《一条忧郁和神秘的大街》对透视原则看似合理实则矛盾的利用营造出诡异的氛围，使整个画面浮动着隐隐的失衡感与危险感。在了解视知觉原理之后，许多之前不曾注意的细节显示出前所未有的趣味，许多难以表述的朦胧感受也在了解规律之后变得清晰而可以解释。不管是在视觉艺术的创作还是欣赏中，都大有裨益。

虽然目前我对此书的理解只能算是浅尝辄止，但再过一段时间等自己对书中理论有所消化和实践之后，还是值得一再细读的。尤其对于从事艺术类工作的我们来说，这本书对于视觉设计等方面非常有借鉴意义，比一些只分析现象而不给出解决方式的纯理论书实用得多，这些理论与规律也会使我们终身受益。

第二篇：艺术与视知觉

《艺术与视知觉》对视觉效能的解读

我们是怎样看这个世界的？是否我们看到的是否就是真是的世界？我们每个人是否都曾有过看错了的情景？在黑暗的路灯下你看到的一团黑影真的是一个人么？你判断其为一个人的理由来自于何处？是理性还是本能？作者从这些基本的问题开始探讨，讨论我们的视觉的心理学解释。作者以大量的艺术史的实例雄辩而又令人信服地解释了艺术史上的一些有趣的问题。例如，所谓伦勃朗式用光法，我们仅仅看到了半张脸，但是我们却判断这是一个完整的脸。埃及人画画的时候，永远都是侧面的人像和正面的身体，是他们不懂得所谓的透视法么？

但是这本书绝不仅仅是谈论一本艺术的书，作者只是通过一些艺术史上的实例，来阐释视知觉的一些基本原则的。因为绘画的发展，是和人类视知觉紧密相关的。更有趣的问题还在于大量关于透视和空间感，以及色彩感的讨论。我们的空间感又来自何处？我们关于透视的感觉又来自何处？由人认为空间感来自双眼的不同视野，但是即使你用一个眼去看世界，也依然有着出色的透视感，能够感知远小近大。

作为一种视觉艺术， 和文学语言不同， 绘画有自己的独特语言， 如色彩、 线条、 明暗、 肌理等。由于人们喜欢用思考和推理的方法去谈论艺术，就不可避免的给人造成一种这样的印象：艺术是使人无法捉摸的东西。鲁道夫·阿思海姆认为我们的经验和概念显得通俗而不深刻，当他们深刻的时候又显得不通俗。这只要是因为我们忽略了通过感觉到的经验去理解是事物的天赋。我们的概念脱离了知觉，我们的思维只是在抽象的世界中运动，我们的眼睛正逐渐退化为纯粹辨别和度量的工具，结果可以用形象来表达观念就大大减少了，从所见事物中发现意义的能力也降低了。这样一来那些一眼就能看出意义的事物面前我们显得迟钝了，而不得不求助于我们更加熟悉的另一种媒介——语言

许多人即使经常进出画廊之间，并且收集了大量的艺术作品的资料，也不能凭借自己的视觉去理解大师的杰作，是因为他们天生具有的通过眼睛理解艺术的能力沉睡了，是必要去唤醒它，最好办法是拿起画笔，然而这样也避免不了长期养成的坏习惯和错觉的的干扰。人们从中寻求保护和帮助的唯一东西势必是语言媒介。

鲁道夫·阿思海姆通过对视觉的效能进行了系统的分析，以便指导人们的视觉并使它的机能得到恢复。

艺术是最完美的形式关系，比如均衡，这种见解其实误入歧途，艺术家如果只是一位企图似他的作品得到均衡协调，而不考虑为何要均衡谐调或是要均衡什么，谐调什么，那么必将迷失在任意的形式的游戏里，不论作品是具象还是抽象的只有内在的涵义才能决定某些形象是必要的，某些是多余。只有当均衡作用确能帮助作品内涵显现时才有意义。书中第1章讲的是平衡。分析了人的平衡对人的视觉判断和心理因素的影响。

在第7章，鲁道夫·阿思海在心理学的角度上分析了人们对色彩的感受，通过形状与色彩的对比理性的分析色彩。马蒂斯说过:如果线条是诉诸心灵的，那么色彩于感觉的，你应该先画线条，等到心灵磨练之后才能，将色彩引到一个合乎理性的道路。人们在肉体上和心里上受到色彩的影响。色彩是一件产品最先映入消费者眼睛的元素,也有人曾说过: “购买商品实际上是在购买色彩” ,因此我们说人们对于一件产品的好恶,很大程度上缘于对于

色彩的好恶。通过对色彩心理学的研究对产品设计有很重要的作用。 好的色彩设计能够引发消费者产生共鸣,从而产生极大的购买欲望。 通常来说,不同性别人群对于色彩的喜好不同,女性消费者会偏爱粉红、 粉绿、 明黄等鲜丽的色彩,而男性消费者则多偏爱黑色、 灰色、深蓝色等较为刚性的色彩。 此外,不同国家对于色彩的喜好与禁忌各不相同,在美国,浅色系色彩会受到欢迎,如象牙色、 浅绿色、 浅粉色、 淡黄色等,而在墨西哥紫色却被认为是不吉利的棺材色,在设计中应避免使用。 因此在进行产品的概念设计过程中,了解不同社会阶层,不同年龄段、 不同国家,不同民族对于色彩的喜爱与禁忌,做到选用色彩时投其所好是十分必要的。

这本书利用心理学的角度对艺术和人视觉的感受做了深刻的分析和解读，虽然读起来很苦涩，但是里面讲的每一点都会让你有恍然大悟的感觉，你会发现原来我们的视觉和心理原来是这样运做的。