《艺术家》感后感

序言：

爱上《艺术家》，纯属一场无言的邂逅，我相信你也会和我一样，在去影院前对这部电影充满了不屑和怀疑，黑白片？默片？在3D或IMAX甚至5D视效都无法再满足观众口味的年代，一部黑白默片又将如何圈住影迷们的钱包和心呢？然而恰好是怀着这样的心态，我在大银幕前看它看到流泪欢笑，大声鼓掌。后来我选了一门《好莱坞电影---1891年以来的电影工业发展史》，老师又在课堂上放了一遍这电影，真是怀旧中的怀旧。

其实,《艺术家》是一部纯粹的银幕电影，并非炫耀，可只有在影院里看到银幕上的这段光影，才能细品它的每一分美丽，才能在怀着一份怀疑和忐忑的心情去观影之后，深深地被这样纯粹的一个故事打动。它就像一位久违了的挚友，穿过时间带来问候，轻易击中我的心房。

这是一部聪明的电影，它拿起了“黑白”“默片”的噱头，却也拿起了票房失利的风险。在法国本土，正是因为电影宣传的失利，加上“黑白”“默片”字样给人留下的复古印象，票房未达预期，片方只好决定凭借奥斯卡提名的风头，在奥斯卡颁奖后再入影院重映，试图收回一些散落的票房。而在其他国家，它也很难叩响影院的大门，譬如笔者所在的荷兰，艺术院线的上映也不过寥寥数周，普通院线也仅因为奥斯卡该片的提名，才迟迟跟上了上映的脚步。而在美国，《艺术家》摘得金球奖，虽是目前奥斯卡的第一大热门，但目前美国人似乎尚未买法国人的账，影片在近七百家影院扩大展映，票房却低得让人匪夷所思，根据北美票房统计机构分析，造成这一局面的原因，还是因为它是一部默片。

所谓成也萧何败也萧何，苛责电影玩弄噱头的评论人，是否也看到这部电影为此付出的代价呢？现今电影业的利益驱动如此之大，又有多少导演还有再兴默

片的魄力

而即便是这样，电影又恰好落入了人们诟病的另外一个议题：如果电影要还原默片，却为何没了默片的神韵？ 我想是观者的心态不同吧，《艺术家》的立足点很讨巧，可正是因为太讨巧，观者的解读也会不尽相同。许多人把《艺术家》看做一场默片的复兴，认为《艺术家》是要对默片进行一次礼赞，并还原曾经的默片时代的遗风。然而事实上，《艺术家》的初衷其实并不尽然如此。人们过分解读了《艺术家》作为电影所应承载的艺术价值，却忽视了电影的娱乐价值。《艺术家》从一开始就并未打算百分之百地还原默片时代的元素，更多地，却是通过暗喻和明喻，对曾经的默片和有声片的交接时代，轻松地回顾和揶揄。从开场便设定的“说话”一词的双关运用，到后来有声电影的介入和兴盛，甚至是电影中那滑稽的“砰”的一声，电影都可谓无时不刻在轻松伶俐地提醒着观众：默片时代已经一去不复返了，可默片的艺术的价值却永远存在着，正如电影中乔治?瓦伦丁这位大艺术家一样，历经时间洗礼才华依然不减。灵巧的构思和智慧的“对白”，《艺术家》也用本身烙上的“黑白默片”字样，和电影中的剧情如出一辙地证明：艺术并不存在过时一说，这恐怕才是《艺术家》内里的本真。

若是研究《艺术家》是否百分之百还原了默片时代，去死抠技术的瑕疵，争议女主的眉目，慨叹复制的粗劣，观者恐怕真正落入了电影里那位大艺术家的境地：过分执着于那个年代，执着于“默片”二字的分量，却忽视了电影作为艺术载体的发展历程，二十一世纪的电影技术和当年的默片技术岂可同日而语，电影也不过是艺术的载体，从曾经的黑白映画，到现在的真人捕捉，电影仍旧是电影，仍旧是我们在银幕前放下忧愁，随之神往的时光机。一部向默片时代致敬的电影，但是又完全不同于以前的默片，有时代的烙印，用传统的电影方式，经典的剧本结构，加上创新的思路，是20xx年一部不同凡响的作品。虽然是一部无声电影，但是影片的背景乐都始终没停过，看一场电影等于听一场音乐会的声贝量，这种

现象也挺奇特的，而影片中和结尾不时又会冒出些音效和对白来，恍如穿越时空般的感觉。而黑白色则更让人的注意力集中，在彩色电影的时代，偶而一两部黑白片效果会不一般，记得最近几年凡是黑白片拍摄的电影，无论国内外清一色都会拿奖无数，因为现在敢用黑色摄影，却又不让观众厌烦的必定在其他方面有过人之处。 与其说《艺术家》是对默片艺术的讴歌礼赞，不如说它是一场我们和默片的邂逅和重逢，它说的是爱情，是乔治为佩皮点上的一颗痣，是佩皮在车里看到孤独的乔治流下的一滴泪，是乔治在大火中死死抱着不松手的，那么一段美丽的邂逅光影。 今年的奥斯卡季有趣儿，竟有两部拼着比着向电影史致敬的作品。好莱坞的老马丁用《雨果》向法国先驱电影艺术家乔治?梅里埃致敬；法国导演迈克尔?哈扎纳维希乌斯则用《艺术家》向好莱坞片场与默片时代致敬。这敬来敬去的，怎么也有一部该投奥斯卡的胃口，难怪双双提名。

我不喜欢《雨果》，因为它除了强大的技术效果和致敬心态外，在电影故事的构建与完成上却十分粗糙。《艺术家》除了采取默片的视觉表现方式独树一帜外，情节本身说来也乏善可陈，但与《雨果》不同的是它在小细节小桥段上的巧思妙想，种种视觉小品时常看得人会心一笑。比如仰慕默片明星乔治?瓦伦丁的女演员佩皮偷偷潜入乔治化妆室一节，佩皮抱着乔治挂在衣帽架上的西装外套花痴万分，干脆把一条胳膊伸进袖管假扮乔治抱住自己，左挑右逗，女丑形态毕露，引得全场哈哈大笑。

当然电影安排最巧妙的还是对声音的处理。《艺术家》采取默片手法，除了背景音乐并无他音效。但当默片明星乔治看不明影史的发展趋势落得末路潦倒时，苦闷中发梦，竟然声效突现，钟声、铃声、车声、人声、狗叫声，可就是没有乔治自己的声音。乔治与妻子不合，所争执的关键问题就是乔治不肯同她讲话——这里“讲话”是个明显的双关语，一方面指明面上乔治冷落妻子不与其交流，另一方面则暗喻他拒绝拍摄有声电影的事业选择。后来乔治寻死，以字幕插入的

一声巨响既推进故事进程，又跟观众抖了个不大不小的包袱，下面的段落水到渠成。这些与声音/声效有关的片段使声音脱离了一般电影的约定俗成，从一个理所当然的技术要素飞跃成为电影故事的重要角色之一，人围绕声音所作出的判断与电影工业所作出的选择彼此映照，最终不是声音为电影服务，倒是视效跟表演形式为声音的出现锦上添花了。

除了对声音效果的巧妙运用，《艺术家》对视觉效果的不吝开发也极为娴熟。乔治独自看电影，投在屏幕上的影子弃他而去，这小花招虽耍得老套，但用在该情该景却正贴切。乔治在片场遇见佩皮，第一次二人隔着布景斗舞，一里一外，一个俏皮一个大方，性格特色立现；第二次则一个下楼一个上楼，双方地位心态的变化被斜切画面的楼梯表现得清清楚楚。正因为没有声音，视觉艺术的功用才更为重要，才必须调动一切画面要素与表演要素，充分渗透剧情，激发强烈的视觉表现力。

将电影技术元素与电影故事表现紧密结合是《艺术家》区别于《雨果》的成功之处。无论是视觉效果、表演桥段还是声音元素，一切都融入《艺术家》的情节发展，彼此相互促进。技术为电影故事提供亮点与依托，故事则为技术要素提供方向与目标。在此之上，再加入一点爱情，一些怀旧的温柔，和很多自默片时代沿袭而来的幽默，一场声影传奇就此诞生，想不讨好莱坞电影工会大众的喜爱都难。

另外值得特别一提的是扮演乔治的法国演员让?杜雅尔丹。大屏幕上他留着两撇小胡子灿然一笑的滑稽样子真吸引人。说实话乔治这个角色很不好演，尤其前半场他春风得意自信十足的戏，自负太过容易显得“二”，招人反感；而表现不足又不吻合他大明星的身份，会与接下来的剧情发展产生断层。杜雅尔丹的自负有种“很傻很天真”的可爱劲在其中，十分难得。不管是乔治与佩皮眉目传情还是穷途潦倒的悲苦自怜，他都把握得真挚诚恳，表情与肢体状态松弛自然，不做作，

也不发力过猛。除了最后一场的舞技不尽如人意之外，这一年还真难有能与他相媲美的最佳男主角了。影片的最佳演员，我其实是想授予那条小狗的，它演的尼玛太销魂了，风头十足，即便是让。杜雅尔丹也可能稍逊三分，而姿色一般的女演员其实是给男一号作配角的，男主人公从意气风发到落魄潦倒到最后光彩恢复，起伏落差和情绪变化对一个男演员来说，是难得的角色。

至于《艺术家》究竟算不算一部真正的默片，我觉得这根本算不上一个问题。电影的发展是与电影技术的发展紧密相连的，纯粹出于致敬的目的故意历史倒退避而不用现时的摄影技术、机位安排、剪辑手段和音效，除了表达怀念之意外对作品的完整性并没多大意义。《艺术家》所采取的默片时代流行片头、黑白色彩与无声手法，都与剧情发展相辅相成。在这基础上运用超越默片的技术元素，反而独树一帜，别具一格。怀旧但不守旧，这是《艺术家》的最聪明之处。 在金球奖和英国学院奖受捧，在奥斯卡获得10项提名，恺撒奖也忙不迭地把“最佳”们送给《艺术家》，乐于骄傲的法国人早就不厌其烦地列数导演米歇尔?阿扎纳维修和让?迪雅尔丹的好。这从法国媒体的评价指数和票房曲线就可以看出端倪，今年1月中旬，《艺术家》重新上映，每周票房都稳定在10万人次以上，全球总票房已突破7000万美元，这对于一部没台词、没场面的默片可谓奇迹。即便苛刻如《电影手册》和《解放报》，也在批评中对《艺术家》留有余地，新闻中常能见到导演手握某座奖项，“阿扎纳维修和迪雅尔丹将继续歌迪亚的凯旋吗？”如果这一切真如片中的那个Happy Ending一样，怀旧的宝是押对了。今天的法国人已无法像卢米埃尔、百代和新浪潮时期那样，充当世界影坛的旗手，用一部精心模仿的默片，打造成电影史的“新化石”，这也算是一种取巧的成功。

从早期电影到默片再到有声片，欧洲和美国电影在这三四十年中是并存的。除了早期的好莱坞风格，一战后还有德国的表现主义和法国的印象主义足以大书

特书。但是在今天的电影史上，好莱坞银幕才是声音变革的主要见证。《艺术家》的主题是“一个默片明星的沉沦”。若是细究起来，也会发现掺杂了印象主义的主观手法，并不全是好莱坞传统。迪雅尔丹饰演的乔治，是卓别林、道格拉斯?范朋克和吉恩?凯利的混合体，一个孤独地挑战时代的悲壮英雄。迪雅尔丹本人的气质和擅长领域，却一直在法式喜剧方面，他的嬉皮笑脸和玩世不恭，总让人担心冲淡了背景的沉重。导演阿扎纳维修用了一个老套的爱情故事，让影片在怀旧的包裹中变得轻快。女主角贝莱尼丝?贝乔的面孔，完全不像当时好莱坞女影星风格。这种有点“私心”的“出戏”，其实也可以看做导演刻意为之，与声效的偶然跳出一样，提醒观众“默片”早已不存，此片仅是仿作。更何况在电影史上，不少伟大的默片导演和演员，都在无声到有声的转变中，因为对新艺术的“固执”理解而被时代抛弃，因为他们就像片中的乔治一样坚信，“有声电影是电影的堕落，用听觉去辅助理解，艺术潜力即被扼杀。”

相比上世纪六七十年代的彩色间谍片，上世纪二三十年代的黑白默片更难把握。因为年代的久远和技术的断层，除非你真正抓住了时代的精髓，拍出“乱真”的质感，或是像《无声电影》那样干脆恶搞讽刺，否则反而会落得个拙劣的山寨印象。阿扎纳维修当年还在做电视编导时，就攒出过一部《美国经典》，用多部好莱坞影片拼接出一部并不存在的新片，显示了他对类型片元素的体会和消化。在《艺术家》中，画幅比、帧数、配乐、片场细节都在逐一复制经典，阿扎纳维修要在自己熟悉的一百多部默片中，寻找前人的习惯和时代的索引。那些如今已少见的打光和构图又出现在银幕上，伴随着贝乔笑容中颤动的假痣，迪雅尔丹疯狂地撕扯着胶片，二人见面时的上下站位等等，都可以体会到导演的用心，《爵士歌王》并没有终结默片，有些手法其实还在延续。

除了摄影和配乐等显而易见的技巧，许多特效也在“欺骗”观众的视听感。因

为对现在的黑白胶片成像效果不满意，《艺术家》采用了彩色胶片拍摄再洗成黑白的技术，模仿出19xx年代的解析度。此外在拍摄时使用的22帧速度，更有一种默片时代才有的急促感，并给人物带来了一种天生的喜剧效果，让乔治这个角色的举动更加令人信服。阿扎纳维修的“玩心”还在某些场景上别有趣味，譬如乔治的那个诡异的梦境，除了他本人，其余一切声效俱在，车鸣、狗吠、电话铃、女人的笑声……乔治更像是代替观众穿越到了80年前，用一种超现实的手法来突出有声设备对于电影制作、电影理论的颠覆性。间幕的使用也是默片独有的特色，除了必不可少的叙事交代，在《艺术家》中用了一次“Bang”来实现对观众情绪的“误导”。说来这些小技巧在早期影片中多有使用，如今再来翻看，多少是触动了各大奖项评委的情怀。再加上影片本就是回溯了电影圈里的“往事”，制片人与明星的对抗、新人的梦想、戏中戏的暗喻等，如《雨中曲》和《一个明星的诞生》，阿扎纳维修不把自己当外人，旁观回录了好莱坞的潮起潮落。

传统的戏剧性设置，纯粹的人物关系，这让《艺术家》中内在叙事的地位让给了更加明显的外在技巧。但这也更加考验两位主演的配合，在《艺术家》中，就只能靠纯粹的表情和动作来完成。抛开复古的情怀和考据的技巧，片中佩蒂和乔治间难能可贵的爱情，或许才是普通观众被这部影片打动的原因。这不是新浪潮，也不是后现代，浪漫本来就很简单，只是一见钟情的互慕。乔治与妻子的感情冷漠，导演仅效仿了《公民凯恩》的几个镜头就足以交代，但在与佩蒂若即若离的关系上，我们看到了诸多经典爱情片中的桥段，并不局限于上个世纪二三十年代。也可以说，这部《艺术家》是阿扎纳维修献给自己和贝乔的情诗。在向好莱坞致敬的同时，这个法国男人也不忘向阿根廷裔的妻子传递另一种痴情。顶一个。

第二篇：《中外艺术家故事》读后感

亲爱的老师、同学们：

大家好！欢迎收听每日一播----《好书推荐》，我是小编王一帆，今天我为大家推荐的是《中外艺术家故事》，这本书主要讲了中国及外国众多艺术家的故事，他们成才的经历很值得我们学习，会让我们受益匪浅。

他们中有许多人出自贫寒的家庭，有的还在幼年时失去了父母，过着流离失所的生活。为了生计，儒家思想的创始人孔子曾做过吹鼓手，帮人管理过账目，甚至还帮人放养过牲畜。安徒生11岁时就独自一个人去了首都哥本哈根谋生，小小年纪受尽了侮辱和虐待，尝尽了人世间的艰辛。但是，就是在这样的环境下都不曾磨灭过他们的远大志向。逆境之中，他们一直发奋读书，从不放弃任何学习机会。孔子为后人留下了文献巨作《论语》，安徒生为全世界的小朋友们带来了一个个难忘的经典童话故事。年幼的李白从老婆婆讲述的“铁杵成针”中，悟出“只要功夫下得深，铁杵磨成绣花针”，从此以后博览群书，最终成为一代诗仙。

读完《中外艺术家故事》这本书后，我们感觉到了艺术家不仅作品好，而且人格、品德、心灵更美好！这些艺术家的伟大事迹 ，让我们明白只有坚持不懈，永不言弃，才可以取得非凡的成就。 艺术家们看起来遥不可及，其实也是普通的人。只要我们学他们的精神和智慧，就一定会成为未来的艺术家。

今天的广播到此结束，谢谢大家的收听 。

2014.12.9