服装设计

时间:2024.3.15

1、 绘画基础与造型能力

绘画基础与造型能力是服装设计师的基本技能之一。当然,以前的设计大师也有个别不会画画的,但他需要在其他方面有更杰出的表现。但有些人即使通过在学校系统地学习和培训,仍然不能很好地用绘画方式表达设计意念的话,那将为自己的创作带来很大的困难。

只有具备了良好的绘画基础才能通过设计的造型表现能力以绘画的形式准确地表达设计师的创作理念,另一方面在设计图的过程当中也更能体会到服装造型重的节奏和韵律之美,从而激发设计师的灵感。

20世纪初包豪斯曾经提出“设计的目的是人而不是产品”,特别是服装,本身就是人体的外部覆盖物,与人体有着密切的关系,作为设计师只有对人体比例结构有准确、全面的认识,才能更好地、立体地表达人体之美,这是设计的基础。

2、丰富的想象力

独创性和想象力是服装设计师的翅膀,没有丰富想象力的设计师技能再好也只能称为工匠或裁缝,而不能称之为真正的设计市。设计的本质是创造,涉及本身就包含了创新、独特之意。自然界中的花鸟树木、我们身边的装饰器物/丰富的民族和民俗题材,音乐、舞蹈、诗歌、文学甚至现代的生活方式都可以给我们很好的启迪和设计灵感。千百年来,服装的历史长河中正是由于前人丰富的想象力和独创的精神才给我们留下了丰厚的宝贵财富。

在西方服装设计史上,那些备受瞩目的署名服装设计师们均以其独特的创造力和想象力再设计上出其巧思。特别是20世纪30年代颇具影响力的意大利女设计师——夏波瑞莉竟将鞋子设计成帽子扣在头顶,将口袋设计成抽屉状,其丰富的想象力及形象幽默、大胆别致的设计风格备受后人推崇。

3、对款式、色彩和面料的掌握

服装的款式、色彩和面料是服装设计的三大基本要素。

服装的款式是服装的外部轮廓造型和部件细节造型,是设计变化的基础。外部轮廓造型由服装的长度和纬度构成,包括腰线、衣裙长度、肩部宽窄、下摆松度等要素。最常见的轮廓造型有“A"型、“X"型、T型、H型、O型等。服装的外部轮廓造型形成了服装的线条,并直接决定了款式的流行与否。部件细节的造型是指领型、袖型、口袋、裁剪结构甚至衣褶、拉练、扣子的设计。

服装的色彩变化是设计中最醒目的部分。服装的色彩最容易表达设计情怀,同时易于被消费者接受。火热的红、爽朗的黄、沉静的蓝、圣洁的摆、平实的灰、坚硬的黑,服装的每一种色彩都有着丰富的情感表征,给人以丰富的内涵联想。除此之外,色彩还有轻重、强弱、冷暖和软硬之感等,当然,色彩还可以让我们在味觉和嗅觉上浮想联翩。

熟练掌握和运用服装面料特质是以未成熟的设计师所应具备的重要条件,设计师首先要体会面料的厚薄、软硬、光滑粗涩、立体平滑之间的差异,通过面料不同的悬垂感、光泽感、

清透感、厚重感和不同的弹力、垂感等,来悉心体会其间风格和品牌的迥异,并在设计中加以灵活运用。

不同质地、肌理的面料完美搭配,更能显现设计师的艺术功底和品位。服装款式上的各种造型并不仅仅表现在设计图纸上,而是用各种不同的面料和裁剪技术共同达成的,熟练地掌握和运用面料设计才会得心应手。

服装的款式、色彩和面料这三部分缺一不可,是设计师必须掌握的基础知识。对款式、色彩、面料基础知识的掌握和运用也一定程度能反映出一个设计师的审美情趣、品位和艺术功底。

4、对结构设计、裁剪和缝制的理解

对结构设计、裁剪技术的学习,也是服装设计师必须掌握的基础知识。结构设计是款式设计的一部分,服装的各种造型其实就是通过裁剪和尺寸本身的变化来完成的。如果不懂面料、结构和裁剪,设计只能是“纸上谈兵”。不要以为在公司里结构设计、裁剪是打版师傅的事情,只会画图、不懂打版的设计师肯定不是一个完美、成熟的设计师。不懂纸样和结构变化,设计就会不合理、不成熟,甚至无法实现。

学校里的学生经常会遇到这样的问题,由于自己还不会打版,参加大赛的服装只能请师傅打版,但自己画的是一种效果,做出来完全走了型,没有达到想要的效果。由此可见,打板本身直接决定了服装的造型和整体效果。20世纪里有许多大师都是直接从服装的裁剪和结构入手,并把这些作为十分重要的设计语言,如巴伦夏卡、朗曼、威奥内特、三本耀司等。仔系研究大师们的作品我们可以看到,服装的结构设计深富内涵、表现力独特,其深沉、含蓄而不张扬的风格非常值得细细品味。如果不精通裁剪和结构设计,我们对作品的欣赏只会停留于肤浅的表面,设计也只能是一个空架子、经不起推敲和考验。

缝制也是服装设计的关键,不懂的各种缝制技巧和方法,也会影响我们对结构设计和裁剪的学习。缝制的方式和效果本身也是设计的一部分,不同的缝制方式能产生不同的外观效果,甚至是特别的肌理效果。有的设计师借助“缝纫效果”作为设计语言来尝试新的效果,这种手法在诚意设计中非常普及。这就要求设计师要熟知服装行业中的各种加工设备及服装缝制专用机件,对针织、梭织的加工工艺了如指掌,才能在设计运用中得心应手。

5、对服装设计理论及历史的了解

服装设计的初级阶段是对一些基础技法和技能的掌握,而成功的服装设计师更重要的是应具备设计的头脑和敏锐的创作思维,只掌握基础技能、能画漂亮的效果图是远远不够的。现在的艺术院校服装设计专业都开设有服饰理论课程,学生通过这些课程可以了解中外艺术史、设计史、服装史和服饰美学等理论知识,同时还能开阔学生的眼界、拓宽设计思路,启发他们的设计灵感。

特别是学习中外服装发展史,其源远流长的服饰演变能为我们提供诸多的设计灵感,古埃及风格、古希腊风格、哥特风格、巴洛克、洛可可风格这些在现代服装大师的作品中随处可见。只有了解中西服装发展的历史,理解现代服饰的演变,才能在设计史立足于现代并预

测未来。了解中西服装发展史的变化,也会使你更深地体会中西服饰的差异,市自己明白身为东方的服装设计师应该如何面对西方服饰、如何在设计中体现民族风格、如何在世界服饰舞台中赢得一席之地。

6、对20世纪服装发展史和大师风格的掌握

了解和掌握2世纪服装发展史及大师的风格是成为服装设计师的一条快捷之路。从20世纪初期的CHANNEL到本世纪初的加里亚诺,每一位设计大师都为我们在服装史上留下了恒美的一笔:20、30年代优雅浪漫的低腰露背装;50年代典雅富贵的高级时装;60、70年代叛逆怪异的嬉皮士/朋克服饰;80年代宽肩、松身男性化职业女装;90年代型甘迷人的蕾丝、**服饰??只有深入学习20世纪服装的发展历史,才能理解那个时代大师们的设计风格和艺术表现,从而借鉴到自己的服装设计当中。

20世纪80至90年代,德国的设计大师卡尔?拉格费尔任CHANNEL公司的首席设计师,为了扭转CHANNEL公司当时的困境、为其注入新的活力,卡尔?拉格费尔首先从熟悉夏耐尔品牌的设计风格开始着手,以致于对CHANNEL几十年历史中的每一个款式,他都可以一边默写一款一边讲解。在充分了解CHANNEL风格和设计历史之后,卡尔?拉格费尔一改CHANNEL套装的沉闷和单调,推出了90年代粉彩、**的CHANNEL套装,使CHANNEL服饰重振旗鼓,再次赢得年轻女性的喜爱,从而恢复了CHANNEL品牌往日的活力。

可见,每一位设计师都要付出相当的努力,方能使设计的作品获得认可和成功。

7、了解市场营销学与消费心理学

一名成功的设计师首先应在市场上取得成功,要根据企业的品牌定位规范自己的设计风格和路线。卡尔?拉格费尔曾同时兼任夏耐尔、芬蒂、克罗耶等三家国际著名品牌的首席设计师,在为每个品牌策划设计时,都以该品牌的定位为准则,张扬了3种不同品牌风格,被誉为“天才设计师”。

服装设计师最终要在市场中体现其价值。只有真正了解市场、了解消费者的购买心理,掌握真正的市场流行(而不是时装杂志上颁布的理性趋势)。并将设计与工艺构成完美的结合,配合适当的行销途径,将服装通过销售转化为商品被消费者接受,真正体现其价值,才算成功完成了服装设计的全部过程。

刚刚跨出学校大门的青年设计师和成熟的服装设计师之间的差异就在于前者对市场缺乏足够的认识和经验不足。作为新手的你,在临近毕业或毕业之后要在最短的时间里熟悉各项工作,包括品牌的风格、市场定位、竞争品牌的概况、每季不同定位的服装设计风格的转变、不同城市流行的差异、所针对消费群对时尚和流行的接受能力等,还要清楚应该何时推出新产品、如何推出、以何种价格推出等问题,经过这些实践和经历,你才能成为服装设计一名“熟手”。

作为培养服装专业人才的服装院校应该更新观念、解放思想、开门办学。设计师可以与企业界和,教学更要与企业结合,与市场和品牌结合,从而锻炼学生的实际操作能力。为了达到这个目的,本人将所执教的深圳大学艺术学院服装专业第四年的设计课程做了很大的调

整,课上的内容完全是服装公司设计师的工作要求,从品牌调研、定位分析、设计计划书到款式推出、价格定位、营销方案的提出等等方面,使同学们提前熟悉服装公司的每个工作细节,将学生毕业后参加社会工作时所面临的“磨合期”提前在学校来完成,这样做能使学生在毕业时积累更多的实践经验,为大多数企业欢迎。

同时,设计师作为一种时尚的职业为大多数人所向往,设计师与企业的签约、各种发布会和博览会的讯息更是倍受媒体关注。但是在这种繁荣的背后,也导致一些青年设计师有一些误解,认为这是服装设计师成功的唯一途径,认为设计师的工作就是做时装秀,站在T型台上手捧鲜花接受祝贺。其实,设计师的工作更多时候要紧盯市场变化、不断研究和预测市场流行,准确地把握公司品牌的定位和风格,因为,他们关系到整个服装公司的前途与发展,甚至是命运。

选择,设计中也应针对个体的特征确定设计的方案。

8、电脑运用能力

随着电脑技术在设计领域的不断渗透,无论在设计思维和创作的过程中,电脑已经成为服装设计师手中最有效、最快捷的设计工具,特别是在一些较正规的服装企业中对服装设计CAD、服装设计CAM等设计、打版、推版软件的运用十分普及,绣花纹样、印花纹样等也是靠计算机来完成。

服装设计师要能熟练地运用PHOTOSHOP、COREDRAW和PAINTER等绘图软件,他们可以方便地编辑、修改和绘制你的图形,拓宽你的设计表现方式、加快设计速度。特别是PAINTER,其庞大的绘图工具箱、种类繁多的画笔、极具感染力的着色效果和滤色效果可以使你的计算机设计作品魅力非凡、效果更加逼真。看看这张图你能看出是电脑绘制的吗?计算机作为一种先进、现代的绘图工具,有其丰富的表现力和非凡的潜力,掌握和运用计算机的绘图软件在服装设计和面料、图案设计中,不仅是日常设计工作中的需要,你还可以体会到做一名“现代设计师”的滋味和乐趣。

9、观察力和敬业精神

作为一名服装设计师,对服装具有敏锐的观察力是非常重要的。由于在服装设计教育中,过多地强调基础技能和技法训练,学生往往市场意识淡薄,缺乏明晰的思路、敏锐的观察力以及整体的思维能力,毕业后经常不能很快适应设计师的工作。怎样去主持一个品牌设计,要靠设计师较强的综合能力和对服装敏锐的观察力,这不仅需要技术上的创意,还需要用理性的思维,去分析市场,找准定位,有计划地操作、有目的地推广品牌。所以,如何做出你的品牌风格,使目标消费者穿得时尚;如何吸引你的顾客,扩大市场占有率,提高品牌的品味,增加设计含量,获得更大附加值,创造品牌效应,是服装设计师应具备的基本素质与技能。

从事服装设计行业还需要有敬业精神,不仅仅把它当成一个谋生的饭碗,更应看作一种事业来追求和热爱它。“热爱”这个词其实一点都不过分,只有你全身心地投入,努力地去付出,才能最终获得丰厚的回报。其实做任何事情都一样。夏奈尔在20世纪初期从设计女性的帽子开始走上她的漫漫时装设计之路,在其后50多年的时间里,她始终以一个服装革

命者的身份活跃在时装舞台上,直到70年代生命的最后一刻,都在为她的设计而忙碌??1、借鉴的本领

原始借鉴又称模仿,如:虔诚地模仿(敬畏他人)、竞争地模仿(超人一等)、忧虑地模仿(与别人相同而不落伍,过时)、三位一体地模仿:直接模仿(小孩模仿大人,猴子学吸烟)、间接模仿(积累、总结、比较、记忆等)、创造性模仿(取优创新、批叛的继承)。其实服装设计就是敢为人先的创造与发明、大胆设计、大胆改造,大胆实用新工艺,新材料、新科技的全过程。

服装设计的构思阶段,在某种程度上,实际上是在头脑中进行样式的选择。设计是一种创造,但不是发明,前无古人后无来者的设计是不存在的。因此,设计就必须要借鉴前人。

服装设计更是如此,因为服装的变迁过程是连续的,不间断的,每一种服装都处于人类服装文化史的变迁途中,都是承前启后的。要借鉴前人,就必须虚心地学习和研究前人的成就和经验。就服装设计来讲,首先必须学习的是服装史,因为要想在设计中准确地把握现在的流行,就必须了解服装过去的变迁过程,掌握变迁规律。要想在设计中超越前人,就必须先学习前人的历史经验和传统技巧。不仅要学习中国服装史,而且还要学习西方的服装史,还要研究世界各地现存的民族服装。特别是对我们中国人来讲,为了在设计上赶超世界先进国家,真正与国际接轨,不仅要了解我们自己的历史,更要花力气去了解西方服装的变迁经过(因为现在国际服装的流行与西方服装的变迁一脉相承)。这样,面对形形色色的国际流行,在吸收和借鉴时,才会有自己的见解和主张,而不是盲目地照搬和抄袭。

另外,借鉴还要注意广度,除了古今中外的服装文化外,其他领域也要尽量去涉猎和学习。因为服装是一种综合性的文化现象,涉及到社会科学和自然科学的各个领域。设计师的工作内容又是复合型的,既要能把握当时当地的历史潮流和市场变化,又要对自己和竞争对手的实力了如指掌,还要有能力和实力组织生产,实现自己的设计意图,为企业带来利润。因此,设计师要有广博的修养和丰富的经历,要热爱生活,对一切事物都很感兴趣,要有强烈的好奇心。这样在设计构思时,才能广开思路,广泛借鉴。只有“站在巨人的肩膀上”,才能设计出高于前人的作品。这就是借鉴的重要性。

2、设计的能力

预测→收集信息→策划→开发计划→设计与制作→销售→信息反馈→总结。(往返进行)设计是一种造物的过程,有了好的构思后,接着就是如何来完成和实现这个构思,把设计构思画在纸上,不能说是设计的完成,那仅仅是设计的开始。服装设计效果图是设计构思的视觉性表达手段之一,而这个设计构思能否实现,还有待于运用具体的衣料,通过一定技巧的裁剪、制作工艺来探索其实现的可能性。因此,作为设计师,如果衣料的性能、裁剪方法和制作技术等实际操作技能一无所知的话,其构思肯定是不着边际的,经常看到许多设计效果图画得挺美,但实际上不可能做出来的,或者即使勉强做出来也无法穿用(或因没有考虑开口而穿不进去,或穿上根本动不了,迈不开步,抬不起胳膊,弯不下腰)。

可见,掌握裁、制作的基本技能对于设计师不仅十分必要,而且必不可少。事实上,许多设计的技巧,设计的感觉,不在纸面上,而在实际制板、裁剪和缝制的过程中。服装上所谓的“线条”和“造型”,也绝不是纸面上的线和形,而是立体上的三维空间中的线和形,

这种感觉只有在三维空间的实际训练中才能提高。无论是巴黎的高级时装设计师,还是一般成衣企业的设计师,除了用绘画的形式表达自己的设计意图外,主要是在立体的衣服造型上来把握设计的。因此,无论是巴黎的高级时装店协会附属服装学校,还是纽约的FIT(纽约时装工科学院)以及日本的文化服装学院,在培养设计人才时,制板、裁剪和制作技术都是学员们必修的一门主要课程。

3、深厚的艺术造诣

服装设计即是一种产品设计,也是一种艺术创作。因此,广泛的艺术修养对于服装设计师就显得至关重要。曾被誉为“时装之王”的法国高级时装设计大师克里斯羌?迪奥尔就是具备了建筑、绘画、音乐等多方面知识的一位时装界的巨匠,他的弟子伊夫?圣?洛朗也是一位艺术才华横溢的天才,从圣?洛朗的作品中,可以看到他设计灵感来源之广,可以感受到当代艺术大师们的影响:热情奔放的西班牙风格,华美多姿的俄罗斯情调,单纯豪放的非洲风格,端庄鲜明的中国风格,还有那古典味浓郁的委拉斯凯兹式的婚礼服、色彩明朗的毕加索风格,简洁明快的蒙德里安冷抽象艺术和波普艺术等,都在其作品中有着独特的运用和发挥。现在活跃于国际时装舞台上的设计大师三宅一生、戈尔齐埃、谬葛莱等,也都是一些艺术才华出众的艺术家。深厚的艺术造诣决定了设计师们无穷的创造力。

4、丰富的市场经验,如:面、辅料市场:本地区内、外面料与辅料的市场。

资料信息市场:时装信息、流行趋势、设计师手稿资料。成衣市场:品牌、批发与零售。服饰市场:首饰、配饰、美容护肤等。生产一线市场:制作、洗水、制衣、整染、印花等。

作为一种产品设计,服装设计效果的优劣不是靠某位专家来评说的,而是由市场来检验的。因此,设计师如果对自己所服务的目标市场一无所知,那将非常危险,因为其设计投产后很可能不被市场认可而造成积压,给企业带来巨大的经济损失,甚至使之倒闭。设计师应保持自己的个性和独特的设计风格,但这并不等于无视市场的需求。设计师与画家不同,不能孤芳自赏,一定要时刻注意把握市场的新动向,在保持自己的设计风格的基础上,一定要站在消费者的立场上,每个细部都经营到位,这样才能在激烈的市场竞争中立于不败之地作为一名服装设计师,除了具备上述的知识和技能之外,还有一个非常重要的因素,即设计师的人格。俗一点讲,即:“要做名师,先做好人。”文一点讲,应是“德才兼备”。这里的“德品不正,不讲信誉,自私自利,遇事先斤斤计较个人的得失,豪无奉献精神,那么,在工作中也就很难卖力气去敬业,很难替别人着想,也就无法与人合作。

现代企业在组织结构上是一个军事化的分工合作的集团,不是任何个人能完成所有部门和工种的工作的。因此,设计师必须摆正自己的位置,切不可高高在上,盛气凌人,目空一切。能否与别人合作,特别是能否与比自己能力强的人合作,往往是一个设计师能否成功的关键。俗话讲:“一个好汉三个帮”,在风格的魅力,在其周围聚拢着一大群心甘情愿地与同甘共苦的能人。目前,政治的稳定,经济的腾飞,服装业的发展为我们的设计师施展才华提供了“天时、地利”的大好环境和历史机遇,而能否成功,在某种程度上讲,关键在于“人和”这个因素的把握。“人和”的现代意义即在工作中能处理好人与人之间的关系,能很好地与人合作,能承认他人的长处,能容人,会用人。

另外,在市场上与同行竞争时,也要堂堂正正,千万不要靠拆别人的台来抬高自己。“文

人相径,”同行是冤家”这种过去小农经济时代的陋习不是我们这个时代所需要的。

设计师的行为方式:会工作、会学习、会生活。

(1)工作积极主动,要全力投入,兴趣浓厚,体现主人翁精神。

(2)与公司和企业合作,把它当做你的客户,让他光顾你的才华,向他推荐你的概念。

(3)有敬业与团队精神,任何一个项目,都是通过团队共同的力量与完成实现地,用普通的方法使工艺方面达到最佳的效果。

(4)设计师艺术的创造者,又是服装人。自己高于他人,高于企业,所以为了事业,为了自己所干的这份工作,尽到自己的责任。对本行业要有一种挚着的追求,创新探索的精神,虽然工作很辛苦,但又苦中求乐,倍感幸福。

(5)有较强的设计质量意思,较高的工作效率,“快、捷、勤、节、美”。

(6)应时刻站在投资者的角度运作市场,只能成功,不能失败,给企业至少要有一个安全感,减少冒险数。

(7)懂得推销自己,是一位很好的推销员,有计划有市场数据支持你的设计。要善于表达。多沟通思想。

(8)有准确地领悟能力,全面地统筹能力,充分的展示能力。

(9)懂服装市场以及品牌运作状况,懂得欣赏品牌的优势。向客户学习,因为他们代表一定的消费群体,相信他们的直觉,根据他们的意见,正确的分析,总结与判断。

(10)对市场要有了解,观察、分析、主导与开发的能力,(懂得看爆款,发现哪些好买,发现哪些还有开发的),深入市场,不能闭门选车,坐享其成,更不能意想天开。有独当一面的能力。(有计划→严把关→下放工作→任务达标→整盘货的运作)

(11)学会制作故事版(sfory body):为设计部内部团队沟通版,为市场配合版,设计师系列版:个人品牌,品牌系列版:市场品牌。

(12)设计方案短频快,赢利高,艺术与实用相结合。(即学院派与市场派相结合)。

(13)掌握服装设计的六个基本条件:即who 什么人穿?when 什么时候穿?Where 什么场合穿?What 穿什么?Why 为什么这么穿?HOW 怎么样穿?

(14)痛痛快快地工作,痛痛快快玩,愉愉快快的学习与生活。前卫、激情、自信、乐观、青春总之,作为一名合格的服装设计师,优秀的品德是首要条件。(工作服衣着与搭配上应当力求色彩单一而偏深。

一般情况下,一套工作性质的制服里,上衣、裤子或裙子最好采用同一种色彩。为了庄重、耐脏等等原因, 制服 通常不宜采用浅色、花色或艳色。根据惯例,可为商界制服所选择的符合如上要求的色彩,大体上仅有蓝、灰、棕、黑等几种。蓝色的制服表示严谨,灰色的制服表示稳重,棕色的制服表示文雅,黑色的制服表示高贵,世界各国,都是最为常用的商界制服的基本色 ”

为制服进行色彩搭配时,总体上要坚持“三色原则”主要要求是与制服一同衣着的衬衫、领带、帽子、鞋袜,包括制服自身在内,其色彩应在总量上被限定在三种以内。这种作法,可使配色的效果最佳。具体而言,商务人士在穿制服时,全身一色未必不可,全身两色不能算少,但是致多不宜超过三色。否则,全身的色彩就会乱套。遵守“三色原则”主要是为了体现出商界人士简洁大方的整体风格。

具体进行操作时,有两点务请切记:

其一,采用两色或三色时,最好使其中的一种色彩为白色。

其二,不管是采用双色还是三色,都不要按等比对其进行搭配。

此外,除本单位的标志之外,制服上不宜出现任何图案或饰物。

当然,工作服 款式上要雅。商界的 制服 总的要求是雅气端庄。既应当突出自己的实用性,又应当有意识地使之传统而保守;既应当与众不同,又不宜一味追逐 时尚 甚至走在时尚之前;既应当体现出本单位的特色,又不可为了别具一格而以奇装异服的面目呈现。简言之,商界人士穿上制服后,应当显得精明干练、神气十足,文质彬彬、温文尔雅,而非令人瞠目结舌、避之不及。这些要求体现在制服的款式方面,就是要求它要以“雅”为本。

具体而言,制服目前多为两件套式。即由一件上装与一件下装所构成。由于行业不同、部门不同、要求不同,制服的具体款式可谓变化多端。

一、立体空间意识培养

服装款式设计的具体实施中有平面造型和动态变化造型的特点。服装的立体意识和款式由平面转化为立体的造型实践,是服装结构设计教学的基本原则。运用立体思维活跃的造型,揭示出服装细部的形状、各部位的吻合关系、研究整体与局部的组合形态,是课程教学的基本特征。服装造型结合人体形态,适应于人们的各种活动。对有软雕塑之称的高级时装、晚礼服时装、艺术表演时装而言,它们虽形态优美,裁剪却难以琢磨:仅仅采用平面展开的造型方法,往往很难达到理想效果,只用立体裁剪方法又缺乏想象力。设计制做这种服装时,运用立体裁剪与结构设计并行效果较好。服装被称为“流动的雕塑”,而雕塑又被比喻是凝固了的音乐。结构设计师应该同雕塑艺术家那样,运用立体思维进行创作,即在身形架或真人身上直接进行立体造型和量裁制版,运用立裁与打版技巧相结合的手法创造出丰富多彩的服装造型。

现代服装结构设计,多运用立体思维对效果图进行审视和对款式造型外观进行分析,深刻理解款式的立体构形关系,认真研究款式造型所赋予服装的艺术风格,深入理解服装结构与人体曲面的关系。它一般分艺术造型与技术造型两部分。前者运用服装三维空间概念和形

式美的法则及造型手段对款式设计进行添加、削减、重复、省略、夸张、变形,通过立体的想象做出其透视结构,最终在造型上符合款式设计的要求。后者是通过结构展开和特技工艺流程,根据服装款式设计的需要,类似一边操作、一边修改,使在平面效果中较难处理的服装凹凸、褶皱、曲线、浪势和复杂的线条在结构设计中得到充分的表现。

在服装款式设计中经常出现这样的情况,服装效果图阶段完成得很好,但做出的服装却与设想相差甚远。出现这种情况的主要原因,是设计者缺乏立体意识及从平面转化为立体的训练经验,在结构设计中没有把思维引向服装所表现出的空间审美特征上,束缚了设计想象。人与服装属多维空间实体而存在,良好的空间意识训练是必不可少的。应该说服装的空间美和运动美是结构设计的基础。服装的平面和立体造型都属于“空间造型”,但它们的构成要素、组合原则却有所不同,人们观察它们的构成方法和感受情感也不一样。平面形态的裁剪主要依靠服装的外形轮廓来进行。一个确定的轮廓就表现一个肯定的平面表态,而一个立体形态没有固定不变的轮廓。例如平面上的一个圆形,它的立体形可是球,可是圆柱,也可是半圆形,还可能是陀螺形,显然,立体形态的创造不仅依靠轮廓(即投影),更要依靠实体的“量”。对于平面形态,无论从哪个角度观察都只能看到平面,其中的形态除了随着透视有些变化外没有根本的变化,立体形态则不然,根据观察者位置的变化,可以呈现出截然不同的形态,对于结构设计者来说这种立体感需要经常培养。

二、立体构形训练与拓展

在服装结构设计教学中,不仅要使学生具有分析设计图所表现的服装造型结构组成的数量、形态细部的吻合关系以及结构制图分解的能力,而且还应融入立体构形的基本要素,将效果图所表现的服装结构直接用布料复合在人体或人体模型上进行剪切,将平面状布料通过省道、抽褶、分割等形式,练习处理服装褶皱、悬垂、凹凸、曲线、波浪造型和复杂线条。也可用一些立体支架模台或用一些金属、木质或其他材料做成支撑架,其形体可以偏向抽象,也可以偏向具象,用一些可以作为服装材料的物质如布料或类似服装材料的物质,如塑料、纸张等,在支架中做出各种披挂式、包缠式、扎系式、连接式等形式的局部造型进行立体塑形训练,然后再展开平面形加以比较和体会。那支撑着悬垂、飘逸、凝重、奇妙、旋扭、浮雕感的组合影响着学生们的创作思维。支架与材料的空间关系,是在平面分解服装中无法得到的效果。这种带有立体因素的实践教学,能帮助学生在头脑中建立起一个较完整的服装空间组合概念,加强学生对服装体积感的知觉力和直观认识,使结构过程在服装设计中得到实体的表现。

三、结构立体造型新探索

1、运用服装材料进行局部款式造型

即对照款式设计图“以材料为向导,以艺术为创新”的结构设计方法。首先挑选适合款式的几种材料,受不同材料的灵感启发进行结构造型。用平面纸样展开方法构成曲面状态进行比较,以选定的面料小样进行局部的立体构成,如叠领结构设计可用不同面料进行立体造型,经比较后确定最佳方案。每个服装局部细节都可以运用实际材料进行立体试样。这种以材料特性为结构设计先导,用科学的和艺术的眼光分析、感受材料特征,进行款式分解造型的训练,具有很强的实用性和可操作性。意大利服装设计师安弗兰克·费雷曾经说:“根据我的经验,设计服装作品,一方面要研究人体动态,另一方面是要注意面料的艺术和可形成

的立体状态,因为面料能对人的感情产生很大的分量,所以,我在设计创作过程中,特别注意面料是新的还是过时的,以及它的基本状态,然后把自己的思想画成设计图,就很快地进行制作工作,并时时想着人体是运动的,设计出的服装要给人产生一种感受,这种感受应是设计师所要强调的东西。”费雷的设计经验告诉我们,以材料为先导,以艺术为创新的结构设计是一种现代思维模式。特别是对新型纺织品面料应具有敏锐的觉察力,并且准确地加以选择应用,在保持面料风格的同时应与款式造型风格相一致,从而使服装造型臻于完美。

2、运用抽象结构造像和具象结构造像方法

服装结构造型训练是在对款式设计进行科学理性分析的基础上进行的艺术再创造过程。这种练习方法可分为两个方面,即抽象造型构成和具象造型构成。抽象形式分解练习一般具有两个要点:一、利用简单的抽象几何形体及各种非规则的抽象形体,将服饰材料的不同色彩、质地、形态等协调搭配、并置,感受和观察视觉的形式美感的变化,注意形体与形象的组合,追求共性与个性的统一对比效果。二、侧重深化设计思维,丰富表现手段,对款式立体部分进行包绕、褶皱、悬垂、波浪、透叠等各种艺术造形,使款式呈现出新的观感与个性,此种练习可体现不同局部的美感特征。具象形式分解练习则要模拟设计实际效果,以细部组合关系、整体与局部的组合关系为出发点,尽量模拟服装实际效果,运用各种服饰材料,注意色彩、质地、形态及比例的相互协调,进而理解服装结构与人体曲面的关系,运用立体思维方法重点分解省道的形状、连省成缝形态和舒适量的安排,强调空间意识及立体着装效果。同时,还可以根据同组材料进行系列的组合设计。

立体设计的造像过程,是服装结构设计思维与动手实践相结合的过程。它可使款式设计加以深化,强调服装设计的整体意识,完善款式设计风格表现,从某种意义上说,服装结构设计的立体思维与塑造就是款式设计成功的保证。我国对于新一代的中国设计师寄托了很大的期望,新一代应该不同于中国以往的服装设计师,他们应该有自己的设计语言和更清晰的思路,而且,有自己的读者群。

在和他们的交谈中,你很容易听到侯赛因·查拉扬或者马丁·马吉拉这些设计师的名字,由于资讯传播的便捷,这些在欧洲的小众设计师已经成为新的icon,成为设计师们口耳相传的名字,做一个像夏奈儿或者圣洛朗这样声名赫然的名牌,很多时候,并不是年轻一代设计师们的理想。拥有自己的工作室,控制产量,建立自己的小型专卖店,为朋友们设计服装,像山本耀司或者川久保玲那样,让服装成为更接近艺术的设计语言,似乎对年轻一代更具吸引力。

706工厂的宽阔空间被巨大的防护网铺满,大量工地里用的塑料薄膜将空间做了简单的分隔,现代舞团的年轻演员取代了时装表演中的模特,他们的舞蹈也是当晚的主角之一。

张达的服装首先出场,他用了我们小时候所穿的红、蓝羽绒服的面料,演员们在舞蹈时,身上的彩色塑料配饰“哗哗”作响。张达一直说这个系列做的时间很短,觉得不够理想,当然,展出依然要进行,几百双眼睛不会了解设计师准备时间有多少。高欣的设计用了大量军装的元素,可穿性比较强,尤其是外套和夹克,但整体而言,设计手法并非特别新鲜。吉吉是第一次做时装设计的展示,衣服更像是用在某场戏剧演出中,演员的舞蹈也非常夸张,经常用翻滚的动作表现宽大的裙子。王一扬的衣服被现代舞团赋予了新的演绎,两个青年男女在《南屏晚钟》的歌声中,绕着一辆自行车谈起了恋爱,现场有人鼓掌也有人轻笑,“这么

具像”,我听见有人说。整场时装秀更像是一场现代舞表演。你很难说,眼前的服装有足够多让你惊喜的系列,但每个人的作品中,还是能找到部分有趣的设计,尤其是王一扬的茶缸系列,设计思路更为清晰,想法实现的程度也最高,他的美学体系是一直持续的,当然,我对于在那些大棉袍外面的塑胶圆点有保留意见,即使是独立设计,这样似乎也走得太远了,如果是要设计舞台服装,倒可以另当别论。

中国的设计到底能走到什么程度?作为一名生长在中国的,有个人理想的设计师,你的设计想法是否清晰?你是否建立了自己的设计美学?你的工艺是否精湛?你的材料是否能足够表达你的想法?你的市场推广是否为你找到了即使为数不多但足够准确的读者群?

最重要的是,你是否有足够的热情尊重自己的创作?与纯粹的艺术作品不同,你是否还有足够的耐心去与不同的领域进行沟通,让你的服装被应该接受的人看到或者了解?

我们接触到了过度丰富的时装和时尚资讯,不同范畴的icon正在全球释放着他们的影响,在中国也不例外。上海新乐路、长乐路或者复兴路上,不少年轻人开始建立自产自销的服装店,但很多时候,我看到的是川久保玲作品的简化版,那些黑色、白色或者军绿色的服装,有过多的为设计而设计的技巧表演,而在时装的细节上却显得简单、粗略,时装的式样并不难效仿,但Comme des Garcons那种严肃和幽默感同时具备的气质,却是正在起步的中国年轻设计师难以模仿的。很多时候,你对待一件事情的态度,会通过事情的结果完全呈现出来,如果你是随意粗放的,那么你的设计显然也不可能充满让人回味的细节和整体感。

成本对于年轻设计师来说,依然是很大的问题,因为投入的限制,服装的实现程度肯定要受到影响,但是,这也并不仅仅是中国设计师面临的问题,在伦敦或者马德里,年轻的设计师被大品牌压迫得更为厉害,即使是一个仅有3000镑完成的时装秀,像Emma Cook这样的独立设计师一样也会调用全部的热情去完成。在中国,设计正在成为过于热门的话题,海外的关注也甚于以往,为了20xx年在伦敦即将进行的CHINA DEDIGN NOW的设计展,V&A博物馆的策展人频繁往来与伦敦和中国之间,刚刚在荷兰进行的中国当代艺术展也加入了时装设计的部分。而事实是,中国的年轻设计师面临的最主要问题不是参与各种各样的艺术展览,而是他们如何在这个市场中生存下来,如何让更多的人了解自己的作品。毕竟,设计是与现实发生更密切的关系。工作服衣着与搭配上应当力求色彩单一而偏深。

一般情况下,一套工作性质的制服里,上衣、裤子或裙子最好采用同一种色彩。为了庄重、耐脏等等原因, 制服 通常不宜采用浅色、花色或艳色。根据惯例,可为商界制服所选择的符合如上要求的色彩,大体上仅有蓝、灰、棕、黑等几种。蓝色的制服表示严谨,灰色的制服表示稳重,棕色的制服表示文雅,黑色的制服表示高贵,世界各国,都是最为常用的商界制服的基本色 ”

为制服进行色彩搭配时,总体上要坚持“三色原则”主要要求是与制服一同衣着的衬衫、领带、帽子、鞋袜,包括制服自身在内,其色彩应在总量上被限定在三种以内。这种作法,可使配色的效果最佳。具体而言,商务人士在穿制服时,全身一色未必不可,全身两色不能算少,但是致多不宜超过三色。否则,全身的色彩就会乱套。遵守“三色原则”主要是为了体现出商界人士简洁大方的整体风格。

具体进行操作时,有两点务请切记:

其一,采用两色或三色时,最好使其中的一种色彩为白色。

其二,不管是采用双色还是三色,都不要按等比对其进行搭配。

此外,除本单位的标志之外,制服上不宜出现任何图案或饰物。

当然,工作服 款式上要雅。商界的 制服 总的要求是雅气端庄。既应当突出自己的实用性,又应当有意识地使之传统而保守;既应当与众不同,又不宜一味追逐 时尚 甚至走在时尚之前;既应当体现出本单位的特色,又不可为了别具一格而以奇装异服的面目呈现。简言之,商界人士穿上制服后,应当显得精明干练、神气十足,文质彬彬、温文尔雅,而非令人瞠目结舌、避之不及。这些要求体现在制服的款式方面,就是要求它要以“雅”为本。

具体而言,制服目前多为两件套式。即由一件上装与一件下装所构成。由于行业不同、部门不同、要求不同,制服的具体款式可谓变化多端。

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