设计与艺术有什么关系?

姓名:晋伟 学号:2011210357 专业:环境艺术设计

刚进大学时,第一次听到老师问我们:什么是设计?什么是艺术?有什么关系?带着迷惑,一年马上就要过去了,如今,虽然我还是不能很好的回答,但是每个人总有每个人的总结与理解。以下便是我一年来对艺术与设计的一些了解与认识。

一、什么是设计？

设计(Design）主要指设想、规划、计划、构思等，设计的含义是非常宽泛的，而且设计的定义也是众说纷纭，莫衷一是。在《朗文英汉双解词典》中，对Design有这样的解释：作为动词有设计、绘制、计划、谋划、预定的意思；作为名词有计划、设计图、图样、图案、图样设计、美术工艺品的设计、装饰图案的含义。《实用英汉词典》对英语Design一词的解释是作为动词有设计、立意和计划的含义；作为名词有计划、草图、图案、风格和心中的计划等意思。将使用与美观结合起来，赋予物品物质和精神功能的双重作用，是人类设计活动的一个基本特点。设计是人类为了实现某种特定的目的而进行的一项创造性活动，是人类得以生存和发展最基本的活动，它包含于一切人造物的形成过程之中。总之，设计就是设想、运筹、计划与预算，它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动。可以说，设计时一种 特殊的艺术，设计的创造过程是遵循使用化求美法则的艺术创造过程。

二、艺术是什么？

关于艺术，希腊语作teche,拉丁语作ars,都有技能和技巧的意思。在古代，艺术不仅和美与道德有关，同时还和实用有关。中国古代以礼、乐、射、御、书、数为 ?六艺?，日本也将香道、茶道、歌舞、乐曲称为游艺。在西方，艺术的美学观是渐渐出现的。绘画、雕刻和建筑早期并不包括在自由学科(Liberal Arts)之中，西方古代至中世纪并没有一个缪斯专门分管他们。由于近代西方愈来愈强调艺术与美的关系，终于形成了所谓美的艺术(Fine Arts)的概念，以别于应用艺术。人类早期的设计与艺术活动是融为一体的，只是随着社会分工的愈来愈细，各行业的专业性越来越强，才使得艺术从实际的技术中分离出来，而艺术的观念也发生了变化。

三、艺术与设计的关系

记得上学期构成老师说：?艺术更感性而设计更理性。设计注重形式与功能，而艺术更多的注重审美。?这是一个艺术教育者对于设计与艺术的一个理解,当然后来也在网上看见了一些理解,便把它做如下总结。

( 一、)古代艺术与设计之间的关系

从历史的发展过程来看，人类早期的设计与艺术活动是融为一体的、是同源的，都是造物文化的分合离散所致，因此它们之间的关系是亲密而不可臵疑的，设计最初的意义是指素描、绘画，?设计?这一概念本身就是从美术与建筑实践中引申出来的，犹如西方美术史之父瓦萨里在全面讨论设计这一概念时所说：设计是三项艺术如建筑、绘画、雕塑的父亲，它是一种特殊的艺术，设计的创造过程是遵循实

用化来求美法则的艺术创造过程，而这种实用化的求美不是?化妆?，而是以专用的设计语言来进行创造的；而艺术也包括雕刻、绘画等，又如在古代，?艺术?一词中就有?设计?的含义在其中；不论是在落后的中国，还是在发达的西方国家对?艺术?一词的界定也是含糊不清的，而对?设计?一词的含义也是模棱两可的，但从艺术的辞源上来看，?艺术?与?设计?也都有相似的指令和界定，都是有一个从?术?到?艺?的过程，也就是说它们是同一含义的词语，再从艺术和设计的定义上来说它们也是相同的，艺术是人类创造的一种审美的、创造性的意识形态和生产形态；而设计也是人类创造，审美的一种创造性活动，例如古代的艺术家为了满足人们的审美需要和精神享受，而把自己在生活所看到的、想象到的一些事物，通过自己的主观创造活动而制造出来的精神产品，而这些精神产品是当时社会生活的反映，是艺术家们为了揭露社会而凭借自己的绘画功底、审美观念，加以自己的情感对社会的一种主观臆断，而设计师们也是为了满足人们的审美需要、物质享受以及精神需要，通过对时代的加以自己的主观想象力和创造力，通过自己的创造活动而制造出来的产品，而这些产品也是社会时代的反映，是设计师们满足当代人们精神享受的需要。总之，古代的艺术与设计是同一含义，不同叫法的词语，它们是相同意思，不同说法的两个名词。

（二、）近现代艺术与设计的关系

关于近现代的艺术与设计，包豪斯提出了三个观念，可以解释一部分艺术和设计的关系： 艺术与技术的新统一，设计的目的是人而

不是产品，设计必须遵循自然与客观的法则来进行。解释这三句话，纵观历史，我们看见艺术的变革正以一种激进的方式影响更多的设计领域。简单的说，各个时代设计与艺术的审美趣味是相一致的。设计的目的是人而不是产品，设计一直以来都是为了要满足人类的需要，而不是为了设计而设计，否则设计也不会由实用发展为兼顾审美的需求了，归根到底还是要满足人。最后设计必须要遵循自然与客观的法则。

设计被视为艺术活动，是艺术生产的一个方面，设计对美的不断追求决定了设计中必然的艺术含量。设计的草图或模型，本身就可能具备独立的审美价值。不可否认，很多工业设计作品的形式表现出与现代雕塑与绘画的密切联系。包豪斯时期，结构主义的抽象形式与新造型主义绘画和雕塑就存在着惊人的共同之处。康定斯基的抽象构成主义绘画与名信片的设计也就是构成主义的风格。荷兰画家蒙特里安《红黄蓝构图》就直接影响了里特维尔德的家具《红黄蓝》椅的设计，这表明艺术对设计有相当的影响。在近现代，设计与艺术之间的距离日趋缩小，新的艺术形式的出现极易诱发新的设计观念，而新的设计观念也极易成为新艺术形式产生的契机。

不同的设计门类体现着各自的不同的艺术特点，不同的美感。19xx年代，丹麦的建筑及设计师雅各布森设计的?蚁?椅、?天鹅?椅和?蛋?椅这三大名椅，体现出来的是一种由刻板的功能主义转变成细节的精练和经推敲的整体性和雕塑感。这种设计就孕育着现代有机雕塑艺术。本世纪初，艺术的抽象形式，尤其是几何形式直接影响

了设计的现代化，而设计的探索又同时影响了艺术形式，二者的合力诞生了机器美学，包豪斯典型地代表了艺术推动设计，艺术与设计结合的成就。19世纪下半叶，电力取代了蒸汽机，工业化不断扩张，城市越来越庞大，随之，一些实用性建筑产生了，但是一段时间之后人们对冰冷冷的工业化建筑风格产生了厌恶感，在这种条件下‘工艺美术运动’和‘新艺术运动’爆发了。许多艺术家在世界各地，对令人发指的建筑进行改造，其中著名的有英国水晶宫，巴黎艾费尔铁塔，纽约世贸大厦。这些建筑的落成，不仅仅使人重新在自己的生活环境中找到了美，找到了生活气息。也为艺术家自己创造了新的称号；‘设计师’。这点可以表示，设计师的前身就是艺术家。

（三、）现代的艺术与设计的关系

现代设计的概念: 设计就字义来解释，是设想和计划的含义。现在所说的设计包括人类对自己将要创造的产品的前期构思，以及实现这个构思的整个过程，是一种创造性的活动，反映现代大工业社会的本质设计。是指向某个功能性目标的构想、计划，结果形成具有某种使用价值的产品。建筑设计、室内和家具设计、时装设计等皆如此。很显然，设计活动及思维模式更偏于逻辑性、合目的性。但是，在当下的人类生活中，消费者对一个产品的功能性的关心程度，较早些时候俞来俞退后，俞来俞隐含，这是我们这个时代的特征之一。原因是任何一个产品的功能性表现，早已不是什么问题了。如此，设计实际上需要深入挖掘的似乎是让产品如何满足人类那双永远好奇，永远激情四射的眼睛。

艺术家参与设计研究，投入设计实践，可以推动设计进步。?现代主义之父?威廉〃莫里斯是个典型例子。设计师关注艺术，投入艺术研究，也推动设计进步。再以包豪斯的学生和老师的布鲁尔为例，19xx年他进入魏玛包豪斯学习，师从艺术家伊顿和康定斯基，学习色彩和形体理论，接受了相关的训练，为他后来的家具设计奠定了良好的基础。设计师与艺术家的合作则更有可能推动设计进步。艺术家包括导演、演员、编剧、音乐家、舞蹈家、制片和舞台美术家通力合作，能够制作出许多优秀的电影、电视剧和广告等，这是艺术与设计合作的结果。

四、总结

最早的设计，主要面向实用方面，人们亲切的称之为‘改变生活的艺术’。学术界把它称之为设计艺术或者艺术设计，把它作为一门艺术，而艺术的核心，是设计。而现在，设计的某一部分已经脱离物品的本质作用，渐渐转向其外观，也就是装饰作用，代表作是菲利普.斯塔克的榨汁机。当他在酒吧喝酒的时候，脑海中忽然呈现出一个类似章鱼形状的榨汁机外型，连他自己都不知道这外型与这件商品的使用性有什么关系，但是其独特的外表引起了商家和顾客的兴致，人们纷纷抢购这独特的小东西，但是他们当中，没人知道自己把它买回去做什么用，其实真正的答案是，它吸引人的是它外表的艺术性，人们已经完全把他当作一件艺术品，可见，设计具有艺术气息才会具有吸引力。

如今?当代性?是在一种宏大的时代背景下，被中国公众很快熟

悉的词汇，它的主要内涵是前沿和先锋的思想文化，那些大胆实验，勇于创新的反映时代精神的新艺术，越来越影响着我们今天的生活，并已经深刻地渗入到设计领域。当代艺术所关注和所要解决的问题，已经与较早的现代艺术有了很大的不同，那些表面看起来混乱、东拼西凑的艺术形式，无不是对我们这个困扰的时代的忧虑。这是当代艺术在思想和主题表达层面上的涵义。另外一个层面就是当代艺术发展到今天，设计的成分越来越多，也可以说当代艺术就是设计的艺术。就目前的我来看，是设计的发展带动 了生产力的发展，而生产力使人们的物质需求得到满足，从而使人类对设计作品 有了艺术和美的层面上的需求，最后的最后，人类的艺术观念或者说是审美观， 又会反过来影响这个时代设计作品。总之设计出的作品本身也是一种艺术。

有人说，设计是沟通，传达。而艺术是表现，创作。其实不然。一个设计，如果没有起表现创作的地方能算上是好设计么？倒不如白纸黑字，也能起到沟通传达的作用，记得小学的时候写板报，为什么最后要在边缘部分加上一个花边呢？现在我明白了，是为了让他更美，而术语上讲，就是让他更有艺术性。所以多领域的修养是我所赞成的，一个只学设计的人是不会成为设计师的。艺术修养是设计师以及其设计作品必不可少的东西，艺术像一个路标，给我们指清了道路，艺术像一对翅膀，让我们任意翱翔，艺术像健壮的臂膀，用于我们去改造世界。

艺术与设计密不可分，作设计就是遨游在艺术的海洋。我们的艺

术家通过绘画，雕塑，音乐，书法等等不同的形式，在表达他们的思想，这种表达的过程，根本上取决于不同的艺术家表达能力的造诣区别。但是我们需要同时了解，当一个艺术家相对准确的表达出他的情感他的体验时，真正考虑一件艺术作品是否有更深的价值的因素，其实已经不是作品本身，而是作品背后艺术家的情感和体验是否能够引起观者共鸣。我们真正感动的是透过作品感知到的情感。我们去登峰探险能获得新的视觉经验以启发想象，设计师有意无意地把自己的生活?边缘化?，也能导致新奇古怪的想象和想法。因此应该让设计与前卫文化、当代艺术发生联系，这种超越设计自身的大的循环，才会活跃设计的学术气氛，使设计得到新鲜的思想的滋养，开启设计的想象之门。

纵观历史，艺术的变革以一种激进的方式影响了许多设计领域，艺术的发展与设计的发展并行不悖，二者都在追求一种能够体现时代精神实质的理想形式。总而言之，艺术和设计是密不可分的。无论是设计、艺术都以其独特的形式美化着、丰富着我们的生活。如今既然已经所处于四川美院，所处于一个有着设计与艺术的大家庭。作为家庭的一份子，我将终身为之奉献、为之努力，创造出自己的价值。

第二篇：设计与艺术的联系

设计与艺术的联系

设计与艺术关系密切，艺术史家往往是设计史家，按照中国美

院教授范景中的说法，贡布里希在美术界是如此的有名，以至于他

的众多学生“从他那里取其一面，即可独步天下”。

作为瓦尔堡研究院的教授，他接近了瓦尔堡等人的图像学研

究，在新的时代重申图像的重要性，尤其是对设计的重要性。

一图像和视觉

贡布里希在《通过艺术的视觉发现》文章中开篇即言:“并非所有

的艺术都与我这里说的视觉发现有关。我们的博物馆向观众展示了

种种令人眩目而惘然的图像，这些图像的范围之广，足以和大千世

界的自然造物匹敌。”我们应当如何理解这位当代最具影响力的艺

术史学家这番话呢？绘画当然是与视觉有关的，它们首先是以视觉

形式呈现给观众的，但这并不意味着所有的绘画作品，其创作基础

都是从个人视觉感受的角度出发。

我们看到从古希腊到文艺复兴再到印象派，这些时期的绘画创作

是围绕主体视觉的再现与表现而展开的，但我们也可以看到在这些

作品之外，还存在着另一些绘画作品，作者并不在意自己的视觉在

对象和作品之间的联系，他们更加注重被描绘的图像本身所代表的

意义，还创造出大量自然界并不存在的形象，这些出于想象的图形

类似于某种标记长期存在着。

我们如今所处的是一个影像技术高度发达的时代，大量图片充斥

着我们的生活，读图成为我们这个时代特有的视觉文化现象，艺术

作品被大量印刷传播，由此，对于艺术作品的视觉研究逐渐成为一

种信息研究，这种图像的本质已经完全不同于早期的图像世界了。

此外，由于影像技术的发明，产生了大量人造的视觉产品，这些视

觉产品(公共图像)的共同特点是全民共享、公众共享的，在当代社

会的一个典型特征是强行进入人们的生活空间，不管你是愿意还是

不愿意，他会以各种方式渗透在你的生活里面，进入你的私人世界，

使你不自觉地受它的影响，改变你的视觉经验和思维方式，图像化

的视觉方式成为当代艺术的主要形式问题。

二辨认和回忆

模仿论也许是对于绘画发展影响最为深远的理论。亚里斯多德在

《诗学》中提出模仿可以带来快感，他把这种模仿而形成的快感归

因于人类天性对于知识的热爱:“我们之所以喜欢观看事物之像

(likenesses)，是因为我们一面在看，一面在学习，并推断出每个

部分是什么东西，比如，这就是某某物”。通过对于自然界的模仿，

我们可以确定事物，变换不断的视象需要被转化为具体的图形固定

下来，进而在心理上可以实现对于我们所里身的这个世界的控制，

这样我们与世界的关系可以得到一种现实的、具体的实现。

贡布里希的图式修正理论取代了传统绘画研究中的观看再现模

式，这也意味着人们是通过学画而学会画画的，并非通过观看学会

画画。贡布里希提出，绘画不是从视觉印象入手，而是从图式中习

得。“对于中世纪而言，图式就是图像;对于中世纪以后的艺术而言，

图式是进行矫正、调整、顺应的出发点，是探索现实、处理个体的

手段”。文艺复兴其后的画家用主体视觉中心、光学成像的研究来

矫正传统的图式与自然的关系，逐渐使得他们的作品与镜像匹配，

他们是通过“制作与匹配”而不是“纯真的眼睛”来制造出现实的

幻觉，同时也创造出他们自己的图式，这种视觉图式影响了其后几

百年的绘画图景。

二十世纪中后期，一些曾经经历了抽象、观念绘画热潮的艺术家，

又回到了具象绘画的形态中来。他们或执着于自己的想象世界，利

用媒体技术生存的大量图片，创造出一个全新的形象世界。然而，

其中还有些艺术家，值得我们去关注，他们不是简单地把绘画作为

一个产生不同形象的创作工程，而是思考绘画行为本身的意义。他

们都把绘画行为被定义为一种对于物之存在、观看行为的回归，希

望可以在其中发现真正具有价值深度的内容，我们可以看作这是从

塞尚、贾柯梅蒂、莫兰迪等画家以来的延续，在当代图像文化中顽

强地坚持着。

在绘画中描绘的东西就是注视的内容，视觉就是是一个具体的，

实在的，结果性的呈现。确实，绘画行为意味着为眼睛寻找一个可

以被落实的形象，画面最终表现为观看的结果，但在这个过程中，

观看行为往往被转化为对于目的，结果性的最终表现形式的关注，

而其结果也常常被一个限定的、具体的图像形式所替代了，视觉成

为一个标签式的名词，如此，观看行为本身的发生状态却被忽视了，

观看本身的不确定性和潜在的张力被某种既成认定的结果取消了。

视觉不应该成为一个名词结果而被固定下来，相反，视觉应该是恢

复其动词的属性，同时把画家应该把自己身于其中，还原为对一个

观看行为的自身体验。

三结语

如今，我们已经变得并不信任我们的眼睛，我们了解这个世界是

通过“阅读”大量的图像资料，它们告诉我们的眼睛所能观察到的

是多么狭窄和局限而且是不真实的。

今天图像文化的意义，也不再是早期图像所呈现的那种世界关系

的象征，它是一种大量生产，迅速传播的产品，它不是一种普通的

产品，它正在控制和塑造一个全新的世界关系和人类的生存体验，

存在的空间和深度都被压缩和平面化为一张薄片，它强化了一个对

象化的生存方式。图像与媒体技术的联合改变了我们的真实观，我

们利用它们制造了一个虚拟的世界景观，它反过来又制造了我们

“真实”的生存体验，真实与虚幻完全被颠覆了，我们正在沉沦在

这样一个图像世界中而失去了自我，失去了探究存在之本体和真实

的意愿。

观看之道在于首先要给予观看行为本身的发现意义，观看并不等

同与观看的结果，它不是结果性的，而是过程性的，在这个过程中，

通过不断的自我否定，悬置先入为主的观念，以本质直观的态度，

把自己置入到视觉图像的存在空间中去，体验和感受存在之真实的

发生境域，正如海德格尔所言:“那么，艺术品的本质或许就是：

存在者的真理自行设置入作品”。艺术作品则成为“真理发生的原

初方式”。

西方历史上一直将图像与语言划分为两个截然不同的文化领域，

在本书中，贡布里希批判了这一传统的区分，强调了二者的相通性，

这实际上也是对语言中心地位的不满。他细致入微地探讨了图像在

交流中有别于语言的诸多特点，突出了图像的优点。这种“图像语

言学”的研究是设计最为直接的理论资源，也正是我们所极为缺乏

的。