班级：09公共事业管理 姓名：零开慧 学号：200901204022

浅谈动漫之龙母传说

前言：中国动画，已经从世界动画诞生之初时的辉煌，走入了一个尴尬的境地，提高民族原创性已成了我们的动画创作发展的关键。我们要善于学习和借鉴国外的优秀作品，取之精华，并不断的从五千年的文化中汲取养分加以创新，让民族文化插上动漫的翅膀，传承和发扬中华民族文化。

关键词：中国动画 民族原创性 龙母传说 动画创作

作为文化产业的一个独立门类，动画业已在全球娱乐经济中呼风唤雨。它集影视、音像、印刷、旅游、广告、教育、服装、玩具、文具、网络、电子娱乐等众多产业于一体，在当代经济格局中堪称举足轻重。加之动画的受众层面广泛，既是儿童的挚爱，也是青少年的朋友，既是很多上班族的消遣内容、也是父母高度关注的荧屏“家教”，在各个年龄层都有与之难以割舍的忠实观众，其影响非同小可。因而，动画产业的现状在我国也越来越受到政府和全社会的关注。

然，我国民族动画市场和产业形势至今不容乐观：走俏全球的日本片、美国片在国内市场畅行无阻——占据了我们的市场份额，带动了日美动画衍生产品营销，并已经连续培养了几代“进口片”的忠实观众，有人戏说，目前中国的儿童是“头戴克赛帽，金刚怀里抱，晚间看老鼠，一休陪睡觉，，”。这话虽然有自嘲和夸张之处，却揭示出中国动画产业现状的冰山一角，中国的民族动画在长期遭受夹击，处境尴尬。

那么如何改变现状呢？

（一）首先，要善于挖掘民族原创性。

20世纪60年代和80年代国产动画片获得巨大的成就，究其原因，还是民族文化的功劳。19xx年以前，国产动画在国际上已经赢得了不可低估的声誉——包括《大闹天宫》、《牧笛》、《哪吒闹海》、《三个和尚》、《鹿铃》和《鹬蚌相争》在内的29部动画片曾44次获得伦敦电影节、戛纳电影节、西柏林电影节、莫斯科电影节以及萨格勒布国际动画电影节等多项奖项。究其原因主要在于这些动画片都坚持不懈地追求中国自己的民族特色，使作品充满了鲜明的中国气派和独特的民族风格。

随着改革开放，大量的日美动漫涌进国内市场，这有利于我们借鉴国外优秀的东西，从动画的制作到发行以及产业模式，我们要在借鉴经验的同时找到我们的出路，而不是亦步亦趋，只在别人的影子下行走，如在《宝莲灯》中，小猴子、噶妹的造型都是美国化的，小猴子带有明显的好莱坞印迹，虽然活泼可爱但是毕竟还是别人的，但毕竟这也是一种进步，一种尝试，是值得表扬的。而较为成功的如蔡智忠的漫，几米的漫画受法国漫画家桑贝的影响很大，风格相似，但内容是本土化的，反映了现代社会城市里小人物的心理变化和需求，引起广大读者的共鸣，加上成功的商业宣传，在国内风靡开。这就涉及到“民族化”中如何“化”的问题，学的是方法，用在自己身上。当然在“民族化”的过程中肯定会存在模仿的问题，这是任何学习借鉴都会出现的一个问题是正常的。认识到这一点，就会更宽容的对待“影子问题”，更清楚地知道自己前进的方向，尽快形成自己的动画风格。走出一条适合中国国情的道路。要走出这样的符合国情的道路，中国动画就要从传统艺术中寻找灵感，发展民族风格，比如中国的龙母传说，这样温婉动人的故事，可以通过收集民间的不同的说法，加以融合本土文化，灵活的展现龙母的善良，智慧，爱民，勇敢，并且从龙母身上看到中国老百姓的缩影。当然，这是中国动画从一开始就十分重视并致力在做的。19xx年，上海美术电影厂就提出了“探民族风格之路”的口号。一批经典动画片如木偶片《神笔马良》、动画片《骄

傲的将军》、剪纸片《猪八戒吃西瓜》、折纸片《聪明的鸭子》、水墨动画片《小蝌蚪找妈妈》、《哪吒闹海》、《天书奇谭》、《阿凡提的故事》、这些经典动画片对中国动画甚至世界动画的发展都产生了深远的影响，形成了被世界公认的中国动画学派。新的时代，中国动画要继续挖掘传统民族艺术与动画结合的发展潜力，在民族艺术风格动画的创作上再创辉煌。不仅如此，动画艺术还要不断开辟发展空间，与市场需求紧密结合，加强它在影视中的应用。中央电视台推出的“轻松十分”栏目就本土风格动画结合电视形式推出的一个成功尝试：用动画形式来展现经典的相声和小品，不但突破了舞台艺术的局限性，还拓展了动画的样式，甚至吸引了一些年轻观众对传统相声的关注。这样的动画不论从内容、形式还是表现手法都是“中国式”的，受到观众的认可和喜爱。 （二）我们要了解国产动画与国外动画的差异，对比学习

在动画界里，无论东西方，最经典的作品都是那些最具有民族特色、在本土文化当中汲取养料的作品。将民族特色与传统文化融入其中,是动画艺术不断创新的源泉和动力。就目前而言，世界动画业现状在世界动画市场中,日本和美国是两大顶尖动画生产和输出国。西方动画以迪斯尼公司为传统代表,梦公司为新一代代表,走出了一条幽默、乐天、活泼的动画风格之路。动画形象以圆润的线条、流畅的动作为特色,故事多改编自世界各地的著名传说,在票房上赢得了世界观众的拥护,形成了全球范围内的产业链。在东方,日本动画在上世纪80年代迅速崛起,于20xx年凭着宫崎峻的《千与千寻》一举夺得第52届柏林电影节金熊奖及20xx年奥斯卡动画片奖,在国际市场上掀起了一股日本动画片热潮。中国动画早在水墨动画及剪纸动画时期就形成了自身的格式，但在日美动画的冲击中国产动画不堪一击，虽然中华民族有着悠久的历史和灿烂的文明，有着功夫，山水画，亭台楼阁等等为我国影视的发展提供丰富的资源，但是与好莱坞相比，我们惨败。我们为什么拍不出这么精彩的电影呢？在我们过度的娱乐自己，忘记文化的根本，极度的追求异己的东西时，我们也在慢慢散失了文化内涵，导致我们的国产动画片像没爹娘的孩，哪都不像，在日美的巨头面前完全站不住脚。其次，日美动漫摸透了观众的心理，从一项对动画受众观看动画的目的的最新调查中发现，大多数观众收看动画片的目的是为了寻开心，占到总数的40.8％；18.1％的观众是为了愉悦情感、放松心情：16.5％的观众是为了寻求新奇：仅8.0％的观众是为了受到教育。调查结果与我国动画片普遍存在的“寓教于乐，却有教不乐”的实际情况截然相反。从传播学的角度来看，如果传者内容与受众需求脱节，必然导致受众的逃避和放弃的心理。动画片是大众文化、大众艺术，对动画片的接受与认同的惟一参照系就是观众。在文化产品(尤其是动画片)放任自流，日、美产品大举入侵的情况下，观众作为动画这个文化商品的“上帝”，自然也会根据自己的爱好和需求进行选择。对动画企业与创作者来说，除技术、艺术与内容等动画片本体研究以外，动画片受众的客体研究也应该进入企业生存与发展的相关日程。而且，动画片不仅仅是给儿童看的，他的受众包括各个年龄层，由于不同年龄层受众的不同需求，喜欢的动画片会有很大差异。因此，在研究不同年龄层受众心理需求的基础上，才能做出他们想看的动画片。对于儿童来说，寓教于乐是有教育意义的，但是痕迹不能太重，量好能不留痕迹。毕竟，说教味太浓了就会显得做作。在迎合观众口味的同时，还要作适当的引导，

中国动画才能健康地成长。总之国产要真正站起来，就要学会在寻找商机的同时不忘国本，紧跟观众的味觉走，走出具有中国特色的动漫风格。

（三）要在技术上达到独特的效果，尤其在渲染神奇色彩上学会下功夫

。

说到渲染，先来说说电影，电影具有丰富的表现手段，强大的感染力。它既可以展示规模无限宏大的事件，也可以探索人们心灵深处的活动，刻划生活中最微小的细节，从而深深地打动观众。而所有这一切，主要是通过?视觉形象?来完成的。视觉手段在动画制作中占着很大的分量，比如《天空之城》这部动画，除了主题之外在视角与色彩等视觉手段的运用上也有许多独到之处。

《天空之城》的视角最为突出的特点是比起大多数动画它更具电影的镜头感。美国作家威?科兹兰科认为：“动画片中的角色可以在空中行走、飞檐走壁、潜行水底、腾云驾雾，可以做出种种凡人无法做到的奇特怪诞的动作。艺术家从一个在行动上具有局限性的世界跨越到另一个行动随意、绝无限制的世界，它当然是一个梦幻世界。众所周知，动画的视角与电影不同，它善于表现一些一般电影不易拍摄的视角，却并不善于视角的切换和从不同视角表现同一个场景。正如威?科兹兰科所说，对于空中行走、飞檐走壁、潜行水底、腾云驾雾这些异想天开的场景，动画片落实起来与日常场景并无不同，但是对于普通电影可以运用多镜头分角度拍摄同一场景的优势而言则显得困难重重。尤其是在没有3D建模的80年代，这样的大段对白往往是在一个贴图场景中固定的一个视角中进行的，比较丰富的也不过会给每个人物一个特写背景。而《天空之城》却划时代的大量运用了电影镜头式的视角，不惜大量增加绘画工作量来达到尽善尽美的艺术追求。仔细注意这十六个镜头，会发现其中光影的处理，人物的面部细节，背景中人物的一举一动，甚至包括眨眼，全都真实的淋漓尽致。可以看出，作者在设计一个画面的时候并不是只注意一个重点，而是尽量真实的表现每一个细节人们认为“在影视节目中，音乐不是独立的，它必须和其他元素有机地结合在一起，相辅相成、互相补充。音乐必须和画面结合，因为画面是组成影视艺术的基本形态，声音（包括解说词、音乐、音响等）都是依附于画面而存在着。然而宫崎峻在这部《天空之城》中却特例独行地大大提高了音乐在作品中的地位，以至成为了与画面同等重要的影片线索之一。笔者认为这部影片的线索是由故事和情感两个平行又交织的，并不完全重合的元素所充当的。故事是充满传奇色彩的冒险故事，由画面来讲述；而情感则是经历了“纯净-逐渐加入多种色彩-回归”这一过程的，由音乐的发展作为载体。

其次《天空之城》的色彩特点非常突出，可以概括为“不夸张与表现情感”一句话。简而言之，就是恰倒好处。影片中的色彩看似运用得十分随意，甚至是多种画风的混杂，但是往往有其存在的必然意义。比如在片头介绍中，背景是加黄处理的暗背景，尽管时空跳跃巨大，但是这样的色彩处理却可以让多数观众容易的理解片头所暗示的内容。其他部分的背景处理大多是追求真实色彩感的，以至许多时候影片画面看起来就像一副写实的水粉画，这种写实的画风无疑是需要高超的绘画功底和更多制作成本的。另一方面，在画面色彩的情感表达方面，作者巧妙运宫崎峻在许多并不只是充当背景人工物品的处理上，往往毫不考虑真实感。绿得刺眼的汽车，鲜艳得好似小孩涂鸦的火车头，主要人物用的生活物件、背包、衣着等等，总是对比得格外强烈，鲜艳的另人绚目。理论上，在手绘动画中不动的背景层上方运动的动作层颜色与之有所差异是很正常的。然而实际上，在《天空之城》中这些鲜艳的活动物品的色彩是有其各自功能性的。比如空盗们的服饰、装备都是高对比的亮色调为主，这个色彩一方面表现了空盗们快乐豪爽的性格，一方面又暗示了他们的正面人物形象。再比如说希塔的服饰在影片中有树次的变化：开始时的深兰色连衣裙配合着夜色烘托了人物的神秘感；被空

盗追赶时换上了巴司暗色调，略显陈旧的工作服，一定程度上随情节需要去除了神秘感，而突显了质朴的性格。被捕后穿的纯白睡衣充分表现了纯洁与无辜，也以自然的代表的身份更加突出了战争的罪恶。最后在登上空贼船后换上了空贼妈妈极为鲜艳的服饰，这表明希塔继承了空贼妈妈的性格，真正成长为了一个坚强自主的女孩。

总而言之，《天空之城》的视角与色彩的创造性运用是整个影片的基本构架，为影片的特色奠定了基础。它向我们证明了，有时细致比高效更为重要。这就是渲染传奇色彩所要做到的东西。

（四）如何讲述故事，让观众更为接受。

以下是一位作家的看法，我觉得动画制作也可以借鉴。

1·讲故事时，第一句话的语音语调语速是非常关键的，如果第一句话较有力，那么首先会吸引对方的注意力，下面的故事陈述也会流畅得多，所以在讲话之前，稳定下情绪再讲。 2 度身定做。选择和听众的智力水平，经历，职业以及当时场合的特性相吻合的故事。 3 讲故事包括何时，何事，何地，何人，何故五要素。"何时"要注意开门见山，是警示性的话语要引起对方注意；"何地"的表述要尽快进入画面，这样才会突出你想表达的主题；"何人"的表述要有名有姓，这才显得真实，方便对方理清思路；"何事"的表述要具体化，描述细节化；何故的表述相对不太重要，是对对方的一个心理释放。讲故事最重要的是要对何事的讲解，换句话说也就是重建画面，重要之处在于具体化，描述细节化，这样才能使对方和你的描述的一致的画面一起进入情节，而不是随意思考。

4．细节必须具体。运用对方能够理解的事实，特定的细节，例如故事里讲到洗发液，你就可以说海飞丝，讲航空公司可以点出是东航。你的故事听上去越真实越特定化，你的听众就越能理解你所说的，越容易同你保持一致。如同作家描述事情或者物体一样，写的文章仿佛让你看到眼前就是有那么一幅画，一个长的那么样的人。朱自清写的散文《背影》就生动地刻画了父亲既渺小而又伟大的背影。名作家在写作中，常常运用大量的动词和形容词，描述得极细，又不显得啰嗦。也要记得点出玩笑和故事的地点，如果你的故事发生在一家餐馆，你说在北京全聚德就比只说是一家不知名的小饭店更好些，这给了对方更多想象的基础，使他们能够更容易地投入到情节中。

5．多用生活中的真实场景。你亲身经历过的，讲起来会更有感情，会更有声有色。

6．轻重有别。强调动词和形容词，使它们听上去更有趣。

7．不要拘泥于故事原形。可能一个故事你讲过几遍，切忌刻意回忆，要让同一个故事在不同的时间段有不同的长短。不要逐句地记忆你的故事。你每次讲故事的时候，可以通过增加或压缩细节轻而易举地改变故事的长度。如同作家写书一样，总是从生活中提取最精华的部分写作。

8．不要用解释性的语言，改用描述性的语言。如"那天因为天气很热，所以我穿得很少"，就不如说"那天天气太热，我只穿了个短裤"；"因为台子上有8米高，所以我站在上面直发抖"，不如说"我站在8米高的台子上，双腿发抖"。这样不会使人的思维走叉，做到前后有序的一致性和连贯性。

9．在讲一个事实或心理的效果时，尽量多使用事实来侧面衬托，如说害怕的感觉，可以说事后发现衣服都湿透了，这样给听众的印象是生动的，形象的，十分传神

10.如果故事是要说明一个道理或者只是个开场白,那要短小点,精练点,避免复杂的情节和冗长的语言,否则会成为故事会.

11.故事可以以提问式开头,如"你知道如果世界上只有最后一个人,结局会是怎么样的吗?"开场就提个问题,会起到双重的效果,还会使听众思考,为什么要问这个问题.问题可以由听众回答,也可以自问自答,还可以不答。

故事的精彩如何，主要就在于如何表现出来了，可以通过肢体语言，也可以运用夸张的表情

和语调，还可以借助背景的渲染，比如音乐，周围的人和事，故事情节的安排，是先扬后抑，还是娓娓道来，还是倒叙，是第一人称还是第三人称、、、、、、比如讲龙母传说，我们可以从龙母诞生的传奇故事穿插讲起，定位龙母出生的社会背景，渲染当时的灾难场面，铺以浓重的画面色彩，用背景音乐直击观众心坎，通过塑造几个人物形象来对比烘托出龙母的光辉形象，丰满细节，在故事每一个动作中跳跃出中国人的影子。

总之，国产动画要走出来，必须以现代技术为依托，转化观念，突破思维定势，充分拓展想象创造能力，做真正的中国动漫。

第二篇：动漫专业论文动画专业论文

动漫专业论文动画专业论文

高职院校动漫专业人才培养模式的研究

摘 要: 本文通过对高职院校动漫专业人才培养现状的分析,有针对性地提出了转变目前高职院校动漫专业人才培养模式的一些建议。通过人才培养模式的转变,高职院校能够真正地为社会培养出其需求的动漫人才,为动漫产业的发展作出贡献。

关键词: 高职院校 动漫专业人才 培养模式

一、中国动漫产业人才的需求

动漫产业是以“创意”为核心,以动画、漫画为表现形式,包含动漫图书、报刊、电影、电视、音像制品、舞台剧和基于现代信息传播技术手段的动漫新品种等动漫直接产品的开发、生产、出版、播出、演出和销售的产业。在文化、出版、服务、娱乐等多个行业都可以看到各种各样的动漫形式,因此动漫产业有着巨大的市场,许多国家都把发展动漫产业作为文化和产业发展的重要目标。

中国是目前世界上最大的动漫消费市场之一,在二千家省市电视台中,就有四个专业动画频道,二百多个动画栏日。据估计,中国今后每年国产动画片的需求量将达到26万分钟。由此可以看出,动画片的发展空间十分巨大,动漫市场的强大需求正推动着动漫产业的发展。但是,国内动漫设计创作的人才缺口却十分巨大。目前全国对动漫产

业人才的需求大约在20万左右,而动漫从业者还不到1万人,其中数字动画的人才缺口就超过15万,可见动漫产业人才在今后较长一段时间之内仍然是缺乏的。

二、高职院校动漫专业人才培养现状

高等职业教育办学的目的是为社会培养大量的技能应用型急缺人才。对于社会对动漫人才的大量需求,许多高职院校纷纷建立了相关的学科和专业,力求培养相应的人才。那么,当前我国高职院校的动漫专业人才培养状况究竟如何呢?总的来说,我国高职院校动漫专业不管是师资的配置、课程的设置和实践环节等方面都存在着问题,主要表现在以下几个方面。

(一)师资力量匮乏

动漫专业在我国是一个新型专业,本科院校目前培养的师资数量远远不能满足各个院校对动漫专业师资的需求。而职业高职院校为了迎合市场的需求和追求院校利益最大化,动漫专业的师资力量往往不是专业的动漫教师,大多是跨专业的教师通过短期的培训或者进修之后从而担任动漫专业的教师。没有相应的专业教师,要培养好的动漫人才就是空谈。

(二)课程设置单一

从动漫专业的课程设置来看,偏重动画技术的课程,特别是电脑软件,忽视了对动漫人才关于影视文化方面的培养。开设的课程大多以平面设计为主,开设的动漫课程无非是卡通形象设计、二维网络动画、三维影视动画等。开设的动画软件课程主要是PHOTOSHOP、FLASH、3DMAX等。现代优秀动漫作品是艺术和计算机技术完美结合所致,如此单一的课程设置导致学生偏于动画技术,忽视了艺术创意的培养,要想制作出优秀的动漫作品只能是空想。

(三)缺乏实践场所

企业需要什么样的人才,高职院校就定向培养什么样的人才,这个理念早已深入人心。但是在实际的操作过程中,能够为学生提供实践场所的高职院校非常少,很多高职院校的一些临近毕业的学生都没有机会到动漫企业实习。学生无法了解整个工作流程,无法掌握真正实用的技能,在最后阶段失去锻炼和提高的机会,最终导致社会竞争力较弱。

三、转变高职院校动漫专业人才培养模式

面对我国高职院校动漫专业人才培养的现状,我浅谈关于改变现状的一些看法。

(一)引进和培养高水平的师资队伍

高职院校作为培养技术人才、技术骨干的重要阵地,必须首先重视自身人才队伍的建设和发展,只有汇集了一定规模的高水平教师,学校培养高水平人才的实力才能得到提升。高职学院要重视加大人才引进和培养的力度。人才引进既要有数量更要注重质量。要严把进人关,切实保证引进的人才质量过硬,从而培养出高水平的专业人才。同时高职院校也要重视培养现有教师队伍。选派在职教师到国外动漫教育机构或动漫企业中学习国外的优秀教育方法、教育模式。

(二)构建具有高职特色的课程体系

由于高职院校对学生培养的定位是技能型复合人才,因此应按照动漫的制作流程和动漫岗位设置来安排动漫设计与制作专业的主干课程体系,主要包括三个部分:1. 构建美术基础与艺术设计课为专业基础实践课的课程体系。应开设素描、色彩构成、动画概论、动画场景设计等专业基础课程,以巩固学生的美术基础,提高学生的动手能力,并为下一阶段的实践能力打下一个坚实的基础;2. 构建计算机设计软件实训课为专业的拓展实践课的课程体系。应开设3DMax基础、Maya动画制作、角色动画制作、影视动画制作等课程。课程设置上具有实践性,与社会工作岗位人才的需求接轨,对学生就业有相当重要的意义;3. 构建影视文化和艺术创意为专业技能提升实践课的课程体系。应开设戏剧表演、影视文学、音乐欣赏、戏剧艺术和动画编

剧等影视和艺术课程,使学生了解戏剧、音乐、文学和编剧等各方面知识,实现艺术创意和设计制作技术于一体。

(三)建立校企联动培养机制

校企联动是职业教育发展的方向和重要的特色并具实际操作性。拓展校企联动,共建实训平台是职业素质和职业能力培养的根本措施,是促进高职转变人才培养模式的根本动力。所谓校企联动的培养机制指的是学校与企业共同培养动漫人才。企业为学校提供真实项目作为学生实习实训的平台,学校则为企业解决技术和创意的支持,并优先考虑人才的供给。校企之间形成一种互动的关系,在这种联动机制下,学校作为人才培养的机构时时关注市场的走向和企业发展的动态,以便修订自己的培养计划和课程设置。

(四)培养团队协作能力

几乎所有的有一定规模的动漫项目都是合作完成的,仅凭一个人的力量不可能完成具有一定水平的动画作品。因此,具有团队协作能力的学生更受企业青睐。职业教育的特点就是要特别突出培养学生间的团队协作创作动画的能力。我在教学过程中,有意识地培养学生之间的团队协作能力。

四、结语

综上所述,高职院校必须转变原有的动漫专业人才培养模式,以市场为导向,以动漫企业为依托,有计划、有目标地进行动漫人才培养。合理设置动漫专业课程;培养专业的师资队伍;建立校企联动培养机制,缩小动漫人才培养和行业人才需求之间的差距;培养学生的团队协作能力,提高其就业竞争力。高职院校要抓住动漫新产业发展所赋予的办学机遇,探索一套适合学生、适应社会的动漫人才培养模式,如此必定会培养出优秀的动漫专业人才,为中国动漫产业的发展作出巨大的贡献。

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