教堂是基督教的精神象征，是基督教文化的主要承载物。在一千多年的发展历史当中，教堂的装饰艺术也在不断的更新和变化，它在每一个历史时期都有着明显的特征，体现出不同的历史文化和审美观念。根据教堂发展历史及特征的不同，可以将欧洲教堂装饰艺术分为罗马风格、哥特风格、巴洛克风格三个时期，每一个时期教堂的装饰都有鲜明的特点，探讨不同历史时期的教堂装饰风格，对于全面了解欧洲艺术发展具有重要意义，同时也能够对现代建筑装饰艺术的发展起到一定的借鉴作用。

　　一、罗马风格时期欧洲教堂的装饰艺术设计

　　罗马风格欧洲教堂的装饰艺术设计是指12世纪以前欧洲教堂的整体装饰风格。

　　1.以黑白色调的搭配为主罗马风格时期欧洲教堂的装饰艺术最具代表性的当然就是意大利的教堂，这一时期欧洲正处在罗马帝国的统治时期，因此这一时期的建筑体现了鲜明的古罗马特色。同时，这一时期战乱频繁，古罗马文化对当时文化的影响依然比较明显，天主教依然是最高的宗教统治者。因此这一时期的文化发展并不繁荣，受到战乱和统治者的影响，这一时期的教堂在装饰风格上主要是以黑白色调为主，其目的就是为了体现出罗马教皇的高高在上和主的意志神圣不可侵犯。由于当时战乱，主的仁爱思想受到很大的压制，而这也体现在教堂的装饰风格上。其中具有代表性的就是意大利的比萨大教堂，这座教堂建于1063年，教堂的外部与古罗马时期的建筑风格十分相似，采用的都是乳白色的大理石，在内部上与古希腊神殿的建筑风格也有很多相似的地方，内部有很多乳白色的柱子，既能起到一定的支撑作用，又能起到一定的装饰作用。走进大堂一眼就能看到高高耸立的柱子，以及两侧黑白条纹装饰图案，中央是一副正襟危坐的圣母装饰画，中间是著名的伽利略吊灯。整个装饰风格显得庄重、简约，又不失肃穆，很好地反映出了当时的欧洲文化。

　　2.多用精美的雕刻作为装饰众所周知，雕塑是欧洲艺术的杰出代表，在长期的发展历史当中，涌现出了大批优秀的雕塑家，如乌东、吕德、罗丹等，都是欧洲雕塑的杰出代表。雕塑最早可以追溯到古罗马时期，古希腊时期有关希腊神话的雕塑是其优秀的代表，而在古罗马时期，文化的繁荣让雕塑出现了第一个高潮。欧洲最重要的宗教文化当中，当然也不可避免会涉及到雕塑艺术的应用。除了比萨大教堂大量地应用了一些雕塑艺术之外，其它的一些教堂也有很多著名的雕塑艺术作品。圣彼得大教堂建于326-333年，随后虽然经过了重建、修正，但是依然保留了很多带有古罗马风格的雕塑，其中就有雕塑艺术史上的无价之作——米开朗基罗雕塑作品《圣殇》，当然作品的风格与罗马时期的雕塑已经有了很大的变化，但是依然能够看到那种传神的风格，这也是整个教堂最重要的装饰作品。当然该教堂还保留了公元3世纪的一些浮雕作品，虽然有的雕塑作品时间已经无从考证了，但是依然能够看到鲜明的罗马时期的艺术风格。

　　二、哥特风格欧洲教堂的装饰艺术

　　哥特风格欧洲教堂的装饰艺术指的是12世纪到15世纪哥特文化流行期间，欧洲教堂在内外部的装饰情况。

　　1.装饰的色调丰富多彩从12世纪开始，欧洲社会逐渐步入了一个相对稳定的发展时期，在这一时期，繁荣的文化开始从希腊、罗马传递到欧洲各地，同时哥特文化开始兴起，这对欧洲教堂的装饰风格产生了重要影响。最明显的一个变化就是在装饰的色调上。从上文的分析中可以明显看出，在12世纪之前，欧洲教堂在装饰中主要使用了黑白相间的色调，虽然在一些绘画当中有别的颜色的使用，但是整体上呈现出黑白相间的特点。而到了哥特文化时期，欧洲教堂的装饰开始变得丰富多彩，最重要的一个变化就是金色的应用，当时教堂装饰中一般都是采用的纯金装，金色代表的是高贵和财富，正是因为金色的应用，让教堂变得金碧辉煌。其中作为梵蒂冈罗马教皇的驻地，圣彼得大教堂在改建以后，随处可见金色的应用，而多彩绚丽的绘画艺术让整个装饰色调显得更加丰富。比如说始建于12世纪末的丹麦奥尔胡斯大教堂，其主祭台上的神像几乎都是金色装饰的，然后用红色、绿色等其它颜色点缀，增强了一种神秘感，显得高高在上，不可侵犯（见图1）。

　　2.多彩的绘画艺术大量出现在教堂装饰当中，除了雕塑之外，最重要的装饰作品就是绘画。12世纪到15世纪之间，欧洲的绘画艺术开始从黑暗向黎明迈进。在这一时期，绘画开始大量用于教堂的装饰，并且与雕塑艺术相互融合，主要用于教堂内部墙壁、屋顶的装饰。奥尔胡斯大教堂的边门中就有一个非常典型的带有神秘色彩的绘画，这组绘画虽然以宗教为内容，但是表现的并不是耶稣、圣母等传统的题材，而是一种神魔鬼怪的装饰。其中最著名的就是《西斯庭教堂天顶画》，这是15世纪最著名的画家米开朗基罗的作品，位于意大利西斯廷教堂。作品在教堂短廊式的500多平方米的天顶上，以圣经《创世纪》为主线，先后描绘了九个基督教神话场景，包括《神分光暗》《创造日月与动植物》《创造水和大地》《创造亚当》《创造夏娃》《原罪逐出乐园》《挪亚祭献》《洪水》《挪亚醉酒》，全部作品总面积达到600平方米，天顶画的装饰图案全部绘以建筑结构的样式，这与教堂实际的建筑结构取得谐和，因而当人们仰观整个天顶画时，它更显得庄严华丽。在主题思想上，米开朗基罗确定所绘人物的内容时，不拘泥于情节的宗教依据，只着重于表现人的本质力量，蕴含着基督教深刻的精神与历史价值，可以说达到了宗教绘画的一个顶峰，与达芬奇的《最后的晚餐》一起被称为15世纪绘画中的不朽之作和无价之宝。

　　三、巴洛克风格欧洲教堂的装饰艺术

　　巴洛克风格起源于16世纪，从17世纪开始流行于欧洲，这种艺术风格继承了文艺复兴时期的一些艺术风格，如错觉的再现传统等，但是却追求一种繁复夸饰、富丽堂皇、气势宏大、富于动感的艺术境界，可以说是一种艺术的“浮夸”效果。

　　1.复杂而宏大的装饰应该说在罗马风格时期和哥特风格时期，欧洲教堂在内部装饰上是越来越复杂的，虽然说在哥特风格时期，装饰风格比较富丽堂皇，但这只是在一些局部地方的处理上，实际上在教堂内的大部分还是以单色调为主，当然圣彼得大教堂虽然有精美的壁画和大量的雕塑，但是整体上很协调，并没有复杂繁琐之感。但是到了巴洛克时期，不仅壁画的装饰范围越来越大，而且整个雕塑变得更加复杂，甚至出现了层雕等艺术手法，借助于建筑商的宏伟烘托出一个更加磅礴的宗教气势。如在意大利圣卡罗教堂的装饰当中，就使用了大量的几何图案，在装饰上讲究的是对称性，教堂的顶部是半圆形设计，在窗户的作用下，映照的是一层层的装饰画，可以看得到这些绘画当中有的描写的是圣经当中的场景，有的纯粹就是几何的装饰图形，与绘画交织在一起，烘托出整个教堂的宏伟（见图2）。巴黎圣母院装饰风格虽然比较简约，但是巨大的柱子与灰色的色调，显得教堂庄重而又不失宏伟（见图3）。

　　2.大量应用了烘托对比等装饰手法在巴洛克时期，艺术的自由，也让很多的教堂在装饰上借鉴了其它艺术表现手法，如绘画中的烘托与对比，这一点与哥特时期追求的全景式的艺术表现有了很大的区别，往往会用一种装饰来烘托、突出另一种艺术表现的主题，从而获得更强烈的艺术表现力。如单色调与绘画的烘托，装饰绘画对主题绘画的烘托与呈现等等。如圣尼古拉教堂，这座教堂的顶部装饰画表现了一个场景和主题，周围虽有一些几何形的装饰图案，但是也比较少，在柱子上面几乎没有什么装饰，一走进这里就会被中间的巨幅绘画震撼，我们不禁会称赞作者的高超技艺，也能看出他们在装饰上的煞费苦心，力求新意。在其它的这一时期的教堂装饰当中，也或多或少的体现出了这一特点。

　　总之，在欧洲，几乎每一个著名的教堂都有自己独特的装饰风格，可以说没有两个教堂在内部装饰上是完全一样的，鲜明的装饰艺术风格也让这些大教堂屹立于艺术之林，成为人类历史发展过程中的不朽之笔。

　　浪漫主义时期的声乐艺术在19世纪的欧洲声乐发展史上起了巨大的历史推动作用。这一时期，涌现出来了一大批的声乐艺术作曲家及声乐演唱家，他们对声乐作品的处理个性十足，强调主观意识和民族观念，使19世纪的欧洲声乐文化呈现出丰富而又有个性的特征。

　　19世纪的浪漫主义主要渗透于哲学、文学、艺术和科学等较为宽泛的领域，并在欧洲各个国家的戏剧文学和音乐、美术等艺术教育领域得以呈现。如在德国、英国和法国，它的形式主要表现在小说、诗歌、雕刻以及绘画等方面。浪漫主义在音乐中主要体现在带有强烈的主观情感主义倾向，所推崇的是个人情感最大限度的释放和用心灵感悟世界。

　　一、欧洲浪漫主义声乐艺术特征

　　(一)注重人物形象塑造。

　　19世纪浪漫主义时期声乐作品的主要特征之一就是“以人为本”，这个特征主要体现在音乐的人物形象塑造上。如舒伯特的声乐套曲《冬之旅》，作曲家就是通过乞丐艺人的脚印影射了他对自己的命运和前途的担忧。

　　(二)重视民族特点。

　　为了强调个人的音乐风格，艺术家们开始重新审视本国和本民族的历史文化和民间艺术的价值，并着眼于对其的兴趣和挖掘。作曲家通过吸收自己本民族的民间声乐中的传统音乐要素和独特主要特征，并加以改变和创新，从而使其能得到相应的提高，更好地体现本民族的民族特性。

　　浪漫主义比较重视民族民间音乐文化，最典型的代表是在19世纪的被誉为“钢琴诗人”的波兰音乐奠基人——肖邦。肖邦把他的音乐植根于波兰民族民间文化，以民间生活为创作素材，将民族解放情怀和爱国主义思想融入创作，开创了波兰舞曲和玛祖卡两种钢琴曲的体裁。他的一生致力于弘扬波兰民族民间音乐文化，并以此创作了一大批钢琴曲。

　　(三)侧重情感表达。

　　浪漫主义时期的声乐艺术还非常注重抒情性和幻想性的情感表达。处于弱势的客观理性以及崇尚个人的主观感受，注重感性理解使作曲家在这一时期的声乐艺术诉求中更富有感情色彩，主观空想因素和人物内心精神世界刻画成为浪漫主义时期作曲家声乐创作的灵魂所在。

　　二、浪漫主义时期的大歌剧

　　(一)大歌剧的兴起。

　　19世纪，法国大歌剧的兴起及其繁荣对欧洲歌剧的发展有着极大的影响和意义。浪漫主义音乐发展初期，以罗西尼、贝多芬和斯蓬蒂尼等人为主的作曲家创作了很多具有代表性的大歌剧。这其中又以罗西尼创作的歌剧最为经典，他的歌剧创作强调象征性意义和整体化倾向，他的歌剧作品《摩西》和《威廉退尔》迄今是歌剧音乐舞台中的稀有之物。在浪漫主义音乐发展的后期，来自意大利的作曲家多尼采蒂、贝利尼、威尔第和来自法国的作曲家古诺，他们创作的歌剧作品对大歌剧的进一步发展以及繁荣都起到了巨大的推动作用。

　　伴随巴洛克时期阉人歌手退出歌剧舞台的同时，男声歌唱家和女声歌唱家开始逐渐解决歌唱的技术问题，并在大歌剧中扮演重要角色，他们逐步开始登上歌剧舞台并在歌剧艺术中占领主导力量。

　　19世纪上半叶，意大利著名男高音歌唱家基欧凡尼· 鲁比尼被歌剧界称誉为“男高音歌王”。他擅长演唱贝利尼、多尼采蒂的歌剧，以嗓音圆润、音色甜美、音量大、音域宽广，活跃在歌剧舞台上，并成为当时最著名、最有影响力的男声歌唱家。尤其多门尼科·唐采利也是意大利著名的男高音歌唱家，他的声音丰满、洪亮，擅长罗西尼的歌剧演唱。同时期的男高音歌唱家还有法国的男高音歌唱家阿道夫·奴力，许多的戏剧性男高音剧目都是由他建立流传下来的。

　　女高音歌唱家有德国的出身艺术世家的施罗德-德夫里恩特，她17岁就出演莫扎特歌剧《魔笛》中的帕米拉，屡次把德国歌剧搬上歌剧舞台，为浪漫时期德国歌剧的发展和传播做出了巨大的贡献。女高音歌唱家林德，以优美清纯的音色、有力而灵活花腔技巧，被称作“瑞典的夜莺”。本时期的著名女声歌唱家还有女低音歌唱家格拉西尔、女中音歌唱家维亚尔多-加尔西亚等等。她们都使烂漫时期的欧洲歌剧舞台和音乐会舞台散发迷人的光彩。

　　三、舒伯特和舒曼的艺术歌曲

　　浪漫主义者认为音乐与哲学一样能够影响人类的思想意识，他们认为各种艺术之间有很大的内在联系，为了能被受众接受和理解这一观点，他们尝试把音乐与其它艺术结合，创造了很多音乐体裁。其中，最具影响力的是的奥德的艺术歌曲。艺术歌曲是由音乐与诗歌的结合产生而来。大多用钢琴单独伴奏，以音乐会为主要演唱形式，主题常以渴望、自然、幻想、幸福和恋爱等为主，演唱的最大特色是具有抒情性和民谣风格。艺术歌曲在演唱时，用声较轻，音色多变，吐字清晰，语调细腻，尤其在高声区的处理上用渐弱来表现温柔的戏剧情感。德奥艺术歌曲在发展时期，舒伯特偏重用音乐去加强歌词的感染力，舒曼则强调用文学去加深音乐的表现力。但他们都没有顾此失彼而失去平衡，而是用自己的创作为德奥的艺术歌曲发展作出了重大贡献。

　　舒伯特是早期浪漫主义音乐的奠基人，也被业界认定是古典主义音乐最后的巨匠。他一生致力于追求自由的声乐艺术创作之路，在生活和艺术的夹缝中谋求生存，受德国的浪漫主义诗歌的影响和启发，他把奥地利的民间音乐素材运用于歌曲创作，写了大量的艺术歌曲。这其中包括室内乐、歌剧、合唱以及宗教音乐等600多首抒情歌曲。在今天还活跃在国际舞台上的艺术歌曲有《魔王》、《鳟鱼》、《春思》等。其中，舒伯特的声乐套曲《冬之旅》和《美丽的磨坊女》这两部声乐作品是其本人的生活写照，更像是作曲家的自传抒情小说，可以堪称巅峰之作。

　　舒曼是19世纪浪漫派音乐家最著名的作曲家，他是19世纪上半叶德国爱国主义民主主义音乐文化的灵魂人物，他的艺术歌曲为德国音乐文化发展做出了巨大贡献。舒曼一生创作的艺术歌曲将近300首。据说，他在1840年就创作了138首歌曲。其中包括著名的艺术歌曲《桃金娘》、声乐套曲《妇女的爱情与生活》和《诗人之恋》等。他的艺术歌曲还被称作“声乐室内乐”。

　　综上所述，19世纪的浪漫主义声乐艺术是欧洲声乐发展史中的一枝奇葩。它以追求个性、解放思想为本，注重作曲家内心情感的表达，并展开丰富的幻想来描写和塑造音乐形象。伴随大歌剧和德奥艺术歌曲的兴起，浪漫主义声乐艺术的风格特点表现得更加淋漓尽致。