《利休にたずねよ》 1. 观影收获：

这部影片记录了日本茶道的鼻祖千利休一生坎坷多舛的人生经历以及对茶道之美的执念。千利休原本只是个对茶道略有兴趣的浪子，后来初恋高丽女子的死给他造成重大打击，将他引上了执著于美的一生道路。千利休的茶道美学得到织田信长的赏识，作为茶头侍奉信长。后来天下大乱，丰臣秀吉取代信长之位，对千利休同样礼遇。然而，千利休凭借北野大茶会被称为“天下第一宗师”，引起秀吉的嫉妒，最终被迫切腹自尽。

2. 感触最深：

一． 千利休与徒弟坐而论道，时常因徒弟观点浅薄而无可奈何，然而当面对强权之时，小徒弟却因为维护师傅的茶碗而顶撞秀吉，此时一向淡定不屈的利休当即下跪为徒弟求情，而徒弟却说何必去求那种人，最后慷慨赴死。师徒的关系，是学者之间那种情谊，观点之争无可非议。因此利休可以为小徒弟屈膝，小徒弟则宁死也不肯师傅自降尊严。师徒二人都可以为了对方牺牲自己，令人感动。

二． 当宗恩问利休妾身可否做你的妻子时，利休微微一笑说，能为我妻者，非你莫属。从此以后宗恩明知丈夫的心中装着另一个女人，却也尽心厮守的陪着利休走了下去。宗恩到了最后，几次忍不住想把初恋留下的茶壶摔了，却中没能下去手，内心的无奈与苦楚令人叹息。

3. 疑问之处：

利休为什么要向秀吉送上茶室名帖“待庵”？后来又送上自己的名帖“利休”？

一代枭雄丰臣秀吉为什么妒忌一个茶师，并且最终将其赐死？

4. 课后学习成果：

利休要向秀吉送上茶室名帖“待庵”是因为秀吉后来急于出征，利休想要巧意劝其静待时机。利休送上本人的改名“利休”是因为在秀吉取得天下后沉迷酒色，暴戾恣睢，利休对秀吉的夫人说，利为锋利，利休此名应该是取收敛锋芒之意。利休送上此帖，实则一语双关，是暗示丰臣秀吉已无大志，“锋芒休矣”的意思。

秀吉对利休，并非是完全的不理解。利休送来待庵的名帖，秀吉一眼就看出了利休的意思，并且听从了利休的暗示。包括后来建造黄金茶屋，给天皇冲茶之间的对话，都能看出秀吉对利休内心的分歧态度。一方面，他知道利休是大师，有他所极想具备却不具备的才能和境界，这一点让他很是羡慕。可另一方面，利休那种轻描淡写就能对他导致极大帮助的指点，总会提醒或加深他远不如人的自卑感。所以秀吉更加期望利休对本人的臣服，哪怕只是形式上的。可惜秀吉绝非信长，这种精神上的天人交战持续到了最后，秀吉还是败给了本人的自卑感，使出了最低端的解决方法。

《春を背負って》

1. 观影收获：

这是从画面到配乐到情节都无比怀旧，充满日式温情的一部典型日本电影。讲述了主人公在父亲去世后回到大山脚下的故乡，触景生情，睹物思父，于是决定脱离东京都市的名利场，继承父亲遗留的事业，挑起山间寄宿小屋的大梁。主人公在挑战自然的过程中遇到了种种严酷考验，但是在朋友们的相助下他不仅自己挺起腰杆战胜考验，也帮助了许许多多遇难的人们，尽到了自己的职责，也完成了父亲的遗愿。

2. 感触最深：

这部电影让人最为感动的莫过于几次山中救人的情节。每一次在暴雨抑或风雪交加场面下，人的生命在连绵群山的面前是那样的渺小，脆弱，不堪一击。然而正因为人不是独立存在的个体，我们有亲人，有朋友，有救援队，甚至是毫不相关陌生人的一腔热情，在他们近乎疯狂的扯拉拖拽下，濒临死亡的人们才得以从天堂的门槛前远离。其中，女主人公高泽爱在登山途中迷路，风雪的吹打下几乎奄奄一息之时，男主人公父亲勇夫刚好路过，急忙把这个陌生的女孩像对待亲生女儿般的搂入怀中，此时爱微微睁开了双眼，凝视着面前这幅如父亲般慈爱的面庞露出了一丝笑容。也许，即使背负着失去父母的深深创伤，即使忍受着刺骨锥心的风吹雪打，此时的爱的心中也是洋溢着火光的吧。

3. 疑问之处：

为什么当亨听到父亲过世的噩耗时，眼神中显露出一丝漠然？也没有最快速度的赶回家中为父亲送行？

亨在影片的最后使用了直升飞机向山中小屋运送木材用以改建二楼，可是之前悟郎叔叔明明已经告诉过他不可以使用直升机破坏堇小屋的传统，亨的做法有什么理由呢？

4. 课后学习成果：

影片前期拍摄为期一年，山中拍摄时间长达60天，剧组没有采用任何CG特效，坚持以传统的35mm胶片记录下大自然令人窒息的真实四季美景。因此影片的画面才会如此令人震撼。

刚毅倔强的店主长岭勇夫以其特有的方式培养自己的儿子亨，亨一天天长大，羽翼也渐渐丰满，直到有一天他振翅高飞，远离了早已习以为常的立山连峰，远离了自幼生长的小屋和令他百感交集的父亲。在奔波忙碌的大都会，亨西装革履走进公司，在金融圈寻找自己前进的方向，成为了物质社会中最平凡的一枚齿轮。因此听到父亲去世的噩耗时，虽然没有表现出强烈的感情，但他的内心是无比复杂和悔恨的。

亨在不断地与这些生命中重要的人们相遇，不断的学习与思考。在经历许许多多的考验之后，亨的不仅磨练了意志，以深化了对于生命以及人与自然的关系的思考。因此虽然亨改变了人工背货上山的方式，他内心的东西并没有改变，仍然蹒跚而不挠地朝着新的生活前行。

《古都》

1. 观影收获：

这部影片根据川端康成的原作《古都》改编，讲述了千重子和苗子这一对孪生姐妹重逢的故事，洋溢着人与人之间的暖暖温情和心愿在现实面前无法成真的淡淡哀伤。千重子出生后即遭遗弃，被一家绸缎批发商收养成为一名处境优越的小姐，而苗子父母早逝，不得已成为一名山里的雇工。在一次祗园祭上，相貌相似的姐妹两重逢，并且后来相认。虽然姐妹相亲相爱，但因彼此生活方式不同，两人还是各自回到了自己原来的生活之中。 整部片子充斥着浓郁的日本传统文化气息，再现了上个世纪中旬京都的传统工艺以及传统节日民俗，但是面对现代化技术工艺的推进以及审美趣味的变化，日本的西阵织等传统工艺也在走向衰落。

2. 感触最深：

最令人感动的地方莫过于千重子和苗子这对孪生姐妹之间真挚感人的至亲至爱之情。苗子为了姐姐免收旁人口舌，便把与姐姐的见面之地设于杉树丛中。当雷雨袭来时，杉林里无可遮蔽，两人手足无措之时，苗子便毫不顾惜自己，用身体庇护姐姐。最后苗子在姐姐家居住一晚后凌晨分别的情景让人动容，苗子为了不耽误姐姐的前程，为了姐姐的名声地位，决定再也不来看望姐姐回到自己的生活。重逢却无法相依相聚，生活方式的差异导致亲生姐妹的生离，种种苦楚观后揪心不已。

另一处让我感动的地方就是千重子的养父母太吉夫妇对千重子的深挚的爱。他们没有像普通的很多养父母那样为了自己的私利瞒住孩子的身世，而是诚实地告诉了千重子；他们从来没有把千重子当弃儿看待，总是像亲生女儿一样关心她；他们对千重子的妹妹也是那么的亲切友好。日本普通夫妻身上所散发的温暖人情令人感动。

3. 疑问之处：

影片开端描画了在樱花盛开的节日里，千重子和儿时的好友真一之间的对话，从对话中不难感受到两人青梅竹马的纯真爱情，然而千重子却遵循父母之命与真一的哥哥尤助在一起，为什么没有遵循自己内心的感情呢？在日本父母之命媒妁之言也是难以违抗的吗？

真一说自己太小应该只是借口吧，为了把千重子让给对其一见钟情的哥哥？

秀男因为家庭条件的差距放弃追求千重子转而追求苗子，仅仅是把苗子当作千重子的替身吗？如果是出于这样的原因那么秀男就是整个片子里面唯一的渣男。。。

4. 课后学习成果：

《古都》小说中的思想基调是虚无和幽玄。川端康成把这对孪生姊妹襁褓中的分离和成人后的重聚加以情感化的处理，使两个人物始终陷在缥缈、缠绵的感伤之中。在小说中，作者通过她们微妙、细腻的感情变化和思想活动来突出虚无思想的主旨。千重子每每出现，她心头总有种解不开、剪不断的“一缕淡淡的寂寞情绪”，“一股难以名状的痛楚”。她对生活的前途毫无信心，养母向她提起婚事，她“面带愁容，久不言声”。姐妹的团聚，没有冲淡她心头的寂寥和悲愁，却给她增添了“新的哀伤”。总之，作品就是通过这些人物感情和思绪的描写给人一种世事无常、缥缈无迹的感觉，体现出作者的虚无思想和颓废情感。 川端康成是日本新感觉派作家，著名小说家。1899年6月14日生于大阪。他的晚期作品《古都》和其他两部中篇小说，于19xx年获得诺贝尔奖委员会审核通过。其他两部为《雪国》与《千羽鹤》。

三次课程学习总结:

这一周以来的最大收获就是终于能够抱着鉴赏和学习的态度静下心来看日本电影了。以前自己因为日本电影的节奏缓慢冗长而对于日本电影比较排斥，几乎不怎么主动去看，即使看也都是些青春校园类消费型电影，仅用于派遣时间和学习日语。但是这周看的每一部都是充满人文情怀的典型日本电影，虽然节奏缓慢，然而意味悠长，留给人很大的品味与思考的空间。

像《利休にたずねよ》和《古都》这两部电影，不仅在情节方面扣人心扉，也富有历史意蕴和日本传统文化的学习鉴赏价值。当然，观影期间老师的不时说明指导对于我们来说真是不可缺少的，没有一些背景知识的介绍和文化常识的了解，也就无法对作品进行深层的把握和理解。所以庆幸自己没有三心二意地对待这样难得的观影机会，没有白白浪费。

《春を背負って》这部就是催泪大片了，也是我最倾心的一部。十分喜欢其中的怀旧画面和配乐，也时常被影片中重峦叠嶂的巍峨群山所震撼，抑或被贯穿始终的温暖人情所打动。背负春天也就是背负爱与希望吧！还有不断战胜厄运继续迎接未知的挑战。每一次的热泪盈眶也是一次灵魂的净化，在日渐麻木的日常生活中时常谨记守护住爱，呵护住暖，日子也便不会那么暗淡。值得一提的是，当天因为天气的原因大家的心情都是相当阴翳的，当时我也为起早冒雨赶来的老师和同学感到不值，然而现在想起却也饶有趣味，影片里千岩万壑风雪交加，教室外积水成患阴雨连绵，大家都在与自然进行着某种抗争，也算是应景吧!

无奈现在才疏学浅，所知尚少。希望以后能够在熟悉背景知识，了解文化底蕴的基础上更多的观赏一些这样有营养的影片，杜绝电影垃圾！

第二篇：日本电影《情书》观后感

这部电影现在看来也可以算是一部老电影了。从19xx年到现在，已经经过了10多年的沉淀。其实在很早的时候就已经看过，不过那时候对艺术手法什么的一概不知（当然，现在也只是略知一二），再加上时隔已久，对片中的很多细节已经全然记不起来了。

在05年的时候，本片发行了十周年纪念版的DVD，并在日本等地举行了重映，不过并没能引起年轻人（指20岁以下的青少年）的兴趣。有评论认为是现在的年轻人已经不再有那种10年前那一代人的情怀，他们太浮躁，太浅薄。也许并非如此，现在的电影手法实在太多，很多桥段10多年前才刚刚出现，非常的时尚，但在现在看来却已如同陈词滥调一般，所以那些年轻的观众对此不以为然，也无可厚非。毕竟他们是在电影发展到现在这个高度后才加入进来的，他们的起点已经不一样了。

对比

对比应该说是电影最重要的一种手段，目的便是造成反差。可以是人物、场景、情节（影片节奏）都可以形成对比，其中人物之间的对比是最直观的，而场景的对比却往往被观影者所忽略。

首先就是《情书》里的人物对比。

因为都是由中山美橞来饰演的缘故，所以从相貌来区分两人显然是不合适的。所以岩井俊二刻意为两人准备了两种完全不同的心境。渡边博子的出场基调就是伴随着忧伤，白茫茫的一片雪景，把苍茫、无助、凄冷之意全然展现。而女性藤井树的登场却完全不一样，即使生病，却还是带着精灵古怪，那个邮递员的配戏部分则更是烘托出了这种愉悦的气氛。需要一提的是，导演为了保持这样一种对比，女性藤井树全片都是带病出场的（初中场景除外）。由此同为中山美橞的两位女性的反差已经出现，同时也很好的解决了观众会搞混两人的问题。

当然，少男与少女藤井树之间也存在着对比，只是这样的对比非常明显，无需深入分析。 所以，对于女性藤井树而言，存在着双重对比，一边是和相貌相同的渡边博子，而另一边是和姓名相同的男性藤井树。这样的处理，可以说是非常独到的。

接下来是一个场景的对比。

上一个场景是开场不久后的一个全景镜头，只有两种颜色：黑与白，完全的冷色系镜头。渡边博子独自一人身着黑衣在白色的雪地上行走，形单影只，孤独无助，整个画面看不到一丝的希望。因为是葬礼的关系，黑色则自然而然的代表了死亡，我们在后面知道，死去的是她的未婚夫。所以此时的博子是和孤独、死亡、绝望联系在一起的。

而下一个远景却完全不同（因为是在室内的关系，所以不可能像上一个镜头一样，那么的宽阔）。因为玻璃炉中火光的关系，整个画面显得非常温暖，不再是上一个场景中冰冷无情的感觉。而人物也变成了两个，渡边博子不再是一个人，还有和她的关系有些暧昧的秋叶茂。博子已经不再孤独，而柔和的光线也仿佛带来一种希望。

这里除了镜头的色系、博子的处境这两方面有着前后对比之外，还间接存在着两个男人之间的对比。在雪地场景中，藤井树是不存在的，令人忧伤、寒冷，而在玻璃工艺品作坊的那个场景中，秋叶茂却是活生生的站在那里，让人感到一丝暖意。

还有一个是剧情上的对比。

虽然两场戏中的人物都是坐着，但是气氛全然不同。上一个场景中，藤井树的母亲和爷爷正在激烈的争论是该等救护车还是直接跑去医院。而第二个场景中，则情节发展的很慢，还稍有些凝重，三个人一起陷在对阿树的思念之中。这两段戏，在剧情上并没有关联，而且是否是同时发生也未作明确交代，所以很明显，是导演有意把他们剪辑到一起的。用剧烈和舒缓的节奏对比，带给观众一种张弛有度之感（当然这两部分也可以看成是平行剪接的一种）。

综上所诉，人物、场景、剧情的对比在《情书》中无一缺少，由此也可以看出，本片作

为日韩纯爱电影的一个巅峰代表、一个先行者，并不是徒有虚名的。

戏剧冲突

一部好的影视作品就像文学作品一样，是不能缺少戏剧冲突的，就好比茶叶之于开水。只有在矛盾之中，剧情才能逐步深入（这与哲学中的矛盾理论倒是不谋而合）。 下面是中山美橞和豊川悦司之间的对手戏。

两人各占据着差不多一半的画面。左边，博子因为写信的人不是她的未婚夫而沮丧；右边，秋叶因为博子至今还陷于不切实际的幻想中而恼火。两个人的矛盾显而易见，秋叶想让她走出阴影接受自己，但博子却执着于过去的回忆中，想方设法要找寻阿树的痕迹。没有太多激烈的言语（当然，秋叶还是稍稍得吼了几句，不过总体来说是比较收敛的），气氛却已经剑拔弩张。这就是“戏剧”冲突的一个最好的例子，绝非肢体冲突，也不是普通的口角，点到为止。当然并不是说戏剧冲突就不可以有肢体接触、言语冲撞的场景，只是那样的话更多的是流于表象，而这样一种内敛的手法则更具有艺术的张力。

此外还可以看到（当然这和戏剧冲突无关），仔细看一下这个场景的光线，可以发现，博子刻意低着头，把脸埋在阴影之中（秋叶的脸上则可以清晰地看到光线的反射），这也可以作为是她不愿正视现实、还沉浸于痛苦的过去的一个佐证。

而这这两个冲突则已经发展到肢体阶段了。

特别要说一下的是这一组场景的构图。与之前那个例子，博子和秋叶分布于屏幕的左右两边不同，这次，四个主角两个一组，集中在画面的差不多正中间的位置。这是冲突最直观的表现，相较之余，高下立见。前者的高明之处就在于，即使矛盾双方本身没有接触，但是两人的冲突早已凝聚在画面的中央。就好比高手对决，身未动而剑气已直指对方。而后者借助于肢体语言来表达，太过直白，显然逊色不少。

另外，把这两个场景作为一组，是因为他们想要表达的意思是一样的。不论是少年还是少女藤井树，他们做出过激行为的目的都是为了掩饰自己内心的感情。

上面三幅画面，来自本片的第一个煽情部分。之所以引用同一场戏的三个不同角度，是因为这三个角度的发展，就像是在为“戏剧冲突”来了次最完整的解释。先是藤井树的母亲和爷爷扭打在一起，集中在画面的中央；之后两人分开，但是岩井俊二并没有直接转入第三个画面，而是用第二副做了个过渡，可以看到虽然两人分开了，但是还是处于画面的正中；最后才给出第三幅，两人分布于画面的左右。第二个镜头的用意很明显，就是矛盾双方虽然并没有接触，但是他们的“冲突”还是纠缠、碰撞在一起，并没有分开。所以，可以说这一组镜头给全片的戏剧冲突来了次很好的总结。

重复

就像音乐，时常会有重复的乐句出现，而电影作品中一般来说重复最多的便是是场景。更进一步说，电影中场景的重复很多时候是没法避免的，但就像音乐中所谓的主题变奏一样，好的导演也会让它看起来和上一次的有所不同。

下面是一组在秋叶的玻璃工艺品作坊的场景。

两个画面同为中景，粗略看来有点像两个不同的场景，但是仔细看一下物品摆设可以发现，其实是在同一个房间内。抛开白天与夜晚的时间差异不说，可以很明显的感觉到，摄影机的机位是截然不同的。上一场景中摄影机的位置在玻璃炉附近，而下一场景则到了对面。从某种意义上来说，也可以算是一种“场景变奏”了。

另外，可以发现，白天场景的画面有种烟雾弥漫的感觉。很显然这不是玻璃作坊的特有效果，因为同样是这所房间，在晚上的场景中就很干净，完全没有这样的雾气。而且，在画面的上方有一道很诡异的蓝光。所以是导演有意而为之，用来配合这一场戏的朦胧氛围——

博子和秋叶在研究那封回信到底从何而来，两人的揣摩大都虚幻而不着边际，这封回信的出现就像宛如在梦中一般，又像是烟雾缭绕的仙境，让人捉摸不透。

还有一个是医院场景。

与玻璃作坊不同，医院场景在片中一共只出现过两次，而医院的内部以全貌展现、并重复出现的只有这条通向急症室的走廊。先看下一幅画面中的现实场景，一个远镜头，很平实的把这条走廊展现出来。没有朦胧之感，也没有过分曝光，非常的写实。而上一幅画面则是阿树梦中的场景，同样的走廊，但为了配合梦境这样一个前提，光线、角度全然不同。从急症室的窗口中透出并不可能存在的强烈光源，过度曝光把整个走廊照耀的一片朦胧。再配上一个左右不停摇晃的镜头角度，把梦中的不真实和虚幻之感表达的淋漓尽致。

隐喻

其实就类似于文学里的比喻，只是在电影中更多的把其称作为隐喻。

这是女性藤井树在得知少年阿树已经去世后的一个回忆场景。这里这只被冻死的蜻蜓很明显是在隐喻少年阿树。即使只是一只蜻蜓，少女阿树也会对其的死而热泪盈眶（因为这令她想起了死去的父亲）。这也为她之后因为悲伤过度而引发肺炎埋下了伏笔。

这个场景则直接剪辑在女性阿树告别中学老师之后，比之前——回忆蜻蜓——更靠近阿树得知少年的死讯这场戏。应该说是个与之前的情节描述没有多大关系的一个插叙（当然，这个插叙有一个很重要的时间提示作用，也为之后的情节对比作了一个铺垫，见“对比”中的剧情对比部分）。这个插叙在列车逐渐加速远去中淡出，并带出回忆蜻蜓部分。所以，这个画面暗示着阿叔的思绪开始渐行渐远，回到过去，同时也预示着之后的剧情也会像这辆列车一样逐渐加快，直到迎来最终高潮。

人物刻画

电影和小说一样，主角自不必多说，浓墨重彩一番是理所应当，不太重要的人物则经常几笔带过。但是把主要特点描绘出来，还是必需的。

先来看看那个女性阿树的叔叔。

这个摔跤细节的描写实在是让人忍俊不禁，这位大叔的冒失、滑稽的形象已经再清楚不过。再配上之后，他那相当有特点的笑声，这个人物虽出场时间不多，但肯定会被观众所记住。

还有位人物也是很有特点。

没错，就是及川早苗同学，这个出场表情，为这人物定下的一个基调就是神经质，不过不仅如此，下面这个表情，也是这个人物的另一个特质：

邪恶的本质一览无遗。

下一位其实在片中很早就已经登场：

既然有书信往来，邮递员当然必不可少，而女性阿树的名字，观众也是从他的口中首次得知。因为他一见到中山美橞便用一副憨态可掬的样子不止一次的喊道：“阿树~”。之后为阿树捡信的细节则把这个人物的忠厚、不拘小节完全刻画出来了。

电影不是一场独角戏，在主角之外再塑造几个有血有肉的人物，毋庸置疑的可以为电影增色不少。

拾遗

片中有个不得不提的承启段落。

从走廊的一端开始，阿树在梦中看到了已故的父亲，躺在病榻之上，被十万火急的送往急症室。一开始阿树只是目送着父亲被逐渐推远，之后在母亲和爷爷的呼唤下，开始朝着急

症室的方向飞奔而去。但是推开门后，她看到的却是少年阿树的身影，之后有关少年阿树的场景开始飞快地闪现??这条走廊和那扇急症室的门便起到了承上启下的关键作用。之前少女阿树在走廊上看到的是垂危的父亲，这象征着影片前半段一直在表达的一个主题——死亡，然而当那扇门开启之后，一连串的快速剪辑，把影片带向了另一个主题——回忆。所以，走廊的作用在于承上，而门则在于启下。

还有一个现在经常见到的手法。

上一个场景中除了藤井树外，空无一人，而下一个场景中，群众演员突然之间从四面八方涌到镜头中。而这样一种手法的运用现在来看已经非常普遍了，而且还发展出另一种类似的镜头语言，就是先用一个非常近的距离跟住主角，给人造成一种整个场景只有主角一人的错觉，之后镜头逐渐拉远，却发现整个场景中早已密密麻麻地布满群众演员。

另外，可以发现有些场景，画面有些轻微的摇晃，这是岩井使用手提摄影机拍摄的缘故。这种拍摄手法会使影片显得更加生活化，从而给人一种亲切感（顺便一提，去年的一部《科洛弗档案》把手提摄影机的拍摄手法带到了一个全新的高度）。

后记

普多夫金曾经把电影的叙述手法，也就是蒙太奇分为了五类：对比蒙太奇；平行蒙太奇；比拟或象征蒙太奇（也就是隐喻）；交*性蒙太奇；“主题反复出现”的蒙太奇。上面的回顾由于本人的才疏学浅、观察力的缺乏只提到了对比和隐喻两个部分（而且不乏牵强）。而其他几个大类的安排在普多夫金的总结面前也多有不伦之感。这一点不能不说是莫大的遗憾。好在蒙太奇的划分归类至今尚无公认的定论，故不禁暗自窃喜，因为总也算是找到了一个为本文结构不够严谨而自我开脱的借口。

另外要提一下的是，全文是基于十周年纪念版的影片写成的，从国语配音的缺失情况来看，比国内播映的版本要长一些，所以有些画面截图对于只看过国语版的观众来说会有些陌生。

应该说，这十多年间日本的纯爱电影不胜枚举，近年的话在04年前后还出现了一个以《在世界中心呼唤爱》为代表的纯爱电影小高潮，而韩国在这断时期也出现了很多此类影片，其中就包括有03年的《假如爱有天意》和98年的《八月照相馆》。由此来反观95年的《情书》，作为一个先驱者，其中就已经包含了很多之后不断被运用到的经典元素：比如书信、红色的邮箱、疾病、死亡以及那种若即若离的感觉等等。不须多说，《情书》在这类电影中的地位是无可取代的。岩井俊二自称是“影像作家”，从上面的回顾也可以看出，严谨的镜头语言使得他绝对配得上这个称谓。

闲暇之余，让过去的思绪静静的流淌，也不失为一种惬意。