歌剧欣赏
《茶花女》
《茶花女》是威尔第的「通俗三部曲」的最后一部（其余两部是《弄臣》及《游唱诗人》），它所获意大利人的欢迎也是不亚于《游唱诗人》。
这是根据1852年法国的作家小仲马(Alexander Dumas)的戏剧「茶花女」( La Dame aux Camellias)而写成。这部歌剧充满着优美的咏叹调，其出现密度之高，使得和比才的《卡门》一样，成为美歌集一般，即使不太明白剧情，但绝对不会感到有「冷场」，所以，它也是很好的欣赏入门的歌剧．
威尔第的三幕歌剧《茶花女》于1853年在威尼斯进行首演，虽然由于各种社会原因而遭到失败，但它很快就得到了全世界的赞誉，被认为是一部具有出色艺术效果的巨著，并由此成为各国歌剧院中最受欢迎的作品之一。难怪《茶花女》的原作者小仲马要说："五十年后， 也许谁也记不起我的小说《茶花女》了，但威尔第却使它成为不朽。"
《茶花女》的意大利名称为Travolta，原意为"一个堕落的女人"（或"失足者"），一般均译作"茶花女"。歌剧描写了十九世纪上半叶巴黎社交场上一个具有多重性格的人物--薇奥列塔。她名噪一时，才华出众，过着骄奢淫逸的妓女生活，却并没有追求名利的世俗作风，是一个受迫害的妇女形象。虽然她赢得了阿尔弗雷德·阿芒的爱情，但她为了挽回一个所谓"体面家庭"的"荣誉"，决然放弃了自己的爱情，使自己成为上流社会的牺牲品。
《巴黎圣母院》
《巴黎圣母院》（法语：Notre-Dame de Paris）是法国和加拿大联合制作的一部音乐剧，改编自法国作家维克多·雨果的小说《巴黎圣母院》，于1998年9月16日在巴黎首演。剧中的音乐为意大利作曲家理查德·柯强特（Riccardo Cocciante）所作，歌词为法国词作家吕克·普拉蒙东（Luc Plamondon）所作。
音乐剧《巴黎圣母院》于1998年9月16日在巴黎首演，在其后的几年里创下了直接剧场观众400多万人的记录，他们还在世界许多国家巡演如：比利时的布鲁塞尔、加拿大的蒙特利尔、瑞士的日内瓦、英国的伦敦、意大利的米兰、俄罗斯的莫斯科、荷兰的阿姆斯特丹、黎巴嫩的里本等。
音乐剧《巴黎圣母院》曾在法国获得过"最佳演出年度奖"、"最佳曲目年度奖"、"最佳世纪歌曲观众奖"。在加拿大魁北克获得过"最佳唱片奖"、"最佳年度演出奖"、"最佳圣堂歌曲奖"、"最佳导演年度奖"。在莫那哥获得了"世界音乐法语唱片最佳销售奖"。
音乐剧《巴黎圣母院》共售出唱片近700万张、录象带100余万、DVD近20万、剧中歌曲单张唱片300余万。
维克多.雨果是法国和世界文学史上的一代文豪，他的《巴黎圣母院》是一部老少皆知的经典世界名著，它讲述了15世纪末变动不安的年代中一个描绘人性善恶贪婪与纯真凄美的爱情故事。同时，它也是一个理想的音乐剧素材。
法裔加拿大人卢可。普拉蒙顿与意大利人李查德。科西安蒂在忠于原作的前提下，联手花费巨资把它搬上了音乐舞台，也成就了这一世界文明的音乐剧。
该剧1998年在巴黎连演126场，五十万门票全数售罄，并迅速以其巨大的艺术震撼力和视听上的极高水准，振荡了整个欧洲艺术界。其音乐原声唱片销售达700万张，剧中的单曲"美丽佳人"更是获得世界音乐奖，《巴黎圣母院》剧在基本音乐结构中纳入了大量流行音乐因子，迥异于一般传统音乐剧，强调古典美声的取向，在摇滚乐的包装之下，强烈的旋律性令人百听不厌，再加上几位主要演员别具风格的声音表现，更使人难以忘怀；在演员用歌声诠释内心感受的同时，编导也给舞者提供了相当自由的发挥空间，舞者将抽像的情感已具体化的一种表现形式展现给观众；堪称一流的灯光道具制作效果也将带给观众强烈震撼。
《猫》
《猫》是英国作曲家安德鲁·洛伊德·韦伯（Andrew Lloyd Webber）根据T·S·艾略特（T. S. Eliot）的诗集 《老负鼠讲讲世上的猫》谱曲的音乐歌舞剧。自从在1981年伦敦首场演出之后，已经成为讫今以来最著名的歌舞剧之一。其中一曲“记忆”，更在全世界广为流传。目前，《猫》是世界上票房最高的舞台剧，也是在美国纽约百老汇和英国伦敦西头连续公演最长的舞台剧。
《猫》是音乐剧历史上最成功的剧目，曾一度成为音乐剧的代名词。该剧创作于1981年，是在伦敦上演时间最长、美国戏剧史上持续巡回演出时间最长的音乐剧，1981年5月11日首演于伦敦西区新伦敦剧院，每周8场，星期一休息，连续演出至20##年5月11日在它21岁生日时，在同一个剧场落幕。《猫》在美国演出时间相加总长为16年零2个月，仅这一出戏在全球演出的总收入就超过了20亿美元，到20##年6月该剧正式宣布停演时，已在全球演出了6000多场。该剧创作精良，表演水平精湛，36位出场演员各有各的绝活，片中的老猫格里泽贝拉由大家熟悉的依莲娜·佩吉扮演，她被一些媒体称为英国音乐剧“第一夫人”。
《猫》中的角色：“领袖猫”。猫族中的首领，充满智慧和经验，他必须出席一年一度的猫会，并最后决定哪一只猫能够升天获得重生；“迷人猫”，剧中成熟女性的代表，全剧舞会高潮时她是领舞者，在青蓝色调的光线下，惟有她的红色皮毛洋溢着温暖；“魅力猫”。年轻时是猫族中最美丽的一个，厌倦了猫族的生活到外面闯荡，但尝尽了世态炎凉，再回到猫族时已丑陋无比——她的样子最像人类，长发披肩，身穿黑色晚礼服，脚蹬一双高跟鞋。一曲《回忆》平息了所有猫儿对她的敌意，唤起了对她的深深同情和怜悯。还有“富贵猫”、“保姆猫”、“剧院猫”、“摇滚猫”、“犯罪猫”、“迷人猫”、“英雄猫”、“超人猫”、“魔术猫”等。这群五花八门、各不相同并被拟人化了的猫儿组成了猫的大千世界。在舞会上，它们各显身手；或歌或舞或嬉戏，上演了一出荡气回肠的“人间悲喜剧”，诉说着爱与宽容的主题。
《猫》中的舞蹈和音乐相当突出。为了传情达意，编导们不惜用了大量的舞蹈场面来表现猫的不同特征和性格。这里既有轻松活泼的踢踏舞，又有凝重华丽的芭蕾舞，还有充满动感的爵士舞和现代舞。怎么好看怎么编，没有框框，别具匠心，不拘一格。尤其是那段长达十几分钟的“杰里克舞会”的舞蹈，场面宏大，激情澎湃，让人看得如痴如醉。
《猫》的舞台也极精彩。它的设计概念是“从猫儿眼里看到的世界”。观众可以从自己坐的座位角度看到一个垃圾场，上面堆放着1500多个牙膏皮、碎碟子、坏信用卡、可乐罐、废弃的汽车等等各式垃圾，全部都按照猫眼中的尺寸放大。台上还有一座重达5吨的天桥，供猫儿上下戏耍，演出时桥下有三个工作人员躲在里面控制烟雾、灯光、变出“魔术猫”。 《猫》的服装全按各个猫儿的形象特征来设计，共有250多套，上面逼真地绘出了不同年龄、性别的猫的肤色和皮毛花纹，每个演员都被画成了一个与其身份相符的猫脸，再配上30多个不同色泽和质感的假发，活灵活现地装扮出了一只只性格各异的猫儿。
《托斯卡》
.普契尼创作的歌剧。3幕。作于1900年，同年在罗马首演。剧本由贾可萨和伊利卡根据萨尔多的戏剧改编。在这部歌剧中，普契尼注意音乐的感情渲染和戏剧性效果，全剧始终强调声乐的重要性，有许多精彩唱段。例如第二幕托斯卡的咏叹调，为了艺术，为了爱情。第三幕卡瓦拉多西的咏叹调，星光灿烂。剧中人物性格的刻画很深刻，有很强的艺术感染力
普契尼的歌剧继承意大利真实主义歌剧流派的传统，题材大都取自现实生活，反映普通人的遭遇，特别突出深受生活煎熬、具有辛酸经历的各种各样的女性形象。他的创作继承和发扬意大利歌剧注重歌唱性曲调的传统，同时吸取了19世纪以来欧洲歌剧和交响音乐创作的新成果。他的歌剧既抒情又富于戏剧性；声乐演唱综合歌唱性和朗诵性音调，突破宣叙调和咏叹调的界限；在牢固确立声乐主导地位的同时，注意发挥管线乐队的表现力，使嗓音和管弦乐队织体水乳交融，推进了20世纪歌剧艺术的发展。《托斯卡》是普契尼最着名的三部歌剧之一，本文拟通过对本剧中两首马里奥·卡瓦拉多西的两首咏叹调进行分析，分析其艺术特色，从而帮助读者更好地把握《托斯卡》中男高音咏叹调的艺术特色和演唱要求。
咏叹调一般出现在歌剧情节发展的重要时刻，主要表现剧中人在特定情境中的思想感情和心理活动，以此塑造人物形象，烘托戏剧发展的氛围。咏叹调虽然并不直接推动情节的发展，却是歌剧中最富艺术感染力的唱段，具有很强的抒情性和旋律性。在《托斯卡》这部歌剧中，大部分的咏叹调是戏剧性的，这对展现剧情的矛盾、推动情节的发展和刻画人物性格都具有突出的作用。
马里奥·卡瓦拉多西是歌剧《托斯卡》中的男主角，歌剧叙述了画家马里奥·卡瓦拉多西因掩护爱国志士而被忠于爱情的歌唱家托斯卡误解，最后两人双双死去的故事。整部歌剧中卡瓦拉多西有两首咏叹调，普契尼在烘托紧张气氛的基础上，利用脚本中所提供的一切抒情因素，竭力去渲染人物的感情色彩，突出了声乐的重要性，发挥了男高音的独特魅力。
《奇妙的和谐》是歌剧《托斯卡》第一幕罗马画家马里奥·卡瓦拉多西演唱的一首咏叹调。这部歌剧没有序曲，只有三小节的三个和弦的最强音，用来表现警长斯卡尔皮亚狡猾而固执的性格，便立即拉开了第一幕。
卡瓦拉多西在教堂里画着一幅圣女玛丽·马格达伦的神像，他热恋的女友托斯卡动人的身影一直浮现在他的脑海里，他的一面作画，一面浮想联翩，他的遐想就像大海的波涛撞击着他的心灵，突然他发现他心爱的托斯卡的倩影在他的画布上油然而生，这个惊奇的发现使他激动不已，他情不自禁地唱出了《奇妙的和谐》这首咏叹调。
此曲旋律优美动听，是简单的三段体结构。第一段的前两句旋律平稳谐和，表现了他那惊奇的发现，使他发出了轻轻的而激动的赞叹声。从第三句开始直到第一段结尾，旋律上运用了连续大跳的手法，表现了卡瓦拉多西对画布上的托斯卡的赞美，唱出了他心中的爱情，唱出了他内心的激动和爱的美好。第二段为3/4拍，共计四小节，像是在自言自语，赞美艺术的神奇。第三段又回到6/8拍，再现了第一段的旋律，接着使音程展开，把旋律推向高潮，展示了在卡瓦拉多西的心中蕴藏着对托斯卡一样的爱情。
《费加罗的婚礼》
《费加罗的婚礼》是莫扎特最杰出的三部歌剧中的一部喜歌剧，完成于1786年，意大利语脚本由洛伦佐·达·彭特根据法国戏剧家博马舍的同名喜剧改编而成。
《费加罗的婚礼》（K.492）是宫廷诗人洛伦佐·达·彭特根据法国启蒙运动时期喜剧作家皮埃尔·奥古斯丁·卡龙·博马舍的同名小说改编而成的。博马舍共写过三部以西班牙为背景的喜剧，剧中的人物都相同。分别是《塞维利亚的理发师》、《费加罗的婚礼》和《有罪的母亲》，创作于1732-1739年。《费加罗的婚礼》（又名《狂欢的一天》）于1778年首演。作品把伯爵放在人民的对立面，暴露了贵族的腐朽堕落，同时也反映出强烈的反封建的色彩，富有时代气息，风格明快幽默，情节曲折生动，以嬉笑怒骂的语言，突出强烈的喜剧效果，是作者最出色的代表作。而在这三部剧作中，前两部被谱成了曲，沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特选择了第二部，并于1785年12月到1786年4月间创作。19世纪的罗西尼选择了第一部。如果你还没有看过罗西尼的歌剧《塞维利亚的理发师》的介绍，建议把这两个故事联系起来读，因为这两个故事是相互有关联的。
博马舍的话剧以幽默讽刺的笔法反映了当时社会上“第三等级”地位的上升，歌颂了
《费加罗的婚礼》剧照(11张)
人民反封建斗争的胜利。创作歌剧《费加罗的婚礼》时的莫扎特也已从萨尔兹堡大主教的樊笼中解脱了出来，正焕发出前所未有的创作激情。莫扎特的歌剧保留了原作的戏剧宗旨，在作品中对伯爵妄图恢复农奴制的作法加以挞伐，表达了对自由思想的歌颂。
1786年5月1日《费加罗的婚礼》在维也纳国家剧院首次公演，30岁的莫扎特亲自指挥。1824年5月10日，在纽约国家公园剧院，以英文歌词演出。
莫扎特创作的四幕喜歌剧《费加罗的婚礼》描写了伯爵府的仆人费加罗马上要和女仆苏姗娜结婚了，费加罗正欢天喜地地准备婚事，谁知苏姗娜告诉他，伯爵送他们的婚房是不怀好意，是存心要占她的便宜，仍然要实现他假惺惺地曾经宣布要放弃的对奴仆婚姻的“初夜权”。费加罗听后恍然大悟，二人决心和伯爵斗一斗。另有一老管家玛切林娜痴心地想要嫁给费加罗，并以一张债据作为要挟，给她出主意的是老医生巴托洛，十年前，就是因为费加罗帮助伯爵打败了想娶贵族小姐罗西娜为妻的他，而使罗西娜成为了伯爵夫人，所以，医生一直对费加罗怀恨在心，如今，到了报仇之时了。府中另有一翩翩少年凯鲁比诺，成天到处播撒情种，和一个成天以散布谣言为己任的音乐教师巴西利奥，加上一个糊里糊涂的法官和一个整天醉醺醺的花匠。当然，还有那独守空房的伯爵夫人。各路角色齐登场，贵族和平民的较量就此开始。最后，属于第三阶级的聪明勇敢的平民，终于让伪善荒淫的伯爵当众出了丑。
博马舍是18世纪后半叶法国最重要的剧作家。博马舍喜剧的出现意味着古典主义喜剧向资产阶级喜剧的过渡完成。1789年，资产阶级革命爆发。资产阶级意识到戏剧作为宣传手段在革命中的作用，提出“戏剧应该教育民众”的口号。革命派还有意建立人民剧院。1791年1月31日，立宪议会公布取消王室的戏剧审查制度，答应演出自由。本年内有数十家剧院呈请开业，其中的共和国剧院以专门演出支持革命的新剧目而闻名。这时期创作了大批配合或直接宣传革命和革命战争的悲剧和时事剧。资产阶级革命使演员终于获得了公民权，彻底结束了过去受歧视被欺侮的悲惨处境；成立了保护剧作者合法权益的剧作家协会。博马舍的《费加罗的婚礼》是他在十八世纪三十年代创作了总称为"费加罗三部曲"中的第二部，于1784年4月27日在巴黎法兰西剧院首演，其时法国正处于大革命的前夕，这部喜剧对揭露和讽刺封建贵族起了很大的作用。虽然这部喜剧在整个欧洲都获得好评，但奥地利皇帝约瑟夫二世却禁止在维也纳上演这一剧目。
莫扎特所请的脚本作家洛伦佐·达·彭特是当时的宫廷诗人，由于他多次出面争取，最终皇帝于第二年为了缓和国内的一些冲击而口头批准改编后的歌剧可以上演。莫扎特用了一年时间谱曲，他在创作这部歌剧时保留了原作的基本思想，那愚蠢而又放荡的贵族老爷同获得胜利的聪明仆人之间的鲜明对照即为整个剧情发展和音乐描写的基础。
1786年，《费加罗的婚礼》于维也纳奥地利国家剧院首演。由于此剧题材敏感，上演期间国内的贵族大为愤慨，皇帝个人虽然很欣赏这部作品，但迫于压力，曾多次要求莫扎特删改内容。德语版本于1790年在柏林上演。
《费加罗的婚礼[1]》是莫扎特众多歌剧作品中最为著名的一部，是莫扎特歌剧中的颠峰之作，也是中国乐迷最为熟悉的一部，创作于1786年的这部歌剧，是欣赏莫扎特歌剧的入门之作。
《费加罗的婚礼》至今仍是各大歌剧院上演次数最为频繁的歌剧之一，有如天籁的歌声和错综复杂的男女人物关系，宛如角力般、层出不穷的小计谋和角色错乱的对白，至今仍是许多观众念念不忘的经典。让人眼花缭乱的进行速度，带出男女之间你来我往的情境、种种约定承诺造成的混乱情形、还有谁对谁唱情歌、谁看谁却不是谁的有趣故事。随着近代舞台的技术进步，每一次观赏此剧时都有全新的体会。
第二篇：歌剧欣赏对大学生的影响1
歌剧欣赏对大学生的影响
摘要：歌剧作为一种优秀的综合艺术形式极大地丰富了人们的生活，对提升大学生的艺术审美能力以及大学生素质教育的推动都有很显著的作用。歌剧欣赏有必要作为一种基本艺术审美要求在普通人群尤其是大学生中进行推广。 关键词：歌剧赏析 大学生 素质教育 艺术审美能力
这一学期我选修了《中外歌剧欣赏》这一门课程。下面就本学期的自己的所学，所听，所看，所想发表部分个人观点。
本学期的课程就要结束了，我比较深的感触是：《中外歌剧欣赏》——它的价值应该不仅在于对歌剧知识的普及，或者仅限于对艺术审美能力的培养和提升，更重要的是为大学生展现一种别样的艺术形式，打开一个新的视野，一个新的世界，甚至一种新的看待或思考问题的方式。就像《天堂电影院》中菲罗多所说的那样：If you don't walk out, you will think that this is the whole world（如果你待在原地，你会以为这就是全世界）。是的，有时候你学会了一种技术或者是得到了一个不错的分数，一个很高的评价，这些也许很有用，很有意义，甚至很重要，但我认为与得到一种新的“东西”相比，上面所说的可能并不是最重要的。 那么，这个新的“东西”是什么呢？打个比方：一个人学习桥牌最次的境界是什么？是过分在乎输赢。一个高手心中装的往往使他们这个队伍的最大利益，有时候为了实现小组的利益最大化而不惜牺牲自己的分数。这就是它的魅力所在啊。歌剧作为一种流传已久传播广泛的艺术形式，更有能力起到这种作用。 因为我们知道，以歌唱为主综合诗歌、音乐、舞蹈等艺术的戏剧。歌剧的起源也有说法：歌剧的起源最早可追溯到古希腊时期的悲剧，这种艺术形式是歌剧艺术产生的根源；中世纪时期的一些音乐形式也为歌剧的产生奠定了基础。首先是10世纪末的宗教剧，后来宗教剧被神秘剧和奇迹剧取代，盛行于14—16世纪；其次是田园剧，这种体裁用音乐、诗歌、戏剧的手段表现乡村生活的场景，它一直盛行到16世纪，成为歌剧的重要起源之一。
众所周知的，文艺复兴对艺术的发展有极大的推动作用，当然，对于歌剧也
不例外。文艺复兴时期的牧歌剧也预示着歌剧的诞生。作曲家用牧歌这一体裁形式来谱写诗歌中一些戏剧性场面，或用一组牧歌来描写一些简单的故事情节，后一种形式被称为牧歌剧。
老师在授课的时候曾讲到了田园剧。歌剧于16世纪末最终产生于意大利的佛罗伦萨。当时，一群文化艺术界的名人经常在贵族巴尔第和柯尔西家聚会，他们热衷于恢复古希腊的戏剧，力图创造出一种诗歌与音乐相结合的生动艺术。他们认为复调艺术破坏歌词意义的表达，主张采用单声部旋律，并且在实践中发现：在和声伴奏下自由吟唱的音调不但可以用在同一首诗歌中，还可以用于整部戏剧中。随后就产生了最早的歌剧，当时称为田园剧。
就像科学家提到航天事业肯定会提到阿姆施特朗一样，在这里不得不提的是第一部歌剧了——1597年上演，由利努契尼写剧本、佩里作曲的《达芙妮》。也有一说是：1600年上演，保留完整的，由利努契尼写脚本，佩里和卡契尼作曲的《优丽狄茜》。
说完歌剧的起源，不得不说的是我们欣赏歌剧的时候，往往会过分注重声音的技巧或舞台的华丽等等。可是如果没有很好的内容再高超的炫技又有什么用呢？
这或许是歌剧给我的另一个启发吧。
教我知道一个没有内涵的花架子是不能够被时间考验，被岁月保留的。
譬如，我们看的《再别康桥》。起先，被偶像剧荼毒的我觉得角色的选择与我的臆想中的人物大相径庭啊。从外表看完全毁了徐志摩，梁思成，金岳霖在我心中的形象。但事实证明我错了。
虽然很遗憾的是我们没有机会听完这幕剧，但却给我留下了非常深刻的印象，那就是：
很美。内容很美，意境很美。联想到当时那个战火纷飞年代的一段美丽故事。演员很厉害，透过歌穿过词再回到我们无法去一探究竟的民国。林徽因梁思成的幸福，徐志摩不可的爱情，金岳霖一生孤独。或悲或喜，都通过歌剧的形式表现
出来，音音有韵，深深动人。
我们也曾看过《卡门》。因为事先知道了这她必死的结局，所以开始时欢快的序曲反而更让人感到悲哀。男主人公的挣扎，斗牛士的勇敢，卡门的决绝都被表现的淋漓尽致。卡门唱出了《爱情像一只自由的小鸟》，是啊，她那么自由，像她的爱情，不能为谁停留。你要把我的自由拿走，好吧，那么把我的生命也拿去吧。她爱过谁？都爱过。她爱着谁？都不爱。
她爱的是自由，是歌唱。
歌剧就有着这样的魅力与魄力，把人物内心的狂风暴雨细细的带给观众。也许电影电视剧并不能很好的表达出原作的精髓，但歌剧可以。因此，有些人曾给歌剧以很高的评价。
譬如，英国剧作家约翰·伊维林说：“歌剧是人类智慧所能发明的最壮观、最奢华的娱乐之一。”“这种独特而奢侈的艺术形式，与其他艺术形式大不相同，即使电影、舞台剧、芭蕾或是音乐会中的音乐都不能与之相提并论。”也正因为如此，歌剧中所包含的不同元素独唱、大合唱、重唱、灯光、美术设计、管弦乐、走步以及舞蹈等等互相结合，使它成为最受欢迎而又让人神魂颠倒的表演艺术。
而美国戏剧演员嘉登纳则说：“歌剧就是当一个人背部被刺了一刀，他没有流血，却仍在歌唱。”
歌剧不关心剧情如何，只关心剧中心情的表达。
但是也有人这么说——萨谬尔·强森的著名字典中，对歌剧的定义是：“一种华丽而非理性的娱乐。”或许是强森所在的时代的歌剧风格使他有这样的想法，可这在某种程度上恰恰证明了歌剧能够强烈地抒发人物内心的感情。歌剧是一种非常具有舞台魅力的多样化表演艺术，它不只呈现出音乐之美。歌剧舞台上所呈现的，其实就是我们日常生活周遭的小缩影。歌剧舞台反应了我们的人生。
而在当今社会，我们学习歌剧赏析无疑对我们的生活有很好的影响，对大学生尤其如此。
有人说这是一个物质时代。正因为如此，人们才迫切的需要有什么东西能够
点亮他们的精神世界。不一定是你要多么多么的高雅，多么多么的有品位，或者说你很很高的学历。艺术本身就有不同的形式，所以对于欣赏它的人并没有太苛刻的要求，对于普通人群来说，艺术的审美能力不正是在欣赏的同时渐渐培养出来的么？
当然，也并不是说我看了几部歌剧我就多有品位了，我就变得很有文化了。只是或深或浅他，歌剧都会对人产生一定的影响。
而大学生身处校园，有很大的优势比其他人得到更多学习的机会，有很多机会可以去尝试不同的东西，体会不同的艺术形式的魅力所在。除了这些，我们本身的也有不断学习的必要，因为，具有一定的艺术审美能力对于每个人都很重要。
通过上文的论述，我们知道歌剧欣赏就是这样一门能够提升大学生艺术审美能力以及推动大学生素质文化教育的课程。
我国的歌剧虽然发展比较慢，但是“万口传唱《北风吹》，处处皆闻《洪湖水》。哪个不知《刘三姐》，谁家不哼《红梅赞》”这是上个世纪五六十年代，歌剧在中国取得空前繁荣的一个写照。前一段时间举办了中国第一届歌剧节，很火爆。据说当时流行的一句话是：“开口谈必提歌剧，可惜人不在榕城”（本届歌剧节是在福建榕城举办的）。
这无疑为中国歌剧的发展提供了很好的契机，也使全民增加了对歌剧的了解，更为大学生增强对歌剧欣赏的兴趣创造了良好的氛围。
有一个口号是：
让歌剧的影响力蔓延到全中国。
但是，这必定是一个很长的路。并且不是那么容易路。
素质培养和艺术审美能力的提升不是一朝一夕可以迅速见成效的。歌剧赏析为我们提供了一扇门。走进它很容易，但是怎么才能走的远呢？或者，怎么才能把对歌剧赏析的兴趣持续下去呢？三分钟的热度是很容易的。我并不认为素质教育是随便说说就可以达到的。有些事情当我们刻意去提及的时候效果反而不是那么好。我们都说素质教育，但是真正去做的时候就可能被抛掷脑后了。这在欣赏
歌剧的时候感触尤为深刻：有没有觉得，有时候我们对一件约定俗称的东西的感觉并非像约定俗称的那样？别人都说这部歌剧表达是A种感情，C种思想。于是，在我观看这部歌剧之前就有了一种思想先入为主，观看的中间甚至会下意识的按照这种模式去思考。但是我自己的感情呢？该是被自己扼杀于无形了吧。这样的欣赏只不过是主流思想的一次加深教育罢了，毫无意义可言。
事物再美好没有我的主观感知，没有引起一星半点的触动，那它于我的价值体现在何处呢？没有。任何东西如果没有个性就毫无美感可言。也许这就是歌剧教给欣赏它的人的第一课吧——不要带有色眼睛去看世界。
也许，很多年后我忘记了自己听过什么歌剧，但是曾经的感觉却不会消失。因为它已经存在过了，时间不会与它自己争夺什么。所以，这种感觉不会消失。它不会被磨灭，只是没有想起，而已。当有一天，看到某个熟悉的场景，听到某段熟悉的旋律，这种感觉就会从记忆里，渐渐升华??