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华南师范大学增城学院

课 程 论 文

题目：浅析文艺复兴时期艺术作品的特点

课 程 名 称 美术鉴赏

考 查 学 期 2013学年 第二学期

考 查 方 式 课程论文

姓 名 李欣宜

学 号 201202054113

专 业 2012级国际金融

成 绩

指 导 教 师 赵喆

文艺复兴时期是在十四世纪到十六世纪西欧与中欧在思想文化发展中的一个时期。意大利文艺复兴摆脱了几千年的枷锁与束缚，在这么一个时代里萌芽，壮大。早在十三世纪时，基督被架在十字架上，死气沉沉的呆板几乎变成主流艺术。而在十四世纪，新的资本主义经济在萌芽，必将产生与之相符合的意识形态，引起思想和文化体系的重大改变和革命。资本主义生产方式的涌现，不仅动摇了中世纪的社会基础，还促进了文化领域的发展，而此时的艺术家们的艺术天赋的创造发挥为艺术文化添彩，提升了艺术的价值。此时在此基础上还形成了对宗教神权文化相对立的人文主义。文艺复兴运动时期出现一种新的思潮，人文主义是文艺复兴的核心，强调人的自然本性、价值、自由意志、世俗生活和世俗教育主要特点表现在一下几方面:用科学方法探索人体的造型规律，把中世纪的平面装饰风格改变为用集中透视，有明暗效果，表现三度空间的画法；在以宗教神话为主的题材中，把抽象的神象画成世俗化的合乎新兴资产阶级要求的理想的人，成功地创造了人物画新风格；艺术根源 ：一是古典艺术，重新采用古希腊罗马的艺术形式；二是运用科学的透视技法，再现具有三度空间的实体的形状，并善用解剖学表现真实的人体结构。

早期文艺复兴，乔托确立的写实主义的绘画原则在15世纪的佛罗伦萨得到继承和发展，艺术家认为自己的主要任务是让有艺术同科学研究结合起来，研究人体的结剖结构，研究科学的透视法和明暗法，探讨各种造型艺术的技法理论，成为15世纪的艺术风尚。

盛期文艺复兴，主要代表是达·芬奇、 米开朗琪罗和拉斐尔。达芬奇他用晕涂法使物体轮廓线、画面调子更加柔和且富于光线大气和立体的效果，而明暗法则使得描绘对象仿佛具有真切的错觉效果。他使画面有许多独到之处，形体结实有立体感头和手的造型优美，解剖结构准确，刻画细致入微，背景处理奇特而神秘。米开朗琪罗也具有多方面的才华，在雕刻、绘画、建筑等方面都显示出旷世的才情。他花了四年心血完成西斯廷礼拜堂的天顶画，其中的人体造型结实浑厚，常呈现出强烈扭曲的特点，造成戏剧性的力感和动感。他的艺术风格从早年的追求古典美和力量美，变为表现沉郁悲壮和雄浑气魄的艺术风格，被称为艺术的楷模。拉菲尔在有限的生命中奉献了惊人数量的杰作，它擅长综合各家的长处，却又从不失去自己的独创风格，拉菲尔的作品中充满了和谐安详优雅的气质，他创

造出盛期文艺复兴典雅、优美、具有高度艺术技巧的艺术典型，这是现实美与理想美的统一，被后世誉为古典艺术的楷模。意大利半岛东北部的威尼斯在油画上的成就令世人瞩目，提高了色彩的丰富程度，多层的肌理效果增添了特殊的美感，同时，更好地体现了光的微妙变化。

15世纪后半期到16世纪的文艺复兴晚期，威尼斯画派的重要画家包括了贝利尼、乔尔乔尼、提香、委罗内塞和丁托列托等。贝利尼注重自然景色的描绘和作品抒情意味的表达。乔尔乔尼绘画造型优美，有绚丽的色彩，柔和的明暗关系，人物和风景自然交融，开创了风景人物绘画的新格局，威尼斯画派中最具抒情风格的画家。提香是威尼斯画派最伟大的画家，也是文艺复兴时期在色彩方面最有成就的大师，他的作品形式多样，题材广泛，构图多变化，洋溢着生命的活力。他擅用漂亮的色彩和笔触表现丰富多彩的人生，以及人们欢乐的情趣和女人体的魅力。

晚期文艺复兴又被称为“样式主义”，这是盛期文艺复兴到17世纪巴洛克风格产生之前的一个过渡时期。意大利的样式主义艺术家有：把巴米基安尼诺画风纤细优美，画了些古怪变形的画，写实的主观的色彩相当浓厚。

文艺复兴时期西方主要分别有四个国家：意大利、尼德兰、德国、法国。 意大利的杜乔是西耶纳画派的创始人，他将哥特式雕刻的写实风格和拜占庭绘画的明暗透视法结合起来，迈出了绘画中关键性的一步，他不仅是第一位在绘画中创造出写实风格、发现平面上塑造空间深度表现手法的画家，他还把优美的叙事同中式的观察结合起来，使绘画不再是文字的简单图解，具有了独立的意义，从乔托时代起，艺术家开始在自己的作品上留下姓名，美术史从此成为一部杰出艺术家的历史。

尼德兰没有意大利的古典遗产，也缺少意大利式的科学哲学运动，它的艺术主要受哥特式和中世纪拜占庭细密画的影响，注重细节的描绘。这儿的宗教思想和旧习俗还相当浓厚，民间谚语和传说也同时影响着艺术，尼德兰人本着人文主义思潮，直接关注世态人情，将日常生活融入绘画之中，他们的绘画手法细腻、透视独特、色彩明快、有着丰富而神秘的寓意。14世纪末-15世纪初出现了几位忠于自然、致力写实风格的艺术家，有雕刻家克劳斯·斯留特尔，他在自己的作品

中表现出对现实生活的关注，开始在明暗、透视和油画技巧上进行大胆探索改进、他在肖像画、风俗画和风景画方面都有较大的贡献。15世纪末至16世纪初尼德兰处在西班牙封建统治下，著名画家有西罗尼姆斯·包西，他的画风平整细腻，以现实生活为依据，融进艺术家本人的幻想，用各种怪诞的形象和奇特的画面来映射教会和但是的社会。他的绘画中我们可以看到各种妖魔鬼怪，荒诞离奇的组合，灾难四起的恐怖景象以及人类的种种罪恶。他的作品反应了当时的社会生活和矛盾，同时也是作者个人情感的流露，表现了人的情欲被压抑后的宣泄。他有高度的造型能力，他的作品反应出尼德兰画家对细节的偏爱，对风景描写的重视。 德国文艺复兴时期的艺术受到意大利和尼德兰艺术的影响，同时也保持了德国日耳曼民族的特点，有较强的宗教感，重理性，善思考，注重细节的刻画，较强调个性的表现等。活版印刷术的发明促进了文化艺术的普及和发展。德国文艺复兴繁荣时期非常短暂，但艺术取得了惊人的成就，他们创作的版画、油画以及用线造型的素描作品影响甚广。16世纪最为伟大的画家是阿尔弗雷德·丢勒他既是一位油画家、也是一位版画家，还是一位建筑师，对水彩画也相当在行，其作品中反映出鲜明的人文主义的思想。他将科学的绘画手段引入德国，精通各种绘画技艺，又不乏作为艺术家所不可缺少的丰富想象力，他的艺术兼有尼德兰细腻、精致和个性的特点，以及南欧艺术的优美、理想化和科学性。他是第一位努力将这两种艺术融合为一体的艺术家。他对人体既有细腻准确的解剖分析，又能运用适当加长和理想化的手法，是人体显得更完美和谐。16世纪德国最后一位著名的画家是小汉斯·荷尔拜因他的肖像画风格细腻，注重性格和细节刻画，观察深入，毫无戏剧性的渲染。他的素描简练，善于线条的运用和处理。

法国艺术将哥特式艺术、意大利艺术和尼德兰艺术三者融为一炉，产生出法国自己的杰作。法国文艺复兴最主要的成就表现在建筑和雕刻方面，绘画方面虽有一些成就，但较建筑和雕刻略逊一筹。卢浮宫是法国历史上最悠久的王宫，整个建筑庄重、整齐、严谨，被称为理性美的代表作。16世纪法国杰出的雕刻家和建筑师古戎雕刻作品以线条流畅和风格典雅著称，皮隆是法国16世纪下半页最伟大的雕刻家。他将古代雕刻、意大利艺术和哥特式传统融为一体，创造了自己独特的风格。皮隆的才华主要体现在大型陵墓雕刻方面，他曾为亨利二世和弗朗索瓦一世陵墓做过许多装饰雕刻。15世纪法国最著名的画家是让富盖他以肖像

画和圣书插图闻名于世。16世纪法国请来了意大利画家罗索和普里马蒂乔，领导装饰枫丹白露宫，从事这一工作的画家被称为枫丹白露画派。这派艺术家受到意大利样式主义的影响，其艺术风格趋于甜美娇柔。

我们都知道，文艺复兴的艺术有一个显著的特点，那就是现实与人文。文艺复兴所有的创作大都围绕着这个主题。其中包括了人的感观，人的信仰，人的性欲，还有人的世界观。这个时期的作品都会要求打破封建神权，打破封建的禁欲主义。打破封建制度对人精神甚至是肉体的封锁。这时期有很大部分的作品以宗教为主，很多评论说是借宗教作为盾牌。我却反对这种说法，对西方世界稍微有认识的人都知道，宗教信仰在西方是占据着他们很大一部分的生活。文艺复兴时期的宗教艺术，归根究底可以说是一种人的宗教艺术，而不是封建制度下教会的宗教艺术。而文艺复兴时期艺术技法上的特点，主要体现在以写实传真为首务。在风格和技法上更加注重色彩的协调和自然。“文艺复兴”的原本意思是“在古典规范的影响下，艺术和文学的复兴”。它变化的思想基础就是关怀人，尊重人，以人为本位的世界观。人文主义肯定人是生活的创造者和主人，他们要求文学艺术表现人的思想和情感，科学为人生谋福利，教育发展人的个性，即要求把思想、感情、智慧都从神学的束缚中解放出来。因此，人文主义的学者和艺术家提倡人性反对神性，提倡人权反对神权，提倡个性自由反对人身依附。这是文艺复兴时期美术的基础。

我在欣赏文艺复兴的绘画时，发现它绘画背景丰富的程度是不言而喻的，它不仅描绘了宗教故事，体现了当时时代思潮，更是将一种自身独特的看法跟品味和自己的生活经历融入到绘画当中，我们欣赏的不仅仅是一张文艺复兴的复古宗教故事，我们更能领略到欧洲的风情跟社会风俗，美景跟故事融合在一起，体会不一样的心境，体会当时的人文主义，体会真、善、美的风韵，别有一番风味。文艺复兴时期的美术艺术可谓是永不停止的艺术潮流。它是独特的，我喜欢这种style,所以我才会挑这个专题来讲述的。

文艺复兴必然离不开人文主义的主要动力。而意大利的艺术家们对于人的极力歌颂和赞美，把思想、感情、智慧都从神学的束缚中解放出来。在艺术史上诞生一个伟大的时代，必然会诞生自己时代的作品。文艺复兴的作品绝对不是古代的模仿或者推进，在那么多文艺复兴时期的绘画作品中，我们看到的不再是纯宗

教绘画人物，而更多了对人文主义与自然科学的深入与研究，绘画背景中出现了真实的城市或者融入更多世俗的场景，将宗教与世俗相结合，表达了人文主义思潮深入人心。而伟大又出名的达·芬奇更是独具匠心使作品的主要轮廓线消失，达到了层次与色调的多变，让三度空间更加神奇的展现。使人文主义表现的酣畅淋漓，真善美得到宣扬。我从小就听到他名字，渐渐了解到他的家庭背景还有在世的经历，它是我的偶像。

另外，我也很喜欢扬帆艾克画笔下的作品《圣母与掌玺管罗兰》，当画家让自己的陶醉在抒情诗般的绘画中，为沿雾气腾腾的河水展开的城市作画时，他就把一块凡人的地盘插进宗教画中，真的很美。他出现在画中把自己作为人肉背景，也许他在生活中喜欢这样眺望整个城市以便放松自己，也许是对于城市的美景流连忘返时而出现在脑海中，这种感觉悠闲自在，把自然风景融入画中显得生动鲜活。这幅画一直深深的存在我的脑海里。我很喜欢那种画面色调灿烂纯朴，有抒

情意味的作品。色调温暖，是整个画面

在。

充满人性的温暖，会让人觉得轻松自

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第二篇：美术鉴赏——《泉》

《泉》——古典美与写实少女的美的结合

《泉》是著名画家让·奥古斯特·多米尼克·安格尔在76岁高龄时完成的作品，据说在他完成这幅作品后不久就有五个买家同时来竞购并为得到这作品而争执不休，后来在1857年，《泉》被迪麦泰尔伯爵收购，成为私人藏画品。后根据这位伯爵的遗嘱，他的家属于1878年将此画赠给国家，成为巴黎卢浮宫内又一镇馆之宝。由此可见《泉》这幅作品确实是一幅惊世之作，而安格尔也同样是一位极其出色的画家。

《泉》内容为一位年轻的裸女拿着壶罐让水从壶中倒出来，背景可以看出是在宁静的森林的溪涧中，少女用右手跨过头部，左手半举，双手拿着一古铜色的陶罐，并让罐中的水自然地流入溪涧中。少女的整体动作让人感觉是那么的柔软，那么的具有女性所有的女性美。少女面上并没有过多的表情，与旁边的铜色壶相辉映，却让人感到一种淡淡的宁静与自然。其中展示了可以得到人类普遍赞美的恬静、抒情和纯洁性。

虽然画中少女的姿态是如此的优美，具有美丽的线条，然而据说这姿势却是在现实中不可能存在的，画中少女上肢的姿态并不符合人体的动态规律。安格尔为了使少女的动态看起来更美，为她编造了这样一个不可能存在的动作。这让我也想起了安格尔的另外一幅著作——《土耳其大宫女》。土耳其大宫女所描述的同样是裸女，而画中最突出表现的也正是画中裸女的姿态曲线之美。但画中的女性的腰部却比常人的要长，评论家德·凯拉特里曾对安格尔的学生说：“他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。”但事实那位宫女是否真的有那么长的腰部就无从得知了。安格尔的学生、曾为其老师作传记的阿莫里·杜瓦尔说得就更中肯：“他可能是对的，可是这又怎么样呢？也许正因为这段秀长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观众。假如她的身体比例绝对地准确，那就很可能不这样诱人了”。同样，在《泉》这幅作品中，虽然少女的姿势可能真的不可能存在，但那又怎样呢？也许正因为这柔软优美的姿态才能使她如此的美丽动人。假如她的身体姿势符合现实，也许就没有那么诱人了。

除了少女的姿势之外，被安格尔做过特殊处理的还有那从壶中流淌下来的水。这幅作品对于水的表现非常神奇，作为整幅画中唯一的动态因素，从水瓶中倾泻而出的泉水是宁静的画面上最具动态的因素。但经过画家的巧妙处理，作为观众的我们，似乎能感觉听到了泉水流淌到溪涧中所产生的柔柔的缓慢的嘟嘟的流水碰击的声音，飞泻的清泉非但没有打破画面的宁静感，还使之平添了一种流动的韵律。这宁静的泉水也与画中左面少女的胸部与腹部的转折起落形成波浪式的曲线形成鲜明对比。

然而为什么说《泉》是一幅古典美与写实少女的美的结合的作品呢？这得说说安格尔的生平。安格尔是著名的古典主义作家雅克·路易·大卫的学生。作为古典主义的代表，大卫的作品所表现的人物与场景都是非常细腻严谨，终于写实。然而这样的作品却会使画过于细腻工整、没有生气。安格尔作为大卫的学生，也作为新古典主义的代表，但他并不生硬地照搬老师的样式，而是把握古典艺术的造型美，把这种美融入大自然中，《泉》正是这样的安格尔所画出最美的作品。安格尔的学生杜瓦尔为此曾竭力为他作辩解，他说：“我并不想说，安格尔先生是个浪漫主义者。但我也要肯定，他从来不是当时所理解的那种意义的‘古典主义者’。”据说安格尔从1820年在意大利佛罗伦萨逗留期间就开始创作《泉》，但一直没有完稿。三十六年以后，当他已是七十六岁高龄时才画完此画，这正是

他毕生致力于美的追求的结晶。有人说过安格尔的作品是拜倒在女人面前创造的真正艺术品。确实，在查看安格尔的资料中看到的很多都是女性的作品，人们评论他说“安格尔对表现女性裸体充满了热情，他的自然道路就是爱神的道路。他对女色的嗜好是深刻而一贯的。当安格尔的天才同青春美丽妖娆的女性结合在一起时，创造力往往是空前的。肌肉、曲线、酒窝、柔韧的皮肤——一切的一切，我们都可以从他的油画上看到。”《泉》虽是他晚年的作品，但所描绘的女性的美姿却比他过去所创造的作品的女性都要美，看着都更有感觉。这是单纯用古典主义过于写实的画风所难以描绘的。正如前面所说的少女的姿态也许与现实不符，但却使此画美在更加灵透自然，纯真无邪，少女的纯美于此一览无余，给人以无限的遐想，不尽的怀思。 据说安格尔之所以要用36年来构思，是因为最初在安格尔心中构思的“泉”，是仿效意大利大师们在画维纳斯时的愿望，他早在1807年就画过一些草图，后来不满足前人已画过的“维纳斯”样式，企图使形象更单纯化。经过长时间的思考，终于再晚年完成这幅佳作。有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家衰年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想化了。” 大概正像《大宫女》那样被夸张的腰部，《泉》这幅作品这表现出安格尔在晚年时对美的一种全新观念，那就是他深深觉得用精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性。76岁高龄的安格尔，终于在《泉》这幅作品上，把他心中一直以来积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美，找到了他心中所认为的最完美结合的形式。

《泉》因此也成为了公认的安格尔的艺术生涯中最高的追求。作为一个鉴赏者，我所感受到的也正是那种追求古典理想化的平静肃穆的美。

参考资料：/view/17159.htm （安格尔百度百科）