艺术与视知觉读后感

艺术与视知觉>读后感（一）

读这本书实在大一时候，自然设计的老师推荐的，在了解我们所研究的方向时，先具备理论知识是很有必要的。

作为一个艺术领域的门外汉对于现在的我而言这实在算是一本晦涩枯燥的专业读物。虽然作者始终在力图以深入浅出的语言并结合>心理学规律将种种视觉艺术的原理阐释的简单明了但我努力跟随的思绪还是极易在稍不留神之间陷入懵懂。所以在企图洞悉视觉艺术与视觉心理关系的过程我首先感到对于作者严丝合缝的理论分析的由衷敬佩还有对自己的境界实在差得太远的感慨。 以平衡、形状、光线、色彩等视觉元素为切入点作者鲁道夫借由大量的图例将潜在原则清晰地陈述出来阐述了如视觉倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性等等以及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。而视觉艺术与视觉心理的关系更是作者通过种种视觉实例首先向我们解答的问题“视觉心理主要是指外界影像通过视觉器官引起的心理机理反应是一个由外在向内在的过这一过程比较复杂因为外界影像丰富，内心心理机能复杂，两者在相互联接并发生转化时建立起了千丝万缕的联系因此不同的人不同影像相同的人相同的影像以及不同的人相同的影像和相同的人不同的影像产生的心理反应是不同的。”他根据正方形中的单一圆形、多个墨点等简单图例向我们阐释，视觉心理不仅仅是视觉上对其形状、光线、色彩等的感觉，而是由我们对于特定视觉图例的感觉与知觉共同构成，它包含了大脑对外界感觉信息的组织和解释。“一个视觉式样所包含的东西，绝不仅仅是那些落到视网膜上的那些成分。”“这种感应现象绝不是理智的活动，所得到的结果也不是基于预先积累的知识推断出来的，而是直接感知到的整体事物中的一个不可分割的部分。”作者鲁道夫如是说。 除此之外，他还以大量的艺术史事例令人信服地解释了艺术史上的一些有趣的问题。例如，所谓伦勃朗式用光法，我们仅仅看到了半张脸，但是我们却判断这是一个完整的脸。埃及人画画的时候，永远都是侧面的人像和正面的身体，是他们不懂得所谓的透视法么，而迟雷科作品《一条忧郁和神秘的大街》对透视原则看似合理实则矛盾的利用营造出诡异的氛围，使整个画面浮动着隐隐的失衡感与危险感。在了解视知觉原理之后，许多之前不曾注意的细节显示出前所未有的趣味，许多难以表述的朦胧感受也在了解规律之后变得清晰而可以解释。不管是在视觉艺术的创作还是欣赏中，都大有裨益。 虽然目前我对此书的理解只能算是浅尝辄止，但再过一段时间等自己对书中理论有所消化和实践之后，还是值得一再细读的。尤其对于从事艺术类工作的我们来说，这本书对于视觉设计等方面非常有借鉴意义，比一些只分析现象而不给出解决方式的纯理论书实用得多，这些理论与作为一个艺术领域的门外汉，对于现在的我而言，这实在算是一本晦涩枯燥的专业读物。虽然作者始终在力图以深入浅出的语言并结合心理学规律将种种视觉艺术的原理阐释的简单明了，但我努力跟随的思绪还是极易在稍不留神之间陷入懵懂。所以在企图洞悉视觉艺术与视觉心理关系的过程中，我首先感到对于作者严丝合缝的理论分析的由衷敬佩，还有对自己的境界实在差得太远的感慨。 以平衡、形状、光线、色彩等视觉元素为切入点，作者鲁道夫借由大量的图例将潜在原则清晰地陈述出来，阐述了如视觉倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性等等，以及其他各种适用于所有视觉现象的基

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《艺术与视知觉》读后感

作为一个艺术领域的门外汉，对于现在的我而言，这实在算是一本晦涩枯燥的专业读物。虽然作者始终在力图以深入浅出的语言并结合心理学规律将种种视觉艺术的原理阐释的简单明了，但我努力跟随的思绪还是极易在稍不留神之间陷入懵懂。所以在企图洞悉视觉艺术与视觉心理关系的过程中，我首先感到对于作者严丝合缝的理论分析的由衷敬佩，还有对自己的境界实在差得太远的感慨。

以平衡、形状、光线、色彩等视觉元素为切入点，作者鲁道夫借由大量的图例将潜在原则清晰地陈述出来，阐述了如视觉倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性等等，以及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则，使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。而视觉艺术与视觉心理的关系，更是作者通过种种视觉实例首先向我们解答的问题，“视觉心理主要是指外界影像通过视觉器官引起的心理机理反应，是一个由外在向内在的过程，这一过程比较复杂，因为外界影像丰富，内心心理机能复杂，两者在相互联接并发生转化时建立起了千丝万缕的联系，因此不同的人不同影像，相同的人相同的影像以及不同的人相同的影像和相同的人不同的影像产生的心理反应是不同的。”他根据正方形中的单一圆形、多个墨点等简单图例向我们阐释，视觉心理不仅仅是视觉上对其形状、光线、色彩等的感觉，而是由我们对于特定视觉图例的感觉与知觉共同构成，它包含了大脑对外界感觉信息的组织和解释。“一个视觉式样所包含的东西，绝不仅仅是那些落到视网膜上的那些成分。”“这种感应现象绝不是理智的活动，所得到的结果也不是基于预先积累的知识推断出来的，而是直接感知到的整体事物中的一个不可分割的部分。”作者鲁道夫如是说。

除此之外，他还以大量的艺术史事例令人信服地解释了艺术史上的一些有趣的问题。例如，所谓伦勃朗式用光法，我们仅仅看到了半张脸，但是我们却判断这是一个完整的脸。埃及人画画的时候，永远都是侧面的人像和正面的身体，是他们不懂得所谓的透视法么？而迟雷科作品《一条忧郁和神秘的大街》对透视原则看似合理实则矛盾的利用营造出诡异的氛围，使整个画面浮动着隐隐的失衡感与危险感。在了解视知觉原理之后，许多之前不曾注意的细节显示出前所未有的趣味，许多难以表述的朦胧感受也在了解规律之后变得清晰而可以解释。不管是在视觉艺术的创作还是欣赏中，都大有裨益。

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《艺术与视知觉》对视觉效能的解读

我们是怎样看这个世界的？是否我们看到的是否就是真是的世界？我们每个人是否都曾有过看错了的情景？在黑暗的路灯下你看到的一团黑影真的是一个人么？你判断其为一个人的理由来自于何处？是理性还是本能？作者从这些基本的问题开始探讨，讨论我们的视觉的心理学解释。作者以大量的艺术史的实例雄辩而又令人信服地解释了艺术史上的一些有趣的问题。例如，所谓伦勃朗式用光法，我们仅仅看到了半张脸，但是我们却判断这是一个完整的脸。埃及人画画的时候，永远都是侧面的人像和正面的身体，是他们不懂得所谓的透视法么？

但是这本书绝不仅仅是谈论一本艺术的书，作者只是通过一些艺术史上的实例，来阐释视知觉的一些基本原则的。因为绘画的发展，是和人类视知觉紧密相关的。更有趣的问题还在于大量关于透视和空间感，以及色彩感的讨论。我们的空间感又来自何处？我们关于透视的感觉又来自何处？由人认为空间感来自双眼的不同视野，但是即使你用一个眼去看世界，也依然有着出色的透视感，能够感知远小近大。

作为一种视觉艺术， 和文学语言不同， 绘画有自己的独特语言， 如色彩、 线条、 明暗、 肌理等。由于人们喜欢用思考和推理的方法去谈论艺术，就不可避免的给人造成一种这样的印象：艺术是使人无法捉摸的东西。鲁道夫·阿思海姆认为我们的经验和概念显得通俗而不深刻，当他们深刻的时候又显得不通俗。这只要是因为我们忽略了通过感觉到的经验去理解是事物的天赋。我们的概念脱离了知觉，我们的思维只是在抽象的世界中运动，我们的眼睛正逐渐退化为纯粹辨别和度量的工具，结果可以用形象来表达观念就大大减少了，从所见事物中发现意义的能力也降低了。这样一来那些一眼就能看出意义的事物面前我们显得迟钝了，而不得不求助于我们更加熟悉的另一种媒介——语言

许多人即使经常进出画廊之间，并且收集了大量的艺术作品的资料，也不能凭借自己的视觉去理解大师的杰作，是因为他们天生具有的通过眼睛理解艺术的能力沉睡了，是必要去唤醒它，最好办法是拿起画笔，然而这样也避免不了长期养成的坏习惯和错觉的的干扰。人们从中寻求保护和帮助的唯一东西势必是语言媒介。

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《艺术与视知觉》读书笔记

第一次听说这本书是在大一，设计老师说到排版的问题，给我们翻阅了一些做的比较好的杂志，里面的图片大多放置在四角顶住两边，至少也是贴着一边，并且也不似我们想象的和文字排版那样留出统一的页边距。老师说这涉及到格式塔心理学，并推荐了这本《艺术与视知觉》。书名一晃而过，可惜我并没有去看过。

第二次听说它，是20xx年暑假在中建西南院实习时，项目的老总给我们几个实习生推荐的。可是我依然没有放在心上。

直到这次课程要求，我才鼓起勇气去看这55万字的著作，长期以来一直觉得它名字玄乎，又是大家都推荐的好书，于是我带着敬畏之心开始翻阅。谁想，文章虽然有些地方比较难懂，但却不似枯燥的理论书籍，只用简单的图示和风趣的语言，阐述了本质的问题，这些问题往往是我曾经心生疑惑但不求甚解后忽略的，或者是从未意识到，一朝发现却觉得异常有趣的。

书的内容很多，短时间内我只阅读了第一章《平衡》和第四章《发展》。在读此书前先从我初始它的格式塔心理学开始了解。

格式塔心理学又称完形心理学，其将心理现象视为有机整体，认为整体虽有各个部分组成，但并不等于部分之和儿时大于部分之和，并且认为，整体先于部分并且决定部分的性质。阿恩海姆从完形心理学出发，反对元素主义的审美联想观。他认为，审美知觉并不像元素主义认为的那样是初级的、零碎的、无意义的，而是本身就显示出一种整体性，一种统一的结构，情感和意义就渗透于这种整体性和统一结构之中，而知觉结构是审美经验的基础。

阿恩海姆的知觉概念是建立在一种力的式样（或力的结构）的基础上的，知觉结构是一种特殊的“力的结构”，也就是一种对于力的感受结构。 艺术建立在知觉的基础之上，而知觉又是对于力的结构和式样的感知，由此得出的必然性结论便是：力的结构和式样对于艺

术具有巨大的意义。

“知觉力”、“平衡”、“方向”、“位置”这些词是出现在第一章《平衡》里的，其实原来一副静止的画作中，哪怕是一个小小的正方形中的一个黑色圆面，就能引发出复杂的“内部结构”。它虽然静止不动，但却负载着能量。我们为什么需要平衡？因为对于一件平衡的构图来说，其形状、方向、位置诸要素之间的关系，都达到了确定的程度，以至于不允许这些要素有任何些微的改变。在这种情形下，整体具有的那种必然特征，就可以在其每一个组成成分中呈现出来。而不平衡的构图则看上去是偶然和短暂的，是病弱的。它所要传达的含义就会变得不可理解。人们在观察它的时候就会觉得不知所云、模糊不定。虽然往往艺术家总是想表现某种不平等现象，但往往画作中的不平衡要通过平衡来体现。

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《艺术与视知觉》读后感

这一周导师安排我的任务是让我通过学习《艺术与视知觉》，然后对幼儿的心理有所了解，这本书分为了10个大的章节，其中在第四个章节，发展的前半部分提到了儿童，从中，我也了解到儿童画的画，大部分是画的他们所看到的，他们的画要不就是对自己生活的反应，比如画自己的父母，要么就是对未来的渴望，比如画自己当上科学家的样子。他们的画无所顾忌，想到什么就是什么，不带有任何纷纷扰扰，与世俗参杂的东西。

不仅仅在他们的画中，我们还可以从儿童的游戏活动中看到这种整体性反映的特征。当一个孩子摆弄他喜欢的遥控赛车时，他一边自豪地指挥着，一边铿锵有力地叫着：“前进！后退！左转！右转！”“开进！”“冲啊！”赛车随着他的叫喊、他的身体节奏行进着，孩子俨然就成了一个小小指挥家。他不仅指挥着自己的赛车，也指挥着自己的节奏、自己的歌。在这个过程中，孩子既熟悉了遥控赛车的操作，也创造了赛车的音乐、赛车的舞蹈和赛车的歌。审美和认识一样都是把握世界的方式。儿童对世界的把握是审美和认识同步的。儿童在和风车的游戏中认识风车的转动和风向、风速的关系；在对小动物欣赏和关爱中了解它们的生活习性；在对花儿的体察和感知中了解它们的特征；在和白云的“对话”中了解它们的规律。

除了描写儿童外，我还大致翻了一下其他部分的章节，这本书采用一种不受羁绊的写作风格来系统地陈述艺术与视知觉，书中力图将那些潜在的原则清晰地陈述出来，阐述了视觉所具有的倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则，以使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间和运动等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。

而且从网上的评论看起来，艺术似乎正面临着被大肆泛滥的空头理论扼杀的危险，近年来，真正堪称为艺术的作品已不多见了。它们似乎在大量书籍、文章、学术演讲、报告会、

发言和指导等——这一切都是想要帮助我们弄清楚什么是艺术，什么不是艺术；什么人在什么情况下创造了什么作品，他为什么或为了谁才创造了这些作品等等——组成的洪流中淹没了。在我们眼前出现的是一具被大批急于求成的外科医生和外行的化验员们合力解剖开的小小的尸体。由于这批人总是喜欢用思考和推理的方式去谈论艺术，就不可避免地给人造成这样一种印象：艺术是一种使人无法捉摸的东西。

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《艺术与视知觉》读后感

俗语中往往蕴含着真理,生活中人们看到一个美的事物时,常用”带劲”一词来形容,这里的”劲”我想就是阿恩海姆在其著作中不厌其烦阐述的”张力”吧.按阿氏给的概念:“张力”不同于我们在生活中感知的物理性运动.，它是一种不动之动.“任何物体物体的视觉形象，只要它显示出类似楔形轨迹、倾斜的方向、模糊的或明暗相间的表面等知觉特征，就会给人造成一种正在运动的印象”。

雕塑艺术从展示方式来看，是一种静态艺术，“它只宜选择那些具有概括性的瞬间的表情与形体运动”来传达情感，但古今中外优秀的雕塑作品确实具有一种动感，能够寓动于静，破静为动，“由于形象本身就是死的、虚构的，如果在其中不能看到灵魂的运动和肉体的运动，他的僵死性就会成倍增加”。(达.芬奇)

比如汉代的绘画与雕刻无不呈现一种飞舞灵动之势，图案常用云彩、雷纹和翻腾之龙构成，动物也常常是除遒劲雄壮之外，还要加上一双能飞的翅膀，。唐代吴道子的壁画也有“ 天衣飞扬，满壁风动”之美誉。在相对”静止”建筑领域,飞檐也似乎要参与到这种飞舞灵动的合奏中~~.

双林寺的韦驮像。在全国同类题材作品中，这尊塑像可谓之精品。从构图上看，其身体重心基于左足，下肢朝前站立，从腰部开始，由头部带动整个上体躯干向右侧扭曲，这种扭曲程度，已极大地超出了人体生理所允许的限度，很像一节麻花，但人们从整体气势观看，这种违反人体解剖结构的姿态，不仅没有一点不舒服的感觉，相反却从这种艺术夸张变形之中，感到一种强大的力度和动势，这是由一条从头到脚贯穿于韦驮全身的S形曲线所表现出来的，这条曲线极富弹力和流动感，构成了韦驮身上的飘带萦绕飞舞，本身就是大的曲线，从视觉上也加强了动势。韦驮右臂握拳下垂，肘部向外部伸出，让人感觉肌肉紧张，充满力量。左臂抬起，同右臂形成对比。韦驮整个身躯外轮廓构成一个略带倾斜的三角形，这个三角形由左手、右手肘部和足部三个突出点形成。由于这个锐角三角形的顶点在下部并呈倾斜状态，给人心理上造成了一种微妙的不平衡和不稳定感，因而也增加了这尊塑像的活力和行动感觉。

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2011-9-4 《艺术与视知觉》【美】阿恩海姆

我得老实地说，这本书我没有全部读完，只看了其中的三章——平衡、形状和色彩。看这本书是缘于美学老师刘慧姝的推荐，在众多的书目中我挑中了这本，或许是因为“艺术”这二字激起了我的兴趣。

对一个普通读者而言，这本书能够领会的东西不多，里面大量地涉及绘画理论、技巧。作为绘画方面的门外汉，我纯粹抱着欣赏的眼光来阅读，亦收获了不少精彩的见解。

“整体地感知”

这个提法与中国古代的思想有异曲同工之妙。整体不等于部分的简单相加，但如何把握整体与部分的关系就见仁见智了。绘画中有非常巧妙的平衡，即使后现代风格作家的作品也存在着这种平衡。它不光是结构的，还有色彩、光影，很细小，类似琴谱里的装饰音，是一个个微小的亮点，窜起来就构成了整个画面的和谐。

书中提到如何以有效的形式发表言论时说——先提出粗略的观点，让后来的信奉者和反对者补充它。也就是说，你在创造一种言论时不必刻意追求天衣无缝的完美，只要基本的观点是你认可的，剩下的论据和条件就留待后人去补充。这似乎给人带来一种勇气——即使道理片面，也要勇于提出。有点类似于周国平在《经典的理由》一书中所述，那些偏激的、片面的真理往往能为人们所知，当更多的人不断补充它，直至它的言语变得平庸，真理就已经被大众所认可了。

另外一点，是对“简单”的理解——简单就是一针见血地提出自己的见解，然后不时地用具体的事例去说明这种见解。我总是在心底

推崇极简主义的生活方式，虽然现实生活中我接受不了，但简单蕴涵着深刻。像文言文，几个字就代表现代汉语的一句话，一个词就包含了种种情绪——讽刺、愉快、愤怒......一个成语就能概括用二十个字都道不完的真理。作者在这提及的简单并不指形式，而是教导人们如何用语言讲道理。

再有，就是色彩。这一板块许多论述都与原田玲仁著的《色彩心理学》有共同之处。有些很有趣的言论。比方说，对色彩敏感的人是外向的、热情的、急躁的，对形状敏感的人是内向的、稳重的、理性的。我应该是前者吧，每次挑选饰品时都是先看色彩再挑形状。另外，不同的色彩会带给人不同的感受。如黄色具有扩张性和前进感；绿色具有稳定性和满足感；紫色蕴含着虚弱和死亡；黑色会显得苗条。更有趣的一点是色彩的混合——绿黄色会让人恶心，红黄色会使人愉悦。两种色彩不同比例的混合会达到不同效果，但一定不能是50:50。如同真实和虚假一样，真实中带有一点点虚假或虚假中带有一点点真实都是迷人的，但一半对一半就最令人厌烦。

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