高中美术班崂山北九水写生画展

前言

秋高气爽，天高云淡，金风掀起日历，又是一年黄叶在枝。在这如诗的季节里，我校高中美术班全体师生前往崂山北九水，凌绝顶，览众山，找寻心中五彩斑斓的梦，寻觅梦中的秋水长天……

色彩是什么？什么是色彩？认识色彩，是我们这次写生的目的。

蓝天，白云，丽日，群山；青松，翠竹，红叶，黄花……

面对这样丰富的语言，孩子们个个睁大了眼睛，怎样用画笔再现这种美好呢？ 一周来，我带领孩子们与风景对话。我们用蓝色描绘清晨，用玫瑰色扑捉黄昏，正晌午时，学生认识了固有色；阴天时，色彩凝重；晴朗的天气，色彩艳丽；山间的云雾，演示着虚虚实实……我们用饱满的笔触表达丰盛与美好，用枯涩的顿挫象征激烈与锋芒，象孩子与母亲的对话一样，从最初的晦涩，一点一点开始。难免急躁、难免沮丧，凭着这帮孩子们的执著与坚持，才有了后来的流畅，到再后来的随心所欲，而此时，色彩，已经悄悄地生长在学生的眼睛之中。

我试着让学生与风景对话：在河床的石头上读时间的足音，在沧桑的房子上领略历史的沉重；在山间小路上我们感受什么是高耸与巍峨，在山头上懂得什么是开阔和深远。 搜尽奇峰也好，手捉造化也好，对生活美的体验就在这样的感受中日复一日地增长着。终于，神奇就出现在学生笔下。

艺术因回归自然而富有灵性，自然也因艺术的渲染而更添活力。让我们凝眸这一幅幅稚拙之作，放飞思绪，共同去品味自然的绝妙神韵！

20xx年秋 万春玲

第二篇：风景写生教案

风景写生

《 》教案

目 录：

一、风景画起源和发展

二、油画风景写生

三、水粉风景写生

四、水彩风景写生

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风景画起源和发展 （教案）

课程名称：油画风景写生

教学目的和基本要求

艺术社会实践(风景写生)是让学生到大自然中、去感受和体验大自然的魅力、并学会用绘画的语言去再现它、采集地方文化，对民族建筑及风俗进行探究，把地域文化与现代文化有机地结合起来，学习归纳自然形态、创造自我对自然感受的新形态。

风景写生是培养学生的综合素质的一种形式，通过其课程训练学会敏锐的观察和捕捉物象的能力、本课程是对大自然中的造型形态及光和色彩之间的关系进行分析和观察，把不同时间的光影关系和对物象的感受通过绘画语言反映出来，使学生更进一步地理解和认识自然美，提高艺术造型能力。

教学内容

第一讲：印象派

印象画派是以莫奈的日出?印象而得名、它打破了古典绘画的造型模式,大部分画家走出画室直接观察大自然中的光色关系,非常生动地记录和描叙了不同时间光色关系,它科学地剖析的光与色彩的关系,使当时绘画技术和绘画风格走向现代,多层地丰富了人们的审美趣味.莫奈一直坚持印象派绘画风格,他常在同一个景物的面前、在不同时间里画几张作品、使它们在不同时间里产生不同的魅力、还有就是一切色彩都是受光源色的影响、既所谓没有光就没有色. 第二讲：新印象派绘画

以修拉?西涅克等人为代表的,把颜色分解,就是把颜色(原色)并置一起,让视觉混合色彩，使色彩更明亮而又富有跳动感,它是通过点彩的方式使色彩混合空间，让人产生一种新鲜感。它们的代表作品有大宛岛的星期天等等。 第三讲:枫丹白露的画家群

柯罗是名乡村风景画家,他以朴实的写实手法表现了法国十九世纪枫丹白露的自然风光、非常具有他个人风格，以及他特有的灰色调、使画面产生一种协和统一感及优雅的自然美感.他的代表作有枫丹白露的回忆，陈风等等.当时和他在一起画画的还有一批青年画家，他们创作了一批十分具有法国乡村特点的风情 3

画，其中象术勒，热帕热等一批优秀的风情画家对法国美术史起到一定的推动作用。

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油画风景写生 （教案）

课程名称：油画风景写生

教学目的和基本要求

自然界的光线和景物丰富多变，通过风景写生，可以锻炼学生对色彩观察敏锐和快速反应的能力。

外出写生所带绘画工具官轻便、实用。主要工具：

一个装油画颜料和画笔、画刀、画板的画箱，最好是带支架的画箱，以便于调整上下高度。

若干张涂好底子的硬纸板，最好备有方形和长方形两种类型以便于构图。也可准备涂好底子的画布和少量油画内框，将画布裁成与内框相合的尺寸，画前用图钉将画布临时固定在内框上。画完后可取下，再钉一块画布—上去。

风景写生的画幅尺寸一般都不大，这主要根据写生的目的而定。比如，训练色调，一本书大小就可以了。如果是综合性训练，尺寸应大一些。画幅越大就越难控制，这也是对一个人技术水平的检验。

少量的松节油。根据个人的作画习惯也可带一点调色油。一些擦笔用的废纸或废布。

教学内容和方法步骤

一、构思与构图

1、选择景物，第一眼的“印象”至关重要。

当你的视觉第一次接触到眼前的景物时往往会产生某种异常强烈的“色彩幻觉”，这往往就是你要表现的色彩原始动机，是未来写生的发展趋势和目标。这第一眼里包含着你的内心与自然碰撞出来的火花。视觉在经过这很短的“兴奋期”之后，进入稳定的“适应期”。这时，眼前的“色彩幻觉”消失，——切色彩都恢复了“正常化”、“一般化”。这种状态是画家最不希望出现的。因为，艺术就是表现“非正常”、“不一般”！就是要追求那个“幻觉”！不要放过最初的——一丝一毫的感动，而要将其纯化放大，带着想象并在整个 写生过程中追随它，你的色彩写生就会有一颗生命的种子。自然光线每时每刻都在发生变化，但哪怕是瞬间的感受形成的“印象”，都应该长久地萦绕在你的心头，形成你写生中不变 5

的信念。选景时，还要注意所在的位置，不要让阳光直接照射到你的画面上。

2、构思——用绘画特有的思维方式去思考

找到色彩的兴奋点，考虑写生的构图，这个过程就收“构思”。此时要在头脑里把眼前的景物进行“过滤”、考虑“取舍”，把天、地、物化为色彩、黑白灰等关系，斟酌它们在画面上的位置。这里，首先要考虑的是形成未来画面的色调、构成画面的几个大色块以及由此形成的画面黑白灰关系。

选择好景物之后，不要急于动笔，要思考：对于眼前的景物最感动的到底是什么，怎样的色调可以表达这种感动，天、地、物这三块应在画面上各占多大面积，大的色块怎样布置，用怎样的方法表现??要充分思考。

3、构图——组织眼前的景物

在速写本卜勾画些小草图，将构思的结果用简略的线条呈现出来。构图的第一要点就是决定在怎样的尺寸框架内安排物象的比例、位置。例如：根据感受，你想画方构图，还是想画横构图？抑或想画竖构图？要收入画面的物象应当画在什么位置上，天、地、物色块各占多大面积？它们的图形关系是否有意思，是否主题分明，等等。

待构图基本确定后，便可在画布上起草。起草的方式可以有多种，一般的方法是用大小适中的油画笔蘸松节油，将熟褐稀释成稀薄而透明的颜色，在画布上简略地勾画出景物的大体位置。此时用色不宜太厚，以定位为主。也可用其他颜色，这要根据所画物象和色调而定，初学者最好选择较为柔和的颜色，慎用鲜明而渗透力强的颜色，因为这些颜色很容易上泛，给以后作画带来麻烦。

二、铺设大色块，明确色调的倾向

油画的色调是由画面中几个主要的大色块构成的。大色块的色彩倾向使色调的倾向得以明确，因此，一般总是从铺大色块开始，从明确色相关系开始，从重色块开始。

在铺设大色块时，一是要薄，二是要快。不要求一遍准确，也不要过分注意细节，甚至可以把你对色块的色相感受夸张地涂抹出来。这样做，可以避免因怕色彩画不对和过多地注意局部色彩而畏首畏尾、精神负担过重的现象。

要知道，正确的色彩关系是不可能一步到位的，总要经过不断调整才能达到，一开始的铺设不过是起到一种色彩标记的作用。当然，这样说并非不顾写生对象 6

而任意涂抹，而是要在感受对象的基础。上去明确色块，而且必须注意色块之间的关系，这样才能为下一步深入调整打下基础。

从油画的作画特点看，画的遍数越多色彩就越容易灰暗。因此，开始画鲜明一点是有好处的，当然，鲜明要有分寸，不能太离谱。

铺大色块，明度的控制很重要。特别是逆光的色彩，初学者往往容易画重。要压缩自然光色的明度，学会运用色彩的冷暖关系表达物象色彩（参见静物写生步骤四所讲的内容）。塞尚有——句名言：“阳光无法复制，但是必须用其他的东西把它呈现出来，那就是色彩。”科学不论怎样论证它们之间必然的、逻辑的、光学的、物理的联系，都代替不了视觉对它们的直接感受与观察。我们所看到的是光源色、环境色、固有色三者组成的综合的色块印象。我们要捕捉的也是这个色块印象。

一、油画的底色技术

掌握油画技能首先要对不同制作技术进行研究。其中，油画的底色技术是最具代表性的制作技艺，是油画技艺的重要组成部分。从传统的角度看，底色技术是画家为表现光暗效果、大胆简化繁琐作画程序提高作画速度所创造的有效的方法。在有色底子上作画曾一度成为油画制作的标准。历史上曾经出现过多种类型的底色：在“蛋彩画”技术中画人物肉色之前要先画一层绿色的底子；以后又出现了在暗褐色底子上、在各种颜色的底子（土红色、淡赭石色、黄褐色、灰色、淡灰色）上作画的技术，这些都属于中性底子的油画技术；只是到了19世纪才出现直接画在白色底子上的油画技术。到了近现代，底色技术已发展成油画的重要语言技巧。仔细研究底色技术并发挥这一技术的独特魅力是提高油画技能的重要课题。

1、底色的效果

油色的稠厚特点使它比其他任何性质的颜色都具有更强的遮盖力，实际上，这正是油色的魅力之一。即便这样，当把同一种油色画在不同的底色上时，仍会给人以不同的感觉。画在白色底子上的颜色明亮、鲜艳而透明，但也容易给人以单薄的感觉；暗色底子会使颜色厚重、沉着，同时也容易给人以沉闷的感觉；将白颜色分别画于褐色底子和黄色底子下，白色会呈现不同的冷暖区别。当我们把油色再稀释一点涂在有色底子上，底色层的颜色便会从半透明的表层色下依稀地 7

透露出来，对油色的稀稠加以控制就会在有色底子上表现出色彩变化来；如果底色不是平涂而是也制造一些变化，那么就会产生出更加丰富的色彩变化。利用好底层色、控制好表层色就能以少胜多，以精练、概括的用笔和颜色表现出其他画种所无法达到的神奇效果。伦勃朗有油画《入浴的亨利克治》充分发挥了底色技术，塔称油画技巧的楷模。

2、中性底子的妙用

在所有成功地利用底色的油画中，尤以中性底子为多。它在制作中与上述的白底子和暗底子的表现不同。不论是红土底色还是灰底色，在视觉上都呈现为中等明度，画家以中性色为底，画上重颜色，加上亮颜色，方便地表现出明和暗的造型特点。戈雅的《自画像》清晰地显露出画家在红土底子上所使用的加暗提亮的方法。鲁本斯的《猎狮》可以看到用薄而透明的大胆笔痕涂刷出来的底色，画家用红土色、黑色和白色分别强调出造型上的明暗变化，表现出意想不到的轻松而丰富的效果。德加在《洗衣妇》中首先做一暖底子，然后画上各种冷的亮颜色，从冷颜色中透出底子的暖色，充分表现了现蒸汽弥漫的朦胧效果。中性底色，为向黑、白两极发展提供了表现的天地。

中性底子不一定是作画之前涂好的色底，也可以在作画时用松节油稀颜料薄涂出来，这样的底色叮根据画面需要制造出随意的、有重有浅的效果，还可作出笔触效果。德加对底色技术颇感兴趣，研究他的作品会给我们许多启发。他的《抱腕舞女》先用稀释的颜色随意地涂刷底色，颜色向下流淌的痕迹依稀可见，然后把其他颜色叠加上去造成轻松的效果。

3、底色技术的特点

底色技术的最大特点就是通过颜色的“透叠”显出画面的色彩关系。这与直接调配颜色、摆色彩关系的方法是有区别的，使用底色技术必须考虑底层色和表层色的搭配关系，以透底的方式呈现色彩关系。它比直接调配出来的色彩更具有松动性、朦胧性和神奇的效果，因此历经数百年而不衰。到了近现代，画家将古典的底色技术加以改进，从表现明暗扩展为表现冷暖、鲜灰以及带有“笔墨”表现的意味，使底色技术更加丰富和奇妙。维亚尔的《室内》充分表现了这种色彩叠加的神奇效果。

4、底色技术对当代绘画的启发

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底色的概念应是一个宽泛的概念。统一的有色底子叫底色；根据需要在一幅画中用不同颜色铺垫也叫底色；在表层颜色以下，即最后一层表现最终效果的颜色以下的所有颜色均应被视为底色。一幅油画的最终效果是由底层色和表层色共同“编织”起来的。但是假如能称得上“技术”，就意味着画家对底色具有控制和把握的能力，不像初学者因掌握不住而“乱碰”的无法状态。在布拉克的《静物》中，可以看到画家是如何有意识地在局部画上黑颜色，再以各种亮颜色“压”出变化的黑色边缘线的效果。画家越是有经验就越能在绘画过程中充分重视底色的作用或根据眼前画面的底层色彩随机应变地灵活处理表层色，使之达成不可重复的奇妙效果。这里可以给底色技术下一个定义：底色技术就是充分考虑底层色的作用，通过与表层色的巧妙配合达到特殊绘画效果的技术。

发挥这一技术优势的前提条件就是转变作画的立场，由依赖客观物象转变为对画面效果的关注，唯有转变这个立场才能从客观物象的制约中解放出来，掌握油画技术的主动权。

二、制作技术比较

底色技术是油画制作技术的重要成就，除了在油画的制作程序上，在对形与色的控制方法方面也需要加以注意和研究，因为这会给油画带来不同的表面效果。以下通过对两种不同制作技术的比较分析来加以阐述。

1、局部完成的方法

是将造型与色彩分开解决的方法。它是从一种非常古老的技术发展而来。三千多年前，古希腊人就已运用这种技术制作湿壁画，此后，文艺复兴时期的画家将其用于油画的制作中。使用局部完成方法的主要优点是：

（1）便于作者能在描绘小片局部色彩时集中全身精力和热情从而产生出精彩的效果；

（2）可以解决作画过程中的吸油问题，保持油画色彩的鲜明、生动，表面肌理平实、美观；

（3）局部画法可以在油色湿润时趁湿做衔接处理，将概括图形和色彩的工作以及画面虚实与精粗和等效果一次做好，任何一个小区域都不会被忽略掉。为达到上述的要求，需要将造型与着色分开进行。一般来讲，在作油画之前先在画布上画详细的素描，在素描中将画面结构、人物造型乃至若干具体细节都认真推 9

敲，这一过程中，作者已经在心里描绘了未来油画的效果，所以，也可以把它看作是一次预习。经过这样精心准备之后便可在画布上着油色了。作者往往从一个局部区域开始画起，并且要尽量在油色未干时将这一局部画完，然后接着画另一局部，这样一个区域接一个区域地画，直至最后完成整个画面。到油画结束前，要对整个画面作最后调整润色工作，但那只是一些局部的小改动，已无碍大局。由于有了底层素描作为构图控制的依据，画家可以自如流畅地作画而不必担心造型失败。此种方法薄涂、厚积均可，但都轻重视一次完成的效果，以保持油画表面的美观。当然使用这种方法也可以与底色技术相结合，可以在素描完成后先薄刷一遍底层色，然后再部分地完成。那会方便画家在处理局部色彩的同时照顾到整体，并且会使油画看上去厚重一些。

这种方法要求作者必须具有扎实的基本功，否则很容易暴露作者造型、色彩等方面的弱点。另外，在局部一块一块地拼接完成的过程中必须对整体大效果做到心中有数，否则容易造成返工，油画局部完成的优点将不复存在，因为返工就意味着要在第一遍表面干而其内未干的油膜上调整，吸油是不可避免的；更糟糕的是返工造成一遍完成的表面肌理被破坏，要想保持完美的肌理、与其他不用修改的第一遍完成的油色结合得天衣无缝是非常困难的。因此，这种方法更需要卞富的经验和熟练的技巧。对主题的造型与色彩的全部细节越清楚，作品就越容易完成，并且共最终效果也将越鲜明和完美。

2、整体推进的方法

是与以上介绍的局部完成法相反的画法，是19世纪下半叶由印象派所开创的。这种方法始终将注意力放在整体的色彩关系上，注重大的色彩气氛，而并不关注某些局部细节，它是靠美的色彩关系和可见笔触的变化给人以画面整体的视觉美感。英国心理学家贡布里希在形容画家作画时这样描述道：“他把颜料涂在画布上——这里浅一块，那里深一块——直至看一块带有条纹的玛瑙石，然后他‘毫不费事地’使一片杂乱无章的颜色令人惊讶地显现出一幅完美的画。”运用这种方法的画家在开始作画时并不画初步的素描，而是只粗略地画上轮廓、定下位置便自由地将色彩大致铺展开来以取得一定的画画效果，为进一步的调整作底色的铺垫。从作画一开始到最后，画笔始终在全画面的各个地方、各个角落里寻找色彩关系，这是集形、色、笔为一体，下笔成形、成色，不像局部画法一个局 10

部一个局部地完成。对于整体推进式的方法而言，只有在总体效果已经达到时才有节制地画上细节的“点睛之笔”，这些细节虽然有时很有效果，但也只起到点缀的作用。每一个局部都是整体的部分，为了整体气氛有时必须牺牲的牛动细节和严谨、清晰的和造型。另外，由于这种方法始终把注意力放在整体上，更多地注意造型之间、色彩之间的联系，因而，画面中的形、色、笔触都体现出这种联系，表现出一种“透气”性或称为“贯气”性。它不以局部清晰为能事，而以笔笔颜色相互贯通为目的，只要这个目的达到了，即便在结束绘画时某些局部仍很潦草，仍不失作品的完整。在莫奈的油画《峡谷》中，你所能感受到的只是那由笔触、色彩交织的“气氛”。因此这种方法的最终效果带着更多的朦胧感。重气氛而不重细节是这—画法的特点。使用这种方法既可以快速地一遍完成，也可以多层积累；既可以薄画，也可以厚涂。有着比“局部完成方法”更大的自由度。

这种方法于我们是再熟悉不过了，因为在油画写生的基础训练中所使用的就是这种方法。但是，由于学生的基本问题还没有解决，整体造型不过关，极容易将油画画“散花儿”，收拾不起来，或者容易把造型画得僵硬、呆板、拙笨。正像掌握“局部完成的方法”一样，要想掌握“整体推进的方法”只有在实践中不断积累经验，精益求精，那时才能体会到这种方法的妙处及魅力所在。

以上通过两种方法的比较分析，清楚地表明了绘制技术给最终效果带来多么显著的不同。这些制作技术本身不存在好与坏，任何方法只要与作者的内心追求相吻合都是好的。每个人的审美倾向、精神追求都会影响他对于制作技术的选择、关注和探索，所以就会形成多种多样的制作技术和绘制方法。以上所举的只是两个制作技术上的极端例子，并非指只有这两种制作方法，实际上许许多多的画家习惯于把整体和局部这两种方法合并使用，他们希望能够集两者的优点于一身；也有人先从局部画起，当画面铺满后再从头至尾调整几遍，直至满意为止。总之，分析研究油画的制作技术对提高油画质量有极其重要的意义。对某种绘制技术作深入研究必将带来画面效果上鲜明的风格倾向。通过努力，每个人都会在前人的绘制技术中寻找有价值的东西，都会建立起各自的制作程序、各自的油画技术语言，呈现出各自油画的新面貌。那时才可以说是在“画”一幅油画。

三、油画的笔触

油画的笔触也是组成油画技术的重要方面。

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笔触——特指作画工具留下的痕迹。工具包括：各种形状的画笔、画刀、手等。各种作画工具蘸取颜料后采取多种运行方式，叫做“运笔”。生个画家特有的运笔方式，叫做“笔法”。通过运笔在画面上留下不同的丰富效果，就是油画“肌理”的组成部分。

在上一节“色彩衔接”里已经从形色结合的角度对油画的用笔进行过分析。油画的用笔是多种多样的，并不只用于表现具体物象，这里将从油画整体的角度再谈谈笔触的表现力。

油色粘稠、不易干等特点，使油画的用笔具有比其他形式的绘画用笔更为自由的表现力。它可薄可厚，可均匀地平涂也可画出清晰的笔触，可在底色上扫出“飞白”透底的效果也可细密衔接组成既丰富又平整的表面肌理效果。立体的厚笔触和润泽的融合是油画用笔的两大特色。

各种形状的画笔又可产生不同的表现力。平头笔、圆头笔、尖头笔、扇形笔，硬毛画笔、软毛画笔，还有从零号小笔到更为宽大的板刷等都可造成不同的效果。不仅如此，用画刀、手指作画也会产生出惊人的效果。在伦勃朗的油画中会看到最丰富的多种用笔的技法：库尔贝则惯用画刀作画：德加更是在画作中尝试多种方法，这幅《入浴》，德加用手指蘸颜色点在底色上产生出诱人的魅力。分析大师的油画，其中一项重要的内容就是仔细揣摩大师的用笔。笔触是画家心灵的轨迹、性情的流露。生个画家都有自己的用笔特点。凡高作品中的笔触让我们感到他那颗燃烧着的、炽势的心，安格尔的作品那平滑无痕的用笔蕴涵着画家内心的崇高理念。油画的用笔是如此的多样，就其丰富的表现力来看，只打中国的水墨画能与之媲美，值得我们借鉴。

正如中国水墨用笔所讲究的“一画”学说：“一笔生万笔，笔笔相生”“千笔万笔又归于一笔”。油画的用笔也在遵循着这个规律，虽然欧洲油画并未产生“一画”之说，然而艺术到了至高的境界其道理都是相通的。这个相通的道理就是“笔触关系”、“笔触结构”。黄宾虹那沧桑的山与莫奈那绚丽的水在两位大师的笔下岂不是异曲同工吗？观以上所举的画例，哪一幅的用笔不是自成一体，哪一幅的用笔不是和谐一致、“气脉贯通”？各画面的用笔，或薄、或厚、有笔触、无笔触都呈现出完整统一的效果，决无杂乱无章之感。这是一种驾驭用笔的高超技巧，以致观众迷恋于其中，为笔底流露的情感所倾倒了。

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总之，若想发挥油画用笔的表现力，就要超越基础的形色结合这个阶段，从油画的整本效果出发去研究用笔的技巧，这样才能体会到“以少胜多”、“单纯中求丰富”的境界。

提高制作技术和表现技巧是油画学习的重要组成部分，特别是高年级学生的重点研究课题。在教师的引导下，不但要广泛接触各种方法，而且还要从中选择适合于自己的表现方法进行深入研究，逐渐达到熟练掌握的程度。

系统的训练、专注的研究会逐渐形成一种专业意识，或称作专业“经验”，它是画家直觉的来源。在下意识中凭直觉在画面上选择，你的经验会告诉该怎样去画。当所有这些都与你融为一体时，当你已经不意识自己在运用技巧时，你的油画技术才能发挥到最佳水平。然而，不意识并不等于认松精神，实际上，作画时精神是高度集中的，就像练气功需要凝神静气一样。不如此，技将不附神韵，画则不足以为精神的载体。

专注于某种技术，代表了画家的审美观念和审美取向，但审美观念和审美取向却不仅是在绘画训练中培养的，也是一个人对生活的方方面面的体验，对生命的感悟（其中也包括艺术体验）中形成的。认清这一点，才能对提高油画的技能有更为本质的认识。

附：准备相关作品的幻灯片资料。

水粉风景写生 （教案）

课程名称：水粉风景写生

一、色彩实体与色彩效果

色彩实体是从物理或化学上可以阐明和分析的颜色，即颜料。

眼睛和大脑通过比较对比而得到清晰的感知，一种有色彩的明暗变化可根据它同一种无色彩——黑、白、灰色的对比关系来决定，或根据它同一种或多种其它色彩的对比关系来决定。色彩感知是生理学上的真实，它同色彩的物理、化学上的真实有区别。

色彩效果——生理学上的色彩真实。色彩实体和色彩效果只有在和谐的多种 13

色调的情况下才会一致，在其它所有的情况下，色彩实体会同时变化为一处新的效果。

当色彩实体与效果不一致时，我们就取得一种不调和、不真实的和不固定的表现力，物质和色彩真实具有一种能产生不真实颤动的力量，正是这种力量使得艺术家能够有机会去表现无法表达的效果。

人们在任何时候都能够准确地看到这十种色相中的任何一种，中间色调也都很容易指出，必须像音乐家准确地听到他的声音音阶的十二种音调那样，准确地看到十二种色调。

德拉克洛瓦在他的画室墙壁上挂着一个色轮，每种色彩上都标明可能结合的色彩，印象派画家塞尚·凡高、西涅克、修拉以及其它画家都把德拉克洛瓦看成是一位杰出的色彩学家。在现代画家中成为新倾向创始人的与其说是塞尚，不如说是德拉克洛瓦，这种倾向将作品构造建立在辑辑性的，客观的色彩原则上，从而使作品达到了一个条理的和真实的高度。

二、色相、明度、纯度（色彩三要素）

色相 即颜色的相貌。如红、黄、蓝、绿、紫、灰、黑、白颜色等等。各种颜色，呈现出各种不同的面貌，便叫“包相”。

明度 即颜色的明暗程度，它包含有两种意义，一是颜色本身的明暗，如深红、红、淡红、深蓝、淡蓝等。二是色相互相比较的明暗，如黄颜色的感觉比绿颜色亮，紫颜色的感觉比红颜色暗。以六种标准多之间作比较，各色的明度也就不一样。

纯度 是用颜料色与光谱色作比较，求其色相最相似的颜色，已达到饱和状态，无杂色掺在里面，便是纯度最纯的颜色。所以，纯度又称色度或饱和度。例如：一种红颜色，它已充分发挥了它的固有特性，不能再有增减而呈最鲜明的状态，若稍淡或加白则软弱无力，稍浓或加黑则黯然无光，这正好达到了它的饱和点。

色相、明度、纯度这三者，在实际运用时必须同时观察，有时对某种颜色，色相是找对了，但明度不对，或纯度太饱和了，也就很难调准颜色。所以，在观察色彩时，最好的办法是运用相互作比较的方法，才能正确地分辨出色彩的区别和色调的变化，特别是对待近似的色彩。

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三、色彩对比

在两种相比的效果之间所能看出的明显不同，我们称之为对比。

感官是通过对比而起作用的，眼睛只有看到一个较短的线条作对比时，才能承认另一个线条是长的，色彩效果同样是用对比的方法来增强和减弱的。

（1）色相对比：

色相对比是七种对比中的最简单的一种，它对包彩视觉要求不高，因为它的是由未经掺和的色彩以其最强烈的明亮度来表示的，一些明显的色彩结合有：黄/红/蓝，红/蓝/绿，蓝/黄/紫等。

（2）明暗对比：

白天与黑夜，光明与黑暗这种规律在人类生活和自然界中具有普遍的基本意义。作画者可使用的最强烈的明暗表现是白色和黑色，黑色和白色的效果在所有方面都是对立的。

（3）冷暖对比：

将温度感觉同视觉领域的色彩感觉说成是一回事，看来可能是奇怪的，但是，实验已经证明，在粉刷成蓝绿色的工作室里和粉刷成红橙色的工作室里，人们对冷热的主观感觉相差5至7度。

（4）补色对比：

如果两种颜料调和后产生中性灰黑色，我们就称这两种色彩为互补色。从物理学上说，两种互补色光混合在一起时，产生白光。

（5）同时对比：

任何一种特定的色彩，眼睛都会同时要求它的补色，如果这种补色还没有出现，眼睛就会自动地将它产生出来。正是由于这个事实，色彩和谐的基本原理才包含了互补色的规律。

补色的同时产生，是作为一种感觉发生在观者的眼睛之中，并非是客观存在的事实。因此，这是无法摄影复制的。将同时对比和连续对比置于同等地位，也是有道理的。

同时对比效果不仅发生在一种灰色和一种强烈的有彩色之间，并且也发生在任何两并非准确的互补色彩之间。两种色彩分别倾向于使对方向自己的补色转变，因而通常这两种色彩都会失掉它们的某些内在特点，而变成具有新效果的色 15

调。在这种情况下，色彩就会呈现一种有生气的活动力。同时对比决定色彩的美学效用。

（6）色度对比：

饱和，或色质，指的是色彩的纯度。色度对比就是在纯度的强烈色彩同稀释的暗淡色彩之间的对比。由白光色通过棱镜产生的色相是最大的饱和色，或称色相的最强度。

（7）面积对比：

面积对比是指两个或更多色块的相对色域。这是一种多与少，大与小之间的对比。

画面上的色彩面积配置不当，可使调和的色彩过分调和而趋于单调，也可使过分刺激而破坏整体色彩的协调，为了提高画面色彩的效能，应采取色彩面积大小不同的对比。大面积与小面积的色彩在一起，能产生相互陪衬的效果，对突出主体亦有很大的帮助。

四、写生色彩的观察方法

写生色彩的观察方法关键是从整体观察，最容易出现的问题，就是从素描到色彩都单纯地从局部进行观察，几乎是推着画，有时候被某些局部的华丽色彩所吸引而一味追求，却破坏了画面的整体色彩，有时只注意色彩关系的刻画而忘记了素描关系的安排，有时注意形却忽略了色彩，这些问题的解决需要的是多画、勤思考、多研究，具有针对性的勤学苦练，从中找出问题，质的飞跃还要靠量的积累，只有付出了辛勤的劳动才会获得良好的收益。

整体观察就是首先看到一种整体的、和谐的大小色块所组成的总的色调特征，不能只盯局部，要建立大的色彩关系，所谓色彩关系就是指总色调和色彩之间的明暗关系、冷暖关系、饱和度关系以及色彩之间的各种对比、协调关系，各种色彩因素之间的相互制约关系。

客观世界色彩的现象，千变万化，人的眼睛经过实践锻炼，辨色能力逐渐敏锐，能获得的色彩感觉愈深入愈丰富。经过认真的观察才能以有限的物质颜料，经过适当的调配，去表现丰富的色彩现象，这就必须有一个反复实践的过程，才能真实地表现色彩，更好地表现出绘画的思想内容。

观察的重要性在于艺术作品的产生都原于画家对事物的观察体会，然后通过 16

形象思维，思想情感又借助于各种媒介，使艺术作品达到完善。

观察是每一位画家应放在首位的，深入自然，渗透自然并与之同化的心灵的愉快，绘画艺术的观察不同于摄影艺术那样面面俱到，它需要是主动去处理和表现画面的色彩，是画家控制画面，而不是画面控制画家，这是会画与不会画的两种状态。艺术不是生活的摹写，而是艺术再现，面对一组静物，美好的景色或生动的人物，在画面表现时，不能作对象的奴隶。只有认真观察，才能画的得心应手，培养正确的观察方法，才能应付和表现一切对象的能力。

一、固有色

一切白光，既是由红、橙、黄、绿、蓝、紫色组合而成，光线投射到物体上，就产生吸收和反射作用。由于物体表面质的不同，其吕一部分光被吸收，一部分光被反身出来。反射出来的色光，就是我们平常所见物体的色彩，亦称物体的“固有色”。

二、光源色

即光的色相，光本身的色彩倾向，来自不同发光体的光具有不同的性质。例如，阳光和灯光有所不同，不同的光源导致物体产生不同的色彩。这种不同来源的光，笼罩着我们所描绘的对象，使物本固有色起着变化，光源色对物体的受光部影响比较大，物体也就变得丰富多彩。

三、环境色

世界上任何物体都不是孤立而存在的，物体色彩都受到周围色彩及其它条件的影响，它们的关系是互相影响，互相制约，物与物因光的照射，就会引起相互映射，彼此影响物体色彩的面貌，特别是在物体的暗部反光部分比较明显。当我们观察对象色彩时候，眼睛不宜牢牢地死盯住一处看，应当同时注意周围环境的色彩。观察环境色对物体有何影响，常言道“近朱者赤，近墨者黑”。观察物体也是这样，譬如，我们画一个站在红色背景旁的模特儿，他身上必然受到红色的映射，如果模特儿穿红色衣服，背景是白色的墙壁，模特儿的身上会受到白色墙壁的影响，而白色的墙壁也受到红色衣服的影响，而产生色彩。根据不同环境，不同条件，有时色彩影响物体的局部，有时则影响到整体，这就是“环境色”。

四、画面色调

画面色调一词简单地说是指画面色彩的总倾向或者说是画面色彩总的特征。 17

使各个固有色不同的物体，都带有统一的色彩明暗或冷暖倾向，就称为色调。这和音乐上声音的强弱、高低，有一定的旋律称为声调，是同样道理。

注意两点：

1、对立色彩的面积较小，不影响画面整个色调。

2、对立色彩的色性应尽量向基调靠拢，如一幅暖调子的画面上，如有较多的冷色，则尽量使这些冷色偏暖，使其与基调协调。

水粉画的特性

水粉画是用水调和粉质颜料，画在纸上或布上的一种绘画。性能上介于水彩画和油画之间，水粉画颜料中含有粉质，颜色不透明，因此遮盖力较强。水粉颜料干画厚涂类似油画，湿画薄涂又似乎像水彩画。也由于粉质的关系，颜色湿时和干后稍有差别，湿时比较深，干后变淡，这种性能一旦掌握便可运用自如了。

在色调时，不宜像水彩画那样过多的用水。水分一旦过多，粉质产生沉淀，其色素的粒子沉淀就很不均匀，以致画面斑斑驳驳，影响画面效果。 水粉画用纸

水粉画的用纸以质地结实，吸水适中，只要不过分吸水，不过分光滑就可以。常用的有：水粉纸、不彩纸、图画纸、绘图纸、有色纸和白卡纸。各种纸的质地不同，吸水程度不同，表现效果不一，各种质地都可以进行尝式。

另外水粉画的性能掌握不好或调配不当，容易出现“生”、“灰”、“粉”、“脏”、“花”、“焦”等现象。

水粉画的工具和材料

其它设备如画板、画凳、画架可根据条件选择，以方便实用为宜。

水粉画常用的笔有水粉画笔、水彩笔、油画笔、毛笔、叶筋笔、板刷。 水粉画笔，一般选用狼毫笔为宜，这种笔弹性强，笔触效果有独特的塑造性。不易保持水分和颜料。可干、湿画法兼用，是画水粉画较理想的工具。

另外，可根据自己的习惯，选择中国画用的毛笔和板刷。一般选用大、中、小白云笔，它含水含色多，笔触变化多，能涂、勾、点、扫，也可干笔、枯笔。勾线时可选用叶筋笔等。板刷适合画大幅作品，能画出平整均匀的色块。

选用某些工具只是一种习惯，重要的是怎么样通过工具的使用，能使作品达到一种真正的艺术效果。

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5、透底画法：这种画法可以选用白色或者带有色彩的画纸，纸底要光滑不吸水，用硬毛画笔，运笔要有力，富有弹性，笔上含色不宜过多，有意造成透底的效果。

6、水洗法：水洗画法是根据画面需要在画过的色层上用水洗，但不洗净，利用水粉颜料能被水潮解的特点，待未干透时继续画下去，如果恰到好处利用水洗法，把握好分寸，干后的效果比湿时更柔美。再加之上洗法有很大的偶然效果，利用残留的部分颜色痕迹，再加上关键部位的“点晴”之笔，会出现另的画法难以达到的效果，大有出奇制胜的功效。

水粉画的用笔方法

水粉画的用笔方法是多种多样的，运用恰当的笔触有助于加强画面的艺术感染力，是构成画面美感的重要因素。笔触不是目的，它是为表现对象而服务的。只有在不断探索和实践中寻找自己的笔触审美意识。

（1）刷：笔触成片状，常用于面积较大的部分，如背影、天空等。

（2）摆：用较干的颜料，依据菜体块面结构一笔一笔摆到画面上去，宜于塑造形体的厚重感。

（3）点：笔尖或笔肚，在画面按捺出不同大小、不同形状的点，点的时候应注意大小的结合，疏密变化。点的方法多用于画物体的高光、树叶等，也可以借点彩的办法来加强画面的色彩效果和形式感。

（4）托：笔触拖得较长，露笔锋，带“飞白”笔触流畅，常用于画头发、树枝等。

（5）扫：蘸色后，把笔头在调色盘中撂干，使笔锋松散，轻松自如地运行在画面上，只有笔的前端接触画面，常用于表现枝叶，皮毛等蓬松物体，以及背影和虚化的轮廓部分。

风景写生

风景画是一门独立画种之一，同时，又是主题性人物画的重要组成部分。因此，风景写生是我们学习色彩画和水粉画技法的重要课题。

（一）构图问题

①取景首先要选景，选最能让你激动有所感受的景物，然后把这种感受具体落实的过程。一般可以备一个取景框，如果没有准备取景框，可用两手的拇指交 19

叉成一个四边形的临时取景框。对着景物认真敲一下画面的截取范围，注意景物的安排，选择最富于个人情感表达的角色。

②在构图时，注意近景、中景、远景三景的层次的安排。画面上明与暗、疏与密、动与静、冷与暖、虚与实、软与硬、高与低、强与弱、远与近，这些对比手法的运用十分重要的只要巧妙地利用这些因素，画画才具有表现力。

③在风景画构图中，常会遇到一些毫无变化的直线，如地平线、建筑物的直线等，若不作恰当的处理，画面就会显得呆板。只有利用景物的穿插或分割，就可打破这种呆板的形式，在分割、穿插时注意分割点的距离不宜相等，景物大小不能一样，要有变化。

（二）对光线的变化及天与水的观察

①风景中比较难处理的就是朝霞和晚霞的区分，这就需要认真地去观察景物，会体会自然界的光线变化和色彩变化。

（三）树、路面的观察与表现

①树：画树应体会树的长势、树的种类，亦各有差别，每棵树的姿态和面貌是不同的。首先应理解树的基本结构，即树叶、树枝、树干、树根的有机联系和树的基本形。

画树的一般方法是先画叶，后画干、枝，如果画枯树则相反，先画干、枝，后画零星的叶片。

画树应把它的明暗块画关系分清楚，注意整体关系，运笔自然，疏密间隔要恰当。

②路面：路是一个平面，如果处理得不好，往往将平面画得远不过去，反而有翘高或竖起来的感觉。画的时候，应将近处与远处、左面与右面的明暗色度比较一下，远与近要注意色彩与透视关系。凡是路面都受天光的影响，画路面要随时与天空的明暗色调作比较。用笔上近处笔触可稍明显些。

（四）风景画写生步骤

①打轮廓：可直接用颜色将景物用线勾出来，先注意透视、比例、素描关系。虽不必须太详细，但要简胆扼要，以便下一步的进行。

②着大色：在着大的色彩时，颜料可稀薄一些，依据总的色彩感觉尽快地涂出大体的色块关系。

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把握对景物色彩的第一感受，这遍颜色不求酷似，在此基础上分清大的黑、白、灰关系，大的冷暖关系，重要的摆好画面前景、后景的关系。

③深入刻画：大的色彩关系建立起来之后根据景物的总色调一定要表现出色彩的丰富性和准确性，强调刻画景物的主次关系，直到满意为止。

④整理画面：也就是检查整个画面的空间感，前后的色彩关系是否正确，再把画面和景物加以对照一下，发现部题及时调整。

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水彩风景写生 （教案）

课程名称：水彩风景写生

教学目的和基本要求

作为色彩教学中的水彩风景写生，是一门帮助学生理解和认识基本的构图、造型、色彩、审美等规律的有效方法。它的主要目的是通过对客观景物的观察，在研究绘画基本规律的同时，理解水彩画这一包含丰富技法的画种，有意识地充分发挥它的技法之长与表现特色，树立起自己的审美意识，探寻自己的艺术表现形式（水彩语言），表达出自己的艺术个性。

教学内容

通过多年的水彩风景写生和教学实践，以下我想从观察、表现、情感三个方面谈谈水彩风景写生。这三个方面是水彩风景写生的重要环节，并相互紧密联系，构成一个完整的整体。观察是水彩风景写生的第一个环节。在这一环节中，首先要解决怎样观察的问题。水彩风景写生作为一门眼睛的艺术，是要把繁杂、百变的自然风景看成一幅画。由此，要有从局部看到一个大画面的能力，尽可能地掌握主动性，树立整体的作画意识，并忠实于自然。其次是要善于发现，要在丰富多变的自然物象世界中去发现画面。在观察中，从所关注的自然物象的结构、形态入手，从中寻找点、线、面的构成规律。如：建筑物空间构成关系，树木枝叶的线面关系，天、地、物的形状构成及色彩构成，从中寻找我们所要求的绘画空间和画面构成，最终在自己的脑海中形成一幅整体的画面景象。这种画面景象是朦胧的、不确定的，具有诱人的美，使画者产生表现的欲望和激情。风景写生中对自然物象的观察要强调对瞬间美的记忆和把握，特别是光影与色彩的变化。这是写生中变化最快、最大的两个因素，从时间上说变化以早上和傍晚最大。因此，对光影与色彩 瞬间定格，也是观察中最难的。它依赖于大脑对瞬间物象的记忆能力，也依赖于画者对空间结构、光影透视、光色原理的掌握程度，依赖于画者表现技术（技法）的熟练程度。

过程。

方法步骤

风景画，特别水彩风景写生，应首先画天空，因为天空的色彩与云雾，是瞬间万变的，有的还须用记忆才能捕捉住，若稍一迟疑，就会时过境迁，只好望天 22

兴叹了。又因为天空的色彩，直接反映在景物上，是构成画面色彩基调的重要组成因素之一，如早、晚的霞光和碧蓝的天空色彩对景物色调的影响是多么强烈与不同。再是因景物中参差不齐的树枝等画上去后，再去补天空，那就费力不讨好了。

再由于天地交界处便是远景，远景较虚，色彩与天空相近，正适宜于在画天的色彩将干末干时画远景，易取得协调与深远感。

当然，如果景物较整体，天空色彩影响不大，又急须抢抓景物的明暗节奏与时光色彩，那么先画景物后画天也无妨。这就要灵活掌握。

1、由远到近，分部进行法

水彩风景画，多从远到近、从浅到深、从虚到实进行渲染、描绘，这样容易掌握干湿与色彩和明暗层次，色阶的衔接过渡较自己然、柔和，对初学者也更便于掌握。不过，须注意掌握时间，否则前后时间差太大，色调与明暗就来统一，容易失调。特别早晚的景，日出日没，首先要定下明与暗色光对比和位置，不然就难于准确表现特定的效果。

这种分部进行法，不能看一点画一点，须有整体观念，切勿孤立地抠局部，要尽量缩短“时光色彩”的差距，并加强色彩记忆，以便于补充与调整。

2、由近及远，层次推移法

在有些特殊情况下，如时间极为勿促，或早晚橙红色的阳光照射在险峻的绝壁与古刹上，出现一种神秘而绝妙的色彩与构图，那当然即应挥笔捉住这瞬间即逝的景象，首先定下光感与色彩在景物上的位置、对比强度及冷暖关系，而后调整形体，再从中景到远景、天空，这样反推移完成。很明显，这方法带有强烈的速写性，也须有一定绘画基础之后，才掌握得住。而这种或其他随心所欲的方法、对抢镜头、抓色彩，是势所必行的，否则按步就班地画过来，偶现的景观就早已景象全非了。

3、全面铺开，统筹兼顾法

这种画法，是先求“共性”，后求形象，要求有很强的整体观念和预见能力；在进行中，看起来画面有些零乱，实则步骤性是最强、最科学，是须有一定能力和经验才能掌握的。

所谓先求“共性”，就是由浅到深地先抓基本调子（包括由浅到深的明暗关 23

系与色彩倾向），即首先用浅色铺出受光面的最亮部分，留出高光，然后用最具有画面调子倾向的浅色由亮到暗，即由高光、亮部、次亮部、次暗部、暗部、最暗，再由浅到深，即次暗、次亮、亮部。又如色彩由淡黄、中黄、桔黄、桔红、大红、紫红、青莲......这样循环推移，直到取得统一而丰富，表现出协调而有节奏的色彩与明暗关系为止。这样，画面的大体关系就基本完成了。

所谓后求形象，是避免一开始就把注意力放到具体的形体结构细部上而冲淡了对色彩的观察与感受，这首先要求集中精力把最突出的色彩感受，用最果断的笔法全面铺开，把握瞬间的微妙色彩效果后，然后才在这色调与节奏的统一下，具体地刻划出主要景物的形体结构与形象特征，最后再经调整而完成。

这种画法要求有一定的基础和画前须胸有成竹，又要有灵活机动的顺应与驾驭色彩变化的能力，和预见到画面深入的效果与难度。否则，在画途中散神失态，丢掉了主宰和信心，就可能半途而废。

附：准备相关作品的幻灯片资料

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