《艺术与视知觉》读书笔记

——之有关“平衡”小悟

第一次仔细阅读《艺》这一类的书籍，仔细阅读时总是反复斟酌试图正确的去理解作者的思路，后来慢慢的对书中某些从未接触过的理论知识产生了兴趣，并且引发了我很多的联想。

“感受只能是‘观看’或‘发现’的结果，而不是‘观看’或‘发现’赖以进行的工具”，在我开始观看后，我认为，它确实是一本很值得阅读的书籍。

我想大多数不太接触艺术的人都常常会认为画作是绝对静止的，认为艺术品所表达的情感仅仅是由色彩、用笔、构图等等来表现的，认为画框仅仅是增加美感，认为画作中中间的物体所占面积大于周围物体是突出物体的重要性等等，在还未阅读《艺》之前我也是这样认为的。

好像从来都没有“视觉式样实际上是一个力场”的这种想法，原来一幅静止的画作中，哪怕是一个小正方形中也可以引申出复杂的“内部结构”，作者也正是通过描述这些“内部结构”中的力的活动来确定知觉对象的生命，来表现出画作的张力的。于是从前认为的“艺术品所表达的情感仅仅是由色彩、用笔、构图等等来表现的”的认识便被推翻了。在读了更多内容后发现不仅是这一点认识被推翻，还有很多诸如原来画框并不只是为了美观，它在某种程度上也保护了绘画之中的力的自由作用不受周围背景的干扰和束缚，又如画作中中间的物体有时所占面积大于周围物体是由于“杠杆原理”，中心受力较小，作者故意增加中间物体的面积以增加其重力达到画面平衡的例子等等。说到书中所提到的“杠杆原理”（即距离影响重力）不禁又想到，作画时所谓的“近实远虚”是不是也能由“杠杆原理”来解释呢？远处的物体重力大，所以对远处的物体忽略细节刻画，近处的物体强调细节刻画，以达到画作中力的平衡，给人协调之感。

书中提到影响艺术品“重力”的因素还有很多，诸如事物与观察者的颜色、作者偏爱、形状和方向、知识等等。其中提到影响重力的“知识”时也涉

及了建筑设计。书中写到“巨大的体积和‘细弱’的支持物之间的不一致性，造成了视觉方面的不一致性”“任何地方的建筑，只有在抛弃那些以旧的建筑的方法建成的砖石建筑式样的同时，又把那些较为优雅的骨架结构暴露在外，其风格也就算是干生了技术的进步。也只有在这时，人们在观看这样的建筑时，才感到不那么刺眼”。让我联想到欧美建筑中常常暴露在外的“优雅的骨架结构”所带给人的舒适之感，联想到自己生活在国内，早已适应了国内的建筑风格，从未仔细打量过中国的现代建筑。当我读到“巨大的体积和‘细弱’的支持物之间的不一致性”时不自觉的与诸多中国式现代建筑相对应，近来更是将学校的图书馆好好的审视了一番。现在我眼中的图书馆就像一个不规则的纸箱子，严严实实的被封闭起来却给人一种手指一挫即破的感觉。是它确实是给人以这样的感觉，还是我受书中内容所蛊惑呢？

第二篇：艺术与视知觉

《艺术与视知觉》对视觉效能的解读

我们是怎样看这个世界的？是否我们看到的是否就是真是的世界？我们每个人是否都曾有过看错了的情景？在黑暗的路灯下你看到的一团黑影真的是一个人么？你判断其为一个人的理由来自于何处？是理性还是本能？作者从这些基本的问题开始探讨，讨论我们的视觉的心理学解释。作者以大量的艺术史的实例雄辩而又令人信服地解释了艺术史上的一些有趣的问题。例如，所谓伦勃朗式用光法，我们仅仅看到了半张脸，但是我们却判断这是一个完整的脸。埃及人画画的时候，永远都是侧面的人像和正面的身体，是他们不懂得所谓的透视法么？

但是这本书绝不仅仅是谈论一本艺术的书，作者只是通过一些艺术史上的实例，来阐释视知觉的一些基本原则的。因为绘画的发展，是和人类视知觉紧密相关的。更有趣的问题还在于大量关于透视和空间感，以及色彩感的讨论。我们的空间感又来自何处？我们关于透视的感觉又来自何处？由人认为空间感来自双眼的不同视野，但是即使你用一个眼去看世界，也依然有着出色的透视感，能够感知远小近大。

作为一种视觉艺术， 和文学语言不同， 绘画有自己的独特语言， 如色彩、 线条、 明暗、 肌理等。由于人们喜欢用思考和推理的方法去谈论艺术，就不可避免的给人造成一种这样的印象：艺术是使人无法捉摸的东西。鲁道夫·阿思海姆认为我们的经验和概念显得通俗而不深刻，当他们深刻的时候又显得不通俗。这只要是因为我们忽略了通过感觉到的经验去理解是事物的天赋。我们的概念脱离了知觉，我们的思维只是在抽象的世界中运动，我们的眼睛正逐渐退化为纯粹辨别和度量的工具，结果可以用形象来表达观念就大大减少了，从所见事物中发现意义的能力也降低了。这样一来那些一眼就能看出意义的事物面前我们显得迟钝了，而不得不求助于我们更加熟悉的另一种媒介——语言

许多人即使经常进出画廊之间，并且收集了大量的艺术作品的资料，也不能凭借自己的视觉去理解大师的杰作，是因为他们天生具有的通过眼睛理解艺术的能力沉睡了，是必要去唤醒它，最好办法是拿起画笔，然而这样也避免不了长期养成的坏习惯和错觉的的干扰。人们从中寻求保护和帮助的唯一东西势必是语言媒介。

鲁道夫·阿思海姆通过对视觉的效能进行了系统的分析，以便指导人们的视觉并使它的机能得到恢复。

艺术是最完美的形式关系，比如均衡，这种见解其实误入歧途，艺术家如果只是一位企图似他的作品得到均衡协调，而不考虑为何要均衡谐调或是要均衡什么，谐调什么，那么必将迷失在任意的形式的游戏里，不论作品是具象还是抽象的只有内在的涵义才能决定某些形象是必要的，某些是多余。只有当均衡作用确能帮助作品内涵显现时才有意义。书中第1章讲的是平衡。分析了人的平衡对人的视觉判断和心理因素的影响。

在第7章，鲁道夫·阿思海在心理学的角度上分析了人们对色彩的感受，通过形状与色彩的对比理性的分析色彩。马蒂斯说过:如果线条是诉诸心灵的，那么色彩于感觉的，你应该先画线条，等到心灵磨练之后才能，将色彩引到一个合乎理性的道路。人们在肉体上和心里上受到色彩的影响。色彩是一件产品最先映入消费者眼睛的元素,也有人曾说过: “购买商品实际上是在购买色彩” ,因此我们说人们对于一件产品的好恶,很大程度上缘于对于

色彩的好恶。通过对色彩心理学的研究对产品设计有很重要的作用。 好的色彩设计能够引发消费者产生共鸣,从而产生极大的购买欲望。 通常来说,不同性别人群对于色彩的喜好不同,女性消费者会偏爱粉红、 粉绿、 明黄等鲜丽的色彩,而男性消费者则多偏爱黑色、 灰色、深蓝色等较为刚性的色彩。 此外,不同国家对于色彩的喜好与禁忌各不相同,在美国,浅色系色彩会受到欢迎,如象牙色、 浅绿色、 浅粉色、 淡黄色等,而在墨西哥紫色却被认为是不吉利的棺材色,在设计中应避免使用。 因此在进行产品的概念设计过程中,了解不同社会阶层,不同年龄段、 不同国家,不同民族对于色彩的喜爱与禁忌,做到选用色彩时投其所好是十分必要的。

这本书利用心理学的角度对艺术和人视觉的感受做了深刻的分析和解读，虽然读起来很苦涩，但是里面讲的每一点都会让你有恍然大悟的感觉，你会发现原来我们的视觉和心理原来是这样运做的。