关于舒伯特艺术歌曲中调性安排与情感表达的关系论文

时间:2023.4.5

  弗朗兹·舒伯特,伟大的奥地利作曲家,1897年生于奥地利首都维也纳,1828年卒于当地。在其一生短短的三十一年中,他创作了大量的音乐作品,总计达到了一千多件。包括了从室内乐到交响乐,从艺术歌曲到歌剧的几乎所有的音乐体裁。然而,其中最有影响力也最具代表性的还是他一生中所创作的大约600多首艺术歌曲。这些歌曲不仅数量庞大,而且艺术性也达到了那个时代的最高峰,对后世的影响极大,可以说是开一代先河的音乐大师。

  舒伯特在艺术歌曲领域的杰出的成就而被赞誉为“艺术歌曲之王”,这是毫不为过的。舒伯特艺术歌曲的题材广泛。其中既有大诗人歌德的诗作,也有名不见经传的业余诗人的小品;既有像《摇篮曲》这样旋律优美,听来娓娓动听而又易于让人理解的声乐小品;又有像佟之旅》这样听起来阴暗晦涩,而又意境深邃得让人难以理解的大部头作品,而且这样的作品在舒伯特600多首艺术歌曲中还是占有相当的比重的。这就对演唱者的演唱构成了相当程度的困难。再加上语言上的障碍,对舒伯特艺术歌曲的理解就显得更加困难了。

  有没有能打开理解舒伯特艺术歌曲之门的钥匙呢?对舒伯特艺术歌曲中调性安排的分析与理解,就是打开这扇门的钥匙。

  在舒伯特的艺术歌曲中,调性的安排非常有特点,他对歌词的理解以及感受,往往都浸透在对调性的安排上。因此,我们理解了舒伯特对调性安排的缘由,就会感受到他音乐创作的良苦用心,对作者的艺术歌曲就有了一个切身的体会。这些都对准确地演唱舒伯特艺术歌曲,是大有裨益的。

  作为一个开浪漫主义音乐先河的作曲家,舒伯特在创作技法上有相当的创新。在调式调性的安排上具体表现为作者走出了传统的以近关系转调为主的调性体系,开创性地大量运用各种形式的远关系转调来刻画人物内心的情感变化极大地丰富了浪漫主义的音乐创作。他打破了古典时期的和声模式,开创性地使用减七和弦进行转调。通过减七和弦的使用,使各种关系的转调成为可能从而自由的利用各种调性关系的对比来刻画人物形象成为可能。

  舒伯特艺术歌曲调性安排的特点有:

  沿袭传统的大小调体系与情感的对应关系,但时有突破在舒伯特的艺术歌曲中,仍然沿袭着传统的用大调性质的歌曲来表现愉悦的情绪,而用小调性质的歌曲来表现消沉的情绪的传统。这样的歌曲有许多,如《里子玫瑰》《谁是西尔维亚》等等。舒伯特在调性安排上仍然坚持着传统原则的最突出的例证就是歌曲《春》。在歌曲中,他根据诗意将全曲分为梦中、梦醒、彷徨三个段落。在梦中这一段,流浪者在寒冷的冬日里却做起了春天的梦。为了描绘这春梦的甜美,作者为这一段选择使用了A大调,中间没有任何转调或离调的倾向。这一段的旋律也是异常的甜美,将流浪者梦中的甜蜜生动地表现了出来。在梦醒这一段的几声警号过后,突然转到了e小调上随后又经过了d小调、g小调、a小调d小调的变化。最后,这一段结束于第一段的同主音小调a小调上。这样的调性安排,使这一段音乐显得非常的不稳定,但这不正是流浪者从美梦中惊醒后的不知所措吗?在彷徨这一段中,调性安排是从A大调开始,最终结束于a小调上,突出地表现了流浪者对自己未来的彷徨。这A大调到a小调的对比,正表明舒伯特对这春梦的态度:“做的再美也毕竟是个梦,它最终还是会破灭的。”

  但是,在舒伯特作品中也有一部分歌曲并不遵循这一原则,典型的例子就是声乐套曲《美丽的磨坊女》中的第十七首《可恨的颜色》。作品表现的是流浪者失恋后的痛苦,其基本调性却是B大调,而且写得的是异常的斗志昂扬。这应该是流浪者为了掩盖自己失恋后的痛苦而故作姿态吧。

  频繁而又大胆的转调往往意味着情绪的突变

  在舒伯特的后期作品中,对传统的作曲法多有突破,这在其晚期创作的声乐套曲《冬之旅》中表现的最为明显。在这部作品中,作者为表现流浪者的情感变化,频繁而大胆地使用了多种转调方法。其转调方法不再拘泥于传统的近关系转调,往往表现为毫无预兆的远关系转调,表现得相当的大胆。如在套曲的第十三首《由车》中,在歌曲的第一句歌词结束时,其调性就已由开始时的降E大调转到降D大调并最终转回到了降E大调上。降E大调和降D大调是远关系调,而且在歌曲的一开始就进行远关系转调,这实在是不多见的。舒伯特为什么要进行这样有违于常规的转调呢?其实这还是与流浪者情绪的变化密切相关的。在歌中,流浪者听到了邮车的号角声,就在这一瞬间,流浪者内心的情绪就已经发生了剧烈的变化。当刚听到邮车的号角声时,流浪者内心突然有一种冲动:“邮车是否能给我带来他的消息呢?”然而这念头转瞬即逝,流浪者又从幻想中跌回到现实中来,他是再也不会得到她的任何消息的了。舒伯特抓住了流浪者脑海中这极细微的变化,用突然进行的远关系转调的方法,将流浪者内心的这一不易让人察觉的情感火花细致人微的表现了出来。再如《冬之旅》中第一首《晚安》中,人声的最后一个小节,其调性就由之前的D大调毫无预兆地突然转入d小调。这样的凋性转换,表现了流浪者在歌曲即将结束之时,突然地明白了自己的悲剧性命运是无可改变的了,迎接他的只有那漫长的流浪之路。

  歌词反复句的调性安排往往代表着人物内心最深处的感受

  在伯特的艺术歌曲中,有一个比较特别的现象,就是舒伯特往往为相同的歌词配上两句,甚至是三句不同的旋律。我认为这歌词的重复使用是他的特意安排,而不是词作者原来的创作就是如此。舒伯特在歌词重复句的创作中,刻意使两句相同的歌词之间形成大小调的对比(往往伴随着不同的旋律和力度的变化),通过这大小调的对比使歌曲的整体情绪得到再次的确认。以歌曲《晚安》为例。

  《晚安》是声乐套曲《冬之旅》中的第一首。《冬之旅》讲述了一个“流浪者”在冬日的雪野中蹒跚流浪的故事,套曲的整体气氛是阴暗忧郁的。《晚安》是这部套曲的第一首。在诗中,“流浪者”来到昔日恋人的屋前,向他心爱的姑娘道最后的晚安。在整首歌曲的四段歌词中,前j段的基本调性是f小调,这是与歌词的整体氛围相吻合的。然而,在歌词的最后一段,歌曲却突然地转入了明亮的D大调,产生了一种豁然开朗的音响效果,似乎预示着“流浪者”的命运有了某种转机。然而,好景不长,舒伯特在创作歌词的最后一句“我曾把你留恋”时,为这相同的一句配写了两句不同的旋律,在旋律上仅仅表现为将升还原而已,却将歌曲转入了第四段的同主音的d小调,成功地制造了一种带有强烈的“紧缩感”的音响效果。虽然舒伯特在这里只是略施笔墨,变动是微小的。然而,这微小的变化却将“流浪者”突然的拉回了情感的深渊,预示着“流浪者”最终的悲惨命运。在《冬之旅》第六首《冻泪》中,这种情况再次发生。《冻泪》的曲式结构是无再现的单二部曲式,在歌曲的A部和B部的结尾部分,舒伯特为同一句歌词配写了两个旋律,同时歌曲由G大调转到了e小调。舒伯特这样创作的用意是为了强调“流浪者”所抱有的希望是不可能实现的。在A段的结尾句,歌词是“柔软的积雪都消融”。当旋律在G大调上时,“流浪者”似乎还对冬天的冰雪能够消融抱有一线希望。突然,旋律一下子转入阴冷的小调,同时伴随着“stark”(重),代表着“流浪者”突然的明白了,这冬天的冰雪是不会消融的了,而他心爱的姑娘也是再不会回到他身边的了。

  舒伯特经常用人声与伴奏分别处于大调与小调来表达强烈的情感。如《冬之旅》的第二十二首《勇气》中,“流浪者”似乎重新焕发出了生活的勇气,唱出了许多豪言壮语似的内心独自,整首歌曲写得相当的激昂。但是,在《勇气》的结尾部分,人声部分虽然结束在G大调上,而钢琴部分却结束在g小调上。舒伯特做如此的安排,仍然是为了“流浪者”的形象创造,是为了强调“流浪者”的悲惨命运的无法改变。谱例:

  调性对置的使用往往内涵深意

  调性对置,在舒伯特艺术歌曲中特指同主音大小调的交替使用。在舒伯特的艺术歌曲中,调性对置的使用相当广泛,可以说贯穿其音乐创作的始终,他习惯于用这种方法来表达两种互为对立关系的情感对立。在声乐套曲《冬之旅》的第五首《菩提树》中,调性对置的使用就贯穿全曲,很有特色。在《菩提书耐》中,“流浪者”的思绪不停地穿行于美好的回忆与残酷的现实中,因而作者确定用E大调音乐来代表回忆的美好,而用e小调音乐来代表现实的残酷。舒伯特根据诗歌内容,将全曲的曲式结构确定为带再现的四部曲式,即ABCA结构。在A部中,“流浪者”沉浸于对往13的美好回忆中。因此,舒伯特用E大调来创作这一段的音乐(1—24小节)。

  在B段的前半部分(25~36小节),是对现实中的“流浪者”的描述:“今天像往日一样,我流浪到深夜,我在黑暗中行走,闭上了我的两眼。”因此,他用e小调来创作这前半段的音乐。然而,后半段的歌词却突然的有了变化(37—45小节),“流浪者”又回到了对往昔的回忆中去了:“好像听到那树枝对我轻声呼唤:同伴,回到我这里,来找寻平安!”舒伯特敏锐地抓住了这一变化,将歌曲的调性立刻又转回到了E大调上。通过B段的这一调性的变化,将“流浪者”徘徊于回忆与现实中的痛苦生动地表现了出来。c段仍是对现实的描写,刻画了一个“流浪者”在风中前行的画面,所以作者仍然使用了e小调。最后,歌曲进入了再现部分,歌曲又回到了大调直至结束。由以上分析可见,《芏提树》中对调性对置的使用是很有特色的,也是非常经典的,是体现舒伯特对调性对置这一创作方法的成功运用的登峰之作。

  晚期无调性感的作品往往意味着迷惑与彷徨的情绪

  这一类作品的典型代表是《冬之第十六首《最后的希望》。这首歌的开始部分就使用了减七和弦以弱化调的感觉在第七小节才开始有了调的感觉。在十五至十七小节时,又出现了旋律在大调上而伴奏却在小调上的少见情况,更加模糊了调的感觉。歌曲直到最后结束时才明确了大凋性质,因为这时流浪者的最后的希望已然是破灭了,他已得到了解脱,有一种如释重负的感觉。

  以上分析的一些舒伯特作品中调性安排与情感表达之间的关系,会对演唱者的演唱有什么样的提示作用呢?对于一个演唱者来说,对自己演唱的歌曲有一个深入的了解是必需的。对舒伯特作品中调性安排与情感表达之间的关系的分析,可以提示演唱者更加注意作品中更深层次的内在意境,从分析作品入手来理解舒伯特,理解他的作品从而对演唱作者艺术歌曲能起到一个积极的提示作用。


第二篇:琵琶演奏的情感表达论文


  琵琶演奏的情感表达论文提到琵琶在演奏过程中的情感表达犹如乐曲的灵魂,具有独特而重要的作用。

  琵琶演奏的情感表达论文【1】

  关键词:琵琶演奏 情感表达

  琵琶是我国民族乐器中最具有表现力的弹拨乐器之一,琵琶演奏技法颇具复杂性。

  但演奏者在演奏时决不能因为顾及演奏技法忽略了音乐的情感和美感,从而导致演奏虽然完整,技巧虽然娴熟,却因为缺乏音乐感染力而丧失了作品的生命力。

  正如琵琶演奏大师刘德海先生所指出的“技差而无情理,为劣之劣者;技佳而无情理,为匠之劣者;以情感人、以理服人,而技术又是以副之,为优之优者。”

  一、扎实的基本功是演奏者情感表达的保障。

  基本功训练是否扎实直接影响着演奏的质量和演奏者的情感表达。

  近些年琵琶作品不断出新,新作品对演奏技法提出了更高的要求。

  例如中国香港作曲家罗永晖先生创作的琵琶独奏曲“千章扫”,对扫弦技术而言是一次全新的突破,乐曲所要求演奏力度、耐力以及爆发力在以往的扫弦运用中是很少见的。

  演奏时要求演奏者在扫弦技术革新上无障碍、无负担,才能较为自如地驾驭这首作品,而扫弦则是琵琶的基本功之一。

  因此,基本功的训练是琵琶演奏者的每日之功,应持之以恒地贯穿于演奏者的整个学习工作过程中。

  如同高楼的地基一样,一定要奠定得牢固深厚,为成就演奏的高水平创造最充分的条件。

  二、准确的理解力是演奏者情感表达的前提。

  每一件作品都凝聚了作者的所思所想,以琵琶演奏家任鸿翔先生所创作的琵琶曲“渭水情”为例。

  该曲引子借鉴了秦腔花音的方法,大调性G宫调与D徽调交替使用,使人们沉浸在对黄土地的万般依恋中,渭水两岸秀丽的自然风光和人们乐观爽朗的精神面貌历历在目。

  而当乐曲进入优美抒情的慢板部分,旋律展示了陕西民间音乐的自然美,借鉴了秦腔苦音的方法。

  音乐围绕着E商调(间或G宫等调)进行,音乐中运用低八度的旋律,目的是增加情绪上的储蓄深沉。

  通过运用琵琶左手推、拉、吟、揉、打、带和右手轮指、摇指、弹挑等技法,将作者的思乡之情迸发于指尖,如滔滔不绝的渭水一泻千里。

  三、生动的想象力是演奏者情感表达的助手。

  音乐思维包罗万象,尽管每个人对某一乐曲都会有自己不同的理解和想象,但有一点是相同的,即音乐形象都是栩栩如生并且感动了自己。

  笔者从事琵琶演奏多年,对古曲“十面埋伏”情有独钟,每当抚琴弹奏,那“得胜之师”的威武雄姿,金戈铁马的肃杀之声如身临其境。

  左手手指在琴弦上快速反复来回的“推拉”及右手的上下“扫弦”,如战场上骑马将士的相互厮杀,规整而又自由的节奏又如战马驰骋,左右手的配合就像战争中将士的博斗,“扫弦”过后的“长轮”加重了战争中刀光剑影、人仰马翻、血光四溅的场景。

  此处的弹奏若要更加逼真地体现战场的真实性,左手拉出的音符在往回走时,手指需加大吟弦慢回的弹奏,这样才能更加真切地体现出残阳如血、马蹄声碎,使人屏住呼吸,穿越进入一幅壮丽的古战争画卷。

  四、艺术实践与生活积累是演奏者情感表达的源泉。

  琵琶演奏是表演艺术,所以实践的锻炼对于琵琶演奏者能力的提高有着不可替代的作用。

  以持之以恒的练习为基础,以各种形式的艺术实践为检验,对于任何艺术而言都是最理想的提高方式。

  只有不断丰富自己的阅历和知识,我们才能在乐曲的演奏中感受到乐曲蕴涵的情感,从而和乐曲产生共鸣;只有我们深切读懂了乐曲并进行情感表达,才能使自己的演奏和观众产生共鸣,从而更好地表达乐曲所要阐述的深层次的思想及情感。

  “弦上之音在弦外”,一位优秀的演奏者除了要具备全面的演奏技术技巧以外,自如的音乐控制力、丰富的情感表达也是必不可少的。

  琵琶演奏是用弹拨的形式为观众送去艺术引导和审美享受,使人们在欣赏的过程中抒发情感、表现情感、寄托情感从而引起情感的直接模拟和共鸣。

  在与观众情感交流的过程中,演奏者只有先感动自己,才能进而感动观众,所以演奏不是简单的乐曲的传递,而是要让观众看到乐曲背后的故事及画面,并与观众一起升华到真正的人乐合一的境界。

  参考文献

  1.庄永平,《琵琶手册》,上海音乐出版社,2001

  2.《音乐美学通论》,上海音乐出版社,2007

  3.李晓鸣,《琵琶演奏技巧与情感表现》,中国音乐出版社,2004

  琵琶演奏的情感表达【2】

  摘要:琵琶作为我国特有的古代乐器之一,其发展历史悠,在演奏历史进程中锻造出了众多出色的艺术家,凭借他们精妙的演奏技巧为人们提供高水平的艺术表演,让人们接受高雅艺术的熏陶。

  近年来,随着人们对音乐的欣赏品味逐步提升,社会上对于琵琶演奏者的演奏技艺要求更高,标准更严格。

  琵琶演奏者需要在演奏中融入自己的情感,将内心的真实情绪和肢体动作有机结合在一起,到达艺术的最高境界。

  本文主要论述琵琶演奏中进行情感表达的方法和手段,深入挖掘演奏曲目中的内隐情愫,为广大同行工作者提供有效借鉴,全面提升琵琶演奏者的素质。

  关键词:琵琶演奏 情感表达

  好音乐是正向传达情感的有利工具,在音乐中有机联系演奏者的内心灵魂,增添演奏的美感、艺术感。

  琵琶演奏要想完美的融入情感表达,不能一蹴而就,需要长时间的专业培训和刻苦的练习,演奏者需要通过自己纯熟的演奏技艺通过掺杂着真实、细腻的情感完美地表达给观众。

  因此,要想把一曲琵琶曲传神地演绎出来,必须对曲目作品本身进行细致、全方位的分析,综合运用各种恰当的情感表现手法,达到曲和神的完美融合。

  一、琵琶演奏中情感表现表达的重要意义

  业内人士都知道,音乐是一种具备特殊情感的艺术表现形式,是一种极其具有表现力和感染力的听觉语言。

  要想在一场演奏中与观众产生共鸣,获得观众的青睐和喜欢,需要演奏者加入十足的情感表现技能,只有情感表达地淋漓尽致,乐曲才能声情并茂地传递给观众。

  倘若琵琶演奏者在练习或者弹奏时,过分关注节奏、韵律等技巧的拿捏准确,而对曲目本身所表达的感情没有关注,这样只会让弹奏出的音乐效果缺乏灵魂,对原作品的艺术性和思想性的表达很不到位,也没有注重对演奏者个人内在潜力的发挥。

  二、琵琶演奏的情感表达方式与途径

  (一)提高演奏者自身素养

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