论动画创作中的动画表演
在动画片创作中，原画设计师的职责就是用笔或鼠标在纸上或电脑上绘制出让动画角色表演的关键性动作，并通过原画设计予角色活动起来个性与特征。这需要从事原画设计的工作人员具有扎实的专业技能和丰富的生活积累。奇麟笔在过去的博文中曾说过：合格的动画师身应该是一个有好的绘画功底的演技派演员，既要体会角色懂得表演，又能够通过画笔准确把握和刻画角色动态形象。可以说一名优秀的原画设计师是画技高明的画家与演技出色的演员的结合。
在动画片创作中，原画师设计的表演是通过银幕或屏幕间接地传达给观众，原画设计师的表演需要经逐帧的画面处理和导演运用蒙太奇剪辑手段才能完成。因此要求原画设计师的表演创作分解到24分之1秒（或25分之1秒）的画面单位。
动画片表演节奏的时间把握通常略快于普通影视剧作品。动画表演常借鉴喜剧影视片或音乐歌舞片中的表演，吸取舞蹈、杂技、哑剧等的表演技巧，通过对人物造型、表情及动作加以漫画式的夸张表演，以构思奇妙、节奏明快、动作夸张优美而见长。表演特点是善于运用灵活生动的形体动作。这种动画表演的艺术夸张基于对现实生活细致的观察和精心提炼，需要符合人物心理的逻辑发展；同时要求动画表演也具有一定得可信性或真实感。
表演是由演员扮演角色，通过演员的表演或人体动作、表情来塑造形象、传达情绪、情感从而表现故事情节的技巧。演员作为一个创作者，需要以自己的认识水平去分析与认识角色，以自己的创作方法和专业技巧去塑造人物，并且在整个创作的过程中把握着创作的方向。影视演员需要掌握和磨练自身的外部表现工具--形体、五官、声音、语言以及各种技能，并掌握一整套表达人物思想情感、内部心理活动表现的技巧，演员依据剧本，在导演指导下进行二度创作，将人的艺术形象从剧本体现到银屏上。
表演艺术的创作主要表现在独特的再体现和鲜明的性格化，又能形象而生动地表现出隐藏在剧本字里行间的深邃的作者意念，并对剧作的人物形象作有个性的补充和体现。这种再创作，就要求影视演员有一定的思想水平和较高的文化和艺术修养，只有这样具以较深的理解力，丰富的想象力和形象的表现力，从而达到演员与角色、生活与艺术的统一，体验（即内部）与体现（即外部）的统一。
在动画片制作中，原画设计师根据导演和画面分镜头剧本的指导，来了解分析动画角色，不但是为了使动作更流畅而参照自己的表演动作，更通过对角色的理解，通过设计师想象力体现出角色的生存形态，使动画角色性格特征层次丰富，不再简单、死板。
动画制作之前就规划出了角色性格特点和行为模式，编剧，导演，配音演员、原画设计师或是动画设计师都会对角色的塑造起一定程度的作用。而原画设计师是使角色“活”起来的直接创作者。
受创作手段的限制，即使动作设计再精细的动画片也无法达到像真人一样丰富细腻的表情动作，所以动画片中的表情动作是有一定程式的，是对人类真实表情与动作的高度提炼，同时经过夸张处理，使每种表情都有所区分，区分越细化表情就越丰富。比如动画制作中很重视角色面部动作的表情性，面部表情与言语表情的动作配合。人体的各个部位的肢体语言都能表达情感，而
最重要的情感表达部位还是面部。面部五官表情虽然经过简化，归纳为喜怒哀乐四大类，但其组合变化微妙丰富。不同的情感，都能够通过面部的五官细微变化中准确地传达出来。原画设计师只有熟悉了其动作规律和变化特征才能展开角色表演情感的创作。
动画工作者仅仅掌握动画基本运动规律，创作出的角色动作符合运动法则，还谈不上是在创造表演。一个动画角色能活动起来，并不代表角色已经“活”了。要想动画片里的角色“鲜活生动”起来，关键在于角色的动作看起来具有自己的生命力，即使角色的动作看起来是受他自身意识得约束控制的行为，就是要通过塑造角色动作表演来体现其情感和思想意识活动。只有创作的角色动作中包含了根据角色性格和剧情需要的表演成分才能算是有了动画表演。
事实上再简单的角色动作，在运动过程首先都是思维意识的活动体现。比如，角色思想意识活动，外在最先表现出来的往往是目光和眼神，在处理动作时就要把握交待好眼神的变化，即视线的变化，这就是角色动作的心理暗示，角色的肢体动作都与眼神相配合。眼神的表现在动画表演中很重要，因为眼睛是心灵的窗户。再比如现实生活中的真实人物眨眼的方式和动画角色的眨眼动作完全不不同，动画中角色眨眼都是为了表演效果的需要。只有设计动作时有意识的塑造角色“心（意识）”到，才能“神“（眼神）到，然后动作才能到（位）。而经验不足的原画设计师往往容易忽略表现和交代这类重要细节的表演，容易把动作设计的类似机械式无意识的感觉。 奇麟笔认为在创作动画角色的动作表演中分两个层次：第一个层次把握好角色自然的物理性的动作原理，第二个层次是把握好角色内在主观的活动的反应。而后者经常被初学者忽略。 目前国内的3D动画往往最缺乏的就是“动画表演”的成分，经常把重点都集中在三维动画制作的人物模型、材质、灯光等效果设计上，或陷入“调动作”的误区，在角色动作表现上死板僵硬、很不自然。不懂动画表演，忽视动画创作的表演艺术特性，动画角色就如行尸走肉，失去了“灵魂”。
像把“挤压、拉长、预备动作、缓冲动作”等这些动画基本动作原理与“坐、卧、走、跑、跳”等这些运动规律做好的动画，只能算是动作顺畅的动画。要做到角色表演精彩的动画，就需要原画设计师仔细的挖掘角色性格和内心世界。动画片中的角色就是由动画师操控着的演员，演出着各种不同的悲欢喜忧。所以，做动画的人一定要先融入角色，通过揣摩出角色的心理情绪变化和动作差异，再将这种变化应用在对角色动作的设计中，这就是动画的表演。
动画属于影视艺术，原画设计师承担其实就是角色表演者的任务。动画的表演力就是赋予假定角色或虚拟模型以生命与灵魂，使它们像真实存在的一样鲜活和自然。这也是动画师的主要设计绘制工作。而动画表演的优势还在于能表现出真人无法表演的美感与效果，这也是动画创作很吸引人的地方。动画创作也是源于生活而高于于生活。动画表演以生活化为基础，并加以戏剧化的夸张美化及镜头处理等综合手段，将形体动态与感情传达给观众。动画设计师不仅须要有技术能力去控制动画角色的形态，还必须有关于把握动画角色运动节奏与时间的敏锐感觉和艺术表现力。
比如学习动画中基本的走、跑、跳是运动规律，在现实中由真实演员人表演不会有走、跑等的运动动态错误的情况出现。而动画来创作走、跑、跳就复杂多了，绘制者要具备有表现角色型态的美术造型能力，还要有了解运动规律，正确表现出连贯的动态的能力。奇麟笔在平时带片指
导原画和教授原画课时发现，初学者和经验少的原画设计者往往把注意力集中在处理动作流畅与动作规律正确上，而容易忽视了动画角色特点、性格、运动动机、情节及环境影响表演层面的表现上。很多国产动画片不论角色男女老幼、高矮胖瘦，一旦走、跑、跳等运动起来，动作很明显都如出一辙，都是统一的教科书式的标准运动规律姿势模式。这都是由于绘制者不注意观察生活，缺乏生活体验，不去研究动画角色特点，忽略或不会善于动画角色表演的结果。
对动画表演的学习应该从学习动画创作之初就给予足够的重视。并将表演课程作为独立的学习内容纳入日常创作学习中。从模仿开始，多看多学，仔细揣摩角色性格与动作特征，逐渐摸索并体验动画表演的表现手法。动画设计师“表演”水平的高低，虽然部份取决于个人天赋，但更多的还是依靠后天的勤奋努力，平时留心观察，勤加训练，对自己的动画表演能力不断提出更高的追求目标，就可以通过动画表演水平的提升，提升动画片的整体表现力，为动画角色注入更多的活力。
对动作运动规律的理解与掌握只是动画师的基础必修课，真正的目标是如何将角色塑造绘制的有血有肉、有情，性格鲜明的展现给观众。做优秀的原画设计师也要具备文学、美术、电影、音乐、舞蹈、历史、地理、自然生物等多方面的文化修养和生活底蕴。这些对于动画创作来说都具有重要的作用。
作为动画设计师，业余时间应该多观摩各种优秀的电影、电视剧、舞台剧，参考学习知名演员的表演技巧，还要在日常生活中注意观察周围人群，不同年龄、不同性别、不同阅历的人群行走坐卧的姿态、说话的表情，行为动作的细节，都各不相同，要多多观察并切身体会。生活是创作的源泉，生活阅历越丰富，文化修养月深厚，将会对动画师的创作和发展带来很大的帮助和支持。
优秀原画设计师应该是出色的演技派表演展示才能，因为动画明星们的表情、动作、甚至对白语气都来自原画设计师的表演才能发挥。原画设计师们在创作前，往往要预先将动画人物的动作反复亲身预演多遍。找到动画表演中的感觉，在体验过程中体会、分析、把握动画表演中角色的情感、动机以及动作。而镜子就是原画设计师们观察自我表演的最便捷实用的工具。当遇到不易把握的动作和表情时，原画设计师会在镜子面前自我反复演绎多遍（奇麟笔在平时创作动画的过程中一直借助镜子做观查工具，也一直强调学生和跟片的原画设计使用镜子），以便于更真切地体会把握动画角色的表情和动作。还有一点要切记的是，原画设计师的表演也要有度，避免沉迷于自我表演情绪中不能自拔，反而忽略了动画表演对观众的感受。也还要注意动画角色人物性格的前后统一性，行为举止的一致性。
奇麟笔一直强调熟悉动画的动作运动规律只是掌握了原画创作的基础，而运用动画表演去塑造角色才是把握住原画设计创作的灵魂。了解和学习动画表演是每一个动画工作者的必修功课。身体力行的去体会角色，感受角色的喜怒哀乐，是原画设计师创作必须的准备和工作手段。毕竟动画角色是一个设计出的虚拟形象，原画设计师只有通过自身的探索实践，才能赋予动画角色活灵活现表演特色，才能创造出让观众喜爱追捧动画的明星。
以上是奇麟笔在长期动画创作和学习积累中总结的一点理论认识与经验心得，并不全面和系统，算是抛砖引玉，供初学者参考，希望对原画设计的创作有启发借鉴与帮助。也欢迎业内同仁们指正批评，共同探讨。
第二篇：浅谈动画创作中的动画表演
浅谈动画创作中的动画表演
大家好，我是一名在蓝铅笔刚毕业没多久的动画表演的工作者，在蓝铅笔的时候，学习的是动画角色表演的课程。我叫周文斌，我自身比较喜欢动画，所以想写点什么出来分享给大家。于是我就趁着闲暇的时间，收集了网上的一些关于动画表演的资料和自己对动画表演的一些认识，整理出了下面这篇文章，希望对动画表演的爱好者或者是想从事动画表演的朋友，能给与一定的帮助。大家可以叫我小周，希望可以和大家成为朋友。
首先，什么是动画呢？
动画是通过对生活的感受加上艺术再塑造，而动画角色则是在动画世界里 的演员，动画的质量如何很大程度上与这些“演员”的表演力息息相关。一个动 画角色会活动了，并不等于他已经活了。 活人有心理活动，死人没有。活人自 己控制自己的动作，死人要是动起来，一定是受外力控制。 所以，要想动画片 里的角色活起来，关键就在于角色的动作看起来是受他自己的控制，还是受动画 师的控制。 让角色动作看起来是受他自身控制的关键就是要在动作表演中体现心 理活动。和普通电影不一样，动画片首先要解决动起来、动得对的问题。绘制者 如果没有特别的意识，很容易会着重把注意力集中在这方面，从而忽略动作之上 的表演。
在动画片创作中，原画师设计的表演是通过银幕或屏幕间接地传达给观众，原画设计师的表演需要经逐帧的画面处理和导演运用蒙太奇剪辑手段才能完成。因此要求原画设计师的表演创作分解到24分之1秒（或25分之1秒）的画面单位。
动画片表演节奏的时间把握通常略快于普通影视剧作品。动画表演常借鉴喜剧影视片或音乐歌舞片中的表演，吸取舞蹈、杂技、哑剧等的表演技巧，通过对人物造型、表情及动作加以漫画式的夸张表演，以构思奇妙、节奏明快、动作夸张优美而见长。表演特点是善于运用灵活生动的形体动作。这种动画表演的艺术夸张基于对现实生活细致的观察和精心提炼，需要符合人物心理的逻辑发展；同时要求动画表演也具有一定得可信性或真实感。
表演是由演员扮演角色，通过演员的表演或人体动作、表情来塑造形象、传达情绪、情感从而表现故事情节的技巧。演员作为一个创作者，需要以自己的认识水平去分析与认识角色，以自己的创作方法和专业技巧去塑造人物，并且在整个创作的过程中把握着创作的方向。影视演员需要掌握和磨练自身的外部表现工具--形体、五官、声音、语言以及各种技能，并掌握一整套表达人物思想情感、内部心理活动表现的技巧，演员依据剧本，在导演指导下进行二度创作，将人的艺术形象从剧本体现到银屏上。
那么表演在动画中都起到什么样的作用呢
那么我想首先牵涉到的一个问题就是动画师如何做出好的表演
表演当然大概是一个动画师最重要的一项技能了。Timing，weight，phrasing 都很重要，但是最终都归于表演。既然动画师实际上是计算机或纸张的虚拟世界 里的演员，那些上了一些表演课程的动画师将会在竞争中占得先机。许多优秀的 动画师同时也做戏剧工作。 动画师的对角色和某时刻的情感的把握能力是表演的 关键要素。 试着用一种使自己置身于相近的环境或事件中的方法来感受觉得的处 境和状态。去观看一部电影或展览来看情感使怎样通过演员的面部表现出
来的， 如果知道里面描述有相似的状况的话。从长远角度来看，任何有助于更好的理解 角色的手段都会让我的动画从中受益
实际上在动画制作中，动画师自己就是演员。 正如电影的拍摄一样，动画 师不能忽视了角色的表演，否则就是呆板的统一的机械运动，将使动画失去可观 赏性。 无论是 2D 或者 3D 的动画制作中，在工作前你看多少参考都不算多。这至 关重要。所以在开始工作时，需要花很长一段只是一遍遍的看各种各样的在线参 考。如果里面有很多的表演，我就会在镜子面前自己演出来，或者如果我想要一 份日后的在线参考，把自己的表演拍摄下来。 动画师拥有一些各种形式的表演艺术经验往往是有帮助的。 尤其是那些强调 细微身体控制的如：体操、舞蹈、武术、潜水、笑剧、演戏等等。拥有这些技艺 的人往往对解剖学、 生理学、 运动机能学有更深的认识， 并能够更有效的作 break down 和按照不同的细节等级对个体运动作出评估。而且，这样的人往往不那么 羞涩于从即兴的当众表演，以便更加有效的研究他们的动画。对于特定的表演选 择而言，全在于你自己把它演出来。你必须要确定你的角色是谁，他想要什么等 等。尽可能的深入他的头脑中去。
那么怎么才能让动画看起来更灵活更形象呢？我觉得应该是在动画中需要抓住的表演细节
比如一个人跑，真实演员来演的话，不存在会不会跑、跑步的运动规律对 不对的问题，所以他很正常的就会把需要表演的部分从这个跑里面体现出来。动 画来实施这个跑就不一样了， 绘制者往往容易把注意力集中在物理性的动作规律 上，跑对了就万事大吉了。 比如喝水。很多人把动作画得很直接，就是机械地完成喝水的动作。事实上，再 简单的喝水过程也包含了以下步骤：首先产生喝水的欲望，表现就是目光先投向 水杯，这就是心理活动。但是画动画的人就是容易忽略这个步骤，为什么？因为 确实是他在控制这个角色。所以他想怎么让他喝都做得到，没想到让角色自己产 生喝水的欲望再推动下面的表演。所以你要是不让他看一眼再伸手拿杯子，就是 找个活人演，看起来也是个死人，反过来你让他先看一眼，用个木头人来拍，他 看起来也是个活人。当然喝水可能还包含了很具体的规定情境，还有很多细节可 以表演。这在普演员表演可能都是很自然可以做的的事情，但是恰恰因为动画作 者对角色的绝对控制权而忽略了很多应该有的过程。 比如一个人在前面走，一个人在后面叫，前面那个人转身回应，一定是头先转过 去，然后是上身，最后才是下肢的动作。整个人同步转过去，就如同僵尸般脱离 了现实的表现。 运用在动画里的表演包括了面部表情，肢体运动，重量，能量，手势，语气， 态度，个性。例如人物说话时的手势，是用于表达人物态度与性格，而不需要去 再次阐述语言所表达的意思。反之，一个人物的姿势，演戏几乎和台词无关，不需
要语言去说明。这些综合在一起加上世界背景，故事线索就成了动画角色在动画
中的表演。表演的如何全依赖动画师对此的掌握。依靠设置关键帧后电脑自动生 成的中间帧是不可靠的，这些生成的动作僵硬，缺乏真实感与表演性。 目前国内的3D动画往往最缺乏的就是“动画表演”的成分，经常把重点都集中在三维动画制作的人物模型、材质、灯光等效果设计上，或陷入“调动作”的误区，在角色动作表现上死板僵硬、很不自然。不懂动画表演，忽视动画创作的表演艺术特性，动画角色就如行尸走肉，失去了“灵魂”。
像把“挤压、拉长、预备动作、缓冲动作”等这些动画基本动作原理与“坐、
卧、走、跑、跳”等这些运动规律做好的动画，只能算是动作顺畅的动画。要做到角色表演精彩的动画，就需要原画设计师仔细的挖掘角色性格和内心世界。动画片中的角色就是由动画师操控着的演员，演出着各种不同的悲欢喜忧。所以，做动画的人一定要先融入角色，通过揣摩出角色的心理情绪变化和动作差异，再将这种变化应用在对角色动作的设计中，这就是动画的表演。
动画属于影视艺术，原画设计师承担其实就是角色表演者的任务。动画的表演力就是赋予假定角色或虚拟模型以生命与灵魂，使它们像真实存在的一样鲜活和自然。这也是动画师的主要设计绘制工作。而动画表演的优势还在于能表现出真人无法表演的美感与效果，这也是动画创作很吸引人的地方。动画创作也是源于生活而高于于生活。动画表演以生活化为基础，并加以戏剧化的夸张美化及镜头处理等综合手段，将形体动态与感情传达给观众。动画设计师不仅须要有技术能力去控制动画角色的形态，还必须有关于把握动画角色运动节奏与时间的敏锐感觉和艺术表现力。
比如学习动画中基本的走、跑、跳是运动规律，在现实中由真实演员人表演不会有走、跑等的运动动态错误的情况出现。而动画来创作走、跑、跳就复杂多了，绘制者要具备有表现角色型态的美术造型能力，还要有了解运动规律，正确表现出连贯的动态的能力。奇麟笔在平时带片指导原画和教授原画课时发现，初学者和经验少的原画设计者往往把注意力集中在处理动作流畅与动作规律正确上，而容易忽视了动画角色特点、性格、运动动机、情节及环境影响表演层面的表现上。很多国产动画片不论角色男女老幼、高矮胖瘦，一旦走、跑、跳等运动起来，动作很明显都如出一辙，都是统一的教科书式的标准运动规律姿势模式。这都是由于绘制者不注意观察生活，缺乏生活体验，不去研究动画角色特点，忽略或不会善于动画角色表演的结果。
对动画表演的学习应该从学习动画创作之初就给予足够的重视。并将表演课程作为独立的学习内容纳入日常创作学习中。从模仿开始，多看多学，仔细揣摩角色性格与动作特征，逐渐摸索并体验动画表演的表现手法。动画设计师“表演”水平的高低，虽然部份取决于个人天赋，但更多的还是依靠后天的勤奋努力，平时留心观察，勤加训练，对自己的动画表演能力不断提出更高的追求目标，就可以通过动画表演水平的提升，提升动画片的整体表现力，为动画角色注入更多的活力。
对动作运动规律的理解与掌握只是动画师的基础必修课，真正的目标是如何将角色塑造绘制的有血有肉、有情，性格鲜明的展现给观众。做优秀的原画设计师也要具备文学、美术、电影、音乐、舞蹈、历史、地理、自然生物等多方面的文化修养和生活底蕴。这些对于动画创作来说都具有重要的作用。
作为动画设计师，业余时间应该多观摩各种优秀的电影、电视剧、舞台剧，参考学习知名演员的表演技巧，还要在日常生活中注意观察周围人群，不同年龄、不同性别、不同阅历的人群行走坐卧的姿态、说话的表情，行为动作的细节，都各不相同，要多多观察并切身体会。生活是创作的源泉，生活阅历越丰富，文化修养月深厚，将会对动画师的创作和发展带来很大的帮助和支持。
优秀原画设计师应该是出色的演技派表演展示才能，因为动画明星们的表情、动作、甚至对白语气都来自原画设计师的表演才能发挥。原画设计师们在创作前，往往要预先将动画人物的动作反复亲身预演多遍。找到动画表演中的感觉，在体验过程中体会、分析、把握动画表演中角色的情感、动机以及动作。而镜子就是原画设计师们观察自我表演的最便捷实用的工具。当遇到不易把握的动作和
表情时，原画设计师会在镜子面前自我反复演绎多遍（奇麟笔在平时创作动画的过程中一直借助镜子做观查工具，也一直强调学生和跟片的原画设计使用镜子），以便于更真切地体会把握动画角色的表情和动作。还有一点要切记的是，原画设计师的表演也要有度，避免沉迷于自我表演情绪中不能自拔，反而忽略了动画表演对观众的感受。也还要注意动画角色人物性格的前后统一性，行为举止的一致性。
总的来说呢，动画中的表演，是很复杂并且多样化的一种技术，需要在生活中和艺术作品 中不断的并且长时间的去发现和积累。不同于运动规律这种动画基础，动作没有 具体的对错，只有每个动画师对角色的塑造的完成度。在动画的动作表演中，有 两种力在控制，一是外部的物理性的力，而是角色内心的动机的力。而后者经常 被忽略，绘制者的随意控制代替了这种力。 人们说我们找寻的是生活的意义。我不认为那是我们真正找的。我认为我们 找的是活着的体验， 所以我们的纯身体层面的生活体验就会和我们最深处的灵魂 产生共鸣，所以我们实际上感受着生命的欣喜若狂。那是最终的涵义所在。 所以将对生活的体验升华到一种可视的程度， 用之创作出就像自己一样有生 命的动画角色，是每个动画师的追求。
第三篇：动画剧本怎么写
动画剧本怎么写.txt27信念的力量在于即使身处逆境，亦能帮助你鼓起前进的船帆；信念的魅力在于即使遇到险运，亦能召唤你鼓起生活的勇气；信念的伟大在于即使遭遇不幸，亦能促使你保持崇高的心灵。动画剧本怎么写 NO。1 塑造好动画人物的重要性 树立动画人物形象是剧本的第一任务：对于剧本来说，人是影视剧作描 写的主要对象，是构成影视艺术造型形象的主题。塑造鲜明生动的人物 形象是电影艺术根本的任务。 NO。2 动画人物的“人性” 夸张与浓缩的个性，新鲜和美好的心灵 美国哥伦比亚广播公司这样评价动画大师迪斯尼： “他明白纯真的童心 决不会搀杂成人的世故。然而，每个成人却保留了部分未泯灭的童心。 对小孩子来说，这个令人厌倦的世界还是崭新的，还是有着许多美好的 东西；迪斯尼努力把这些新鲜、美好的事物为已经厌倦了的成人保留下 来，这是全世界的一笔宝贵财富。” 当身边的一切都匆匆变化，复杂纷繁的社会令人焦头烂额的时候，只有 这些屏幕上的老友依然如故，这种单纯和温暖正是动画片独有的魅力。 可以说，动画世界是人们宁静清澈的心灵故乡。 因而，强调对人物刻画，正是由观众对动画片的观赏需求而来。 NO。3 动画人物的表现力 动画人物具有很大创造空间： 大多数动画片的剧本，和一般电影电视相比，人物设计得善恶分明，一 般以类型化的手法来塑造主人公。故事主线索较为单纯，情节发展的起 伏跌宕十分清晰，人物之间的矛盾也不那么尖锐。这样的设计安排，是 考虑到了儿童观众心理特点和观赏需要。客观上，动画剧本的故事情节 已经不仅仅抓住观众，更重要的是吸引力。创作者要用更多的空间、更 多的笔墨去刻画人物。 就塑造人物而言，动画人物有一个独有的特征：其造型本身是创作者精 心设计的，完全不必拘泥于“人”的外形，有极大的创作空间。其造型 更可以与人物性格，甚至能和故事情节发生紧密的联系。 第四章 动画人物的剧作特征 一些艺术短片中，为了表达一定的主题内涵，或者是某种情绪、情感， 人物被浓缩为代表特定含义的符号。 在商业动画片中的人物存在着共同 的剧作特征和创作规律。在剧本中塑造动画人物，首先要符合影视剧作 中人物的共同特性。人物形象鲜明生动；人物性格要有典型性。由于容 量上的限制，剧本中的人物形象多为相对集中的一个或一组，他们是矛 盾冲突的主体和情节的轴心。当然也有自身的特性。 NO。1 闪亮的主人公 主人公的唯一性，是戏剧矛盾的中心。 笛斯尼总结过自己的创作经历，他认为：动画片需要一个强烈而有吸引 力的中心角色。通常可以通过动画片的名字来安排，使这个特定人物的 命运线索和故事的起承转合融为一体，影片的笔墨更为集中，人物形象 更能够鲜明地突显出来。 所以在构思动画剧本的时候，一定要首先明确，哪个人物是你要着力表 现的，那么主要的戏剧矛盾、情绪氛围，都要围绕着这个人物展开。 具体说，怎么让你的主人公出现在剧情中的时间，肯定会远远多余其他 任务，主次分明。 第二， 更为重要的是主人公在矛盾冲突中心地位。 在戏剧矛盾的旋涡中， 主人公是否始终是推动剧情最为主要、最有力的那股力量。矛盾因他而 起，因他而发展变大，最终因他而解决。 NO。2 动画人物的性格 动画人物的独特性格：类型化的性格和天真的孩子气。 类型化人物有两方面的特征：首先，人物的个性特征明显，我们往往可 以用一两个词来概括人物性格，观众易于把握。其次，比起现实重点人 物，类型化人物的性格经过了提炼和夸张，并用生动的细节加以充实， 使其更为鲜明。 戏剧理论家和教育家贝克的《戏剧技巧》中把类型化人物分为 3 种 A 概念化人物— 作者立场的传声筒，作者毫不把性格描写放在心上。 B 类型化人物—特征鲜明，以至于不善于观察的人也能从他周围的人们 中看出这些特征。 C 圆整人物—把自己区别开来，大的区别或者细微的区别。具有性格的 多侧面和复杂性，无法用简单的谚语表达。 如何塑造类型化的人物： §人物定位：感性、概括的想法人物定位对动画人物形象的影响，以及 对动画片整体都是起决定性作用。 §选择提炼“原生”人物，并对人物特点进行夸张放大。甚至极端化， 人物的形象会变得更加鲜明独特，动画片更始要求人物要夸张。（夸张 和幻想是动化的本性。） 最终要的一步，就是为人物增添性格化的细节。 最后，在谈谈设计性格的差异来强化人物各自的鲜明特征。 NO。3 给人物一双想象的翅膀 首先，是影片的整体创意要有想象力，足以营造一个新鲜的幻
想世界吸 引观众。 其次，赋予人物动画特征，即某种超现实的神力。 正如迪斯尼所说的：“幻想和夸张”正是动画要义之一，而剧本的主人 公，动画人物更是要体现这种特点。 如何在塑造人物时加入想象元素？ 1，人物的动画特征的含义和作用（风向标）先进行人物设定、故事梗 概构思等工作。包含个性、背景，而动画人物也要”有动画特征“，注 入想象的元素。 2，如何设计动画特征 A 人物的动画特征和他的性格特征是相辅相成的，动画特征要符合人物 性格，人物身上充满想象力的“超能力”，能够把人物的性格塑造得更 生动，鲜明。 B 给人物身上设计动画特征，要选择那些独特的，耕种要的。会对剧情 产生作用的，能为你的故事提供“动力”的特征来作为重点。 C 动画特征总在情理之中。 D 构思剧情讲究“意料之外，情理之中”，要符合人物的思想习惯。 人物行为的“新逻辑” 行为细节的设计。 我的解说到此结束。