第一章对动画导演的认识 一动画导演分为两种：1从基层做起，从中间画(动画)—原画(表演)—设计稿—台本(导演剧本)—导演一步步走过来.扎实的动画基础,知道动画制作环节的技术要点,了解环节间的动画基础,丰富的表演经验.对整片的大局布置和艺术定位有切实的把握能力2直接从事,有系统的导演理论体系丰富导演经验,了解动画制作的全过程.虽不具备很强的手绘能力但能准确的把握动画创作的精髓,及时发现处理每个制作环节中的问题.目前大部分的动画导演是前一种 二导演的素质要求：丰富知识素养(丰富的文史,自然,社会知识,艺术修养和电影技巧.一定的电脑知识技能)强烈求知欲和想象力，尽心尽力的工作作风，不懈追求和独创精神。一定的组织能力和语言表达能力 ★三导演的职责范围:动画制作一般采取导演中心制的管理体质.?导演中心制:在影片创作和摄制的全过程中建立以导演为核心的创作班子制度。在摄制组内，导演掌握艺术创作领导权和指挥权，遇到不同意见时导演有最后裁决权。~可保证影片艺术风格，样式的完整统一，保证艺术质量。导演对整部作品的艺术质量，技术质量以及摄制计划，成本核算等负全面主要的责任 四导演工作的阶段工作
前期：A总编剧B总制片C总导演—1设计阐述2人物造型3场景设计4画面分镜头台本
中期：A画面设计稿B动画设计C作监D动画绘制E动画检查F背景G拍摄前校对
后期：A电脑描线B电脑制作完成C电脑剪辑D作曲音乐E效果(拟音)F对白G总合成
第二章筹备阶段 一成立摄制组:1组织有效的团队(根据片长和片子制作难易复杂程度来确定每个工种的人选人数.摄制组成立后要建立一定的规章制度.明确每个工种的性质和职责,确定制片和各部门间的联系和流方式来提高团队的工作效率)2导演为总负责总指挥(一个或几个副导演,总导抓整体质量.副导协助指导,有时还会有美术导演动作导演和分集导演等) 二一剧之本的重要性：剧指动画片，本指根本,根源,即主要,中心。剧本中包括：主题思想，表现形式:内容形式，角色定位，矛盾冲突，戏剧结构:“起承转合”（开始发展高潮结束）。~是整个动画拍摄的基础。剧本最根本的问题是解决影片的内容和思想。有人认为动画是运动的艺术画面，强调画这个外在手段，但这些形式技巧都是外在的,是表现手段，真正打动人心引起欢笑和共鸣的是影片的思想和内容。在确定影片内容和思想前很重要的是确定创作目的和受众。不同的创作目的有不同的思想内容，不同的受众。针对群体也会有不同的思想和内容这是导演考虑剧本的第一步 三立意—确定主题：主题指文学，艺术作品中所表现的中心思想，是作品思想内容的核心。主题是剧本的支撑点，人物定位，矛盾冲突，情节发展都依据主题而定 四寻找形式—风格的把握：形式分为
1内容形式：作品选用什么样的切入点和观察面来表现主题，采取什么样的叙事结构和风格，eg：英短《爱的回忆》珍惜爱情，叙事结构倒叙，叙事风格夸张幽默。法短《非常小王子》重视环保。叙事结构顺序，形成一个轮回，叙事风格活泼温馨。~从故事框架上分为情景剧（有角色讲故事，eg美梦工厂《篱墙之战》）和非情景剧（不讲故事，有的有角色有的没有eg轮舞曲）。大部分是情节剧，是动画和教学的主流，遵循一定的戏剧结构，情节上有起承转合，讲完整的故事。非情节剧无一定格式根据创作者的创作要求进行构架有很大的自由性
2画面形式:作品选用什么样的画面艺术表现形式来表现主题.动画片尤其短片有很多不同的画面艺术表现形式,选择一种能和主题相符的能表现烘托主题的画面形式至关重要. 制作技术的画面形式体现:从制作技术上讲分为三维动画（美冲浪企鹅，海底总动员）和二维动画（美风中奇缘，辛普森一家） 材料的画面形式体现：从材料上有手绘、木偶、沙土、剪纸的等。韩the way木偶，俄种树的男人用铅笔手绘。俄老人与海在玻璃上绘制的。匈阿基米德王子历险记剪纸。 从手绘的画材选择上有油画（俄老人与海）铅笔素描（俄种树的男人）彩色铅笔（俄椅子）水彩（法和尚和飞鱼）版画（香麦兜和麦麦）水墨画（中小蝌蚪找妈妈）
景物描绘方式的画面形式体现：对景物的描绘方式上分为写实空间风格（遵循透视原理的画面空间造型风格，大多数动画都采取这种形式）和非~（不太遵循透视原理，用平面的叠加，画面黑白及色彩冷暖对比来产生画面层次空间的画面空间造型风格，这种表现手法几乎脱胎于绘画，法勇者，俄一个犯罪的故事，法男人的独自就都采用了这种非写实空问的造型风格，装饰风格强烈，适用于短片创作）各种风格可相互穿插选择，组合=后成为个人的影片风格。现在很流行的三维背景加二维角色；实拍背景加二维角色；手绘上色背景加电脑上色角色的组合方式。一切风格的选择宗旨只有一个：“为主题服务”
★影片的基调：在看影视作品时总能在最初的几分钟内确定是否喜欢作品的风格基调并选择是否继续看下去。这就是~在起作用。~包括美术风格、造型风格、情节节奏、光影气氛，色彩等一切可感受情感情绪的元素。除了情节节奏外都属于画面形式风格的，足以见得画面形式风格的重要性。基调中有空灵悠远意象造型虚实相生的（俄雾中的刺猬），清新恬静高雅悠远（日旅行者日记）热情活泼色彩鲜艳造型夸张（法邮差的世界）另类凄清造型怪诞（美僵尸新娘）
五剧情发展---整体框架：确定剧情发展在影片筹备阶段是极其重要的。要确定片长时间、故事框架：包括角色定位、矛盾冲突设计、情节发展的节奏线
1片长时间： ~和剧情发展的关系有两种：A先确定大致的~再根据~来具体设定剧情。影院动画现在国内按国际上的惯例片长不少于90分钟。导演要牢牢把握剧情发展让时间控制在90分钟以上，具体超出多少时间根据剧情发展需要而定。系列电视动画片每集也有时间控制，有的为10-20分钟，要控制住不能超出规定时间。B没有时间限定根据剧情需要控制片长时间。如非商业性创作的短长片。20分钟以下的为短片 2角色定位：所有情节剧都有角色，角色是动画片最耀眼和核心的部分。动画以类型化的手法来塑造角色性格和外型。类型化的角色有很强的典型性：典型的角色性格和外形。成功的动画角色，其性格突出鲜明，让观众过目不忘（僵尸新娘，汽车总动员中的跑车，阿童木，史瑞克）塑造一个类型化、鲜明的角色是动画创作的灵魂。看动画片往往最先记住最难忘的是片中的角色。~相当于“选演员”，准确到位的演员外型气质和表演是影片成功的关键。在筹备阶段先要有个关于主要角色的大致定位。定位包括性格、时代背景、年龄、性别。其他的外形特征、服饰等定位可以在这个阶段考虑也可放在后面角色设计中具体定位。 3矛盾冲突设计：悉德·菲尔德《电影剧本写作基础》：“所有的戏剧就是个冲突。无冲突就无人物，无人物就无动作，无动作就无故事，无故事就无电影剧本。”说明了矛盾冲突的真正定义和意义 矛盾冲突常见类型：
①角色与角色、与社会间的矛盾冲突②角色内心的思想斗争情感冲突③角色与自然环境之间的冲突.
在此阶段确定一个主要的矛盾是十分重要的。长片或系列片除了一条主矛外还有些次矛围绕在主矛间。短片则不用，只要一条简洁有力的矛盾线就可以了。不管是主矛还是次矛都要清晰有力不可含糊不清，因为所有的情节要依靠矛盾冲突来推动。不清晰的矛盾推动不了情节发展，勉强编些情节也会让观众看了不知所云，牵动不了观众的心（动长矛盾线例分析：美冲浪企鹅主矛：小企鹅科迪梦想成为一个冲浪高手。于是他不畏艰险一路向目标进发。次矛1：昔日神话大Z被往事缠绕但最终找回自信。次矛2：科迪和兰妮的爱情；动短矛盾线例分析：法候鸟迷途主矛：由于极差的方向感一群南飞的鸟又飞回了原出发地）
4情节发展的节奏线：情节由一系列事件构成，包括开端、发展、高潮、结局四部分，也就是“起承转合”这个传统戏剧结构。戏剧式结构的故事往往相对集中的一个主矛冲突展开情节因而故事的主线显得非常单纯、明确，符合动画剧本的要求。创作者有更多的空间发挥想象力，研磨细节的趣味性。大部分作品的剧本故事都按照“起承转合”基本框架讲故事。在动短的创作中，尤其是五分钟内的动短片，影片的故事只围绕一个单纯有力的矛盾展开，情节中高潮和结局两部分被突出强化出来，即悬念的积累和突转，这样会让剧本要表现的中心情节更为集中，故事脉络清晰，所产生的爆发力更强。一些琐碎的枝蔓线索和细节常被精简。单纯、清晰、有力是短片故事情节脉络的三大要点（动短情节节奏线例分析：法短和尚和飞鱼：主矛：和尚发现一条鱼日夜想抓住。情节发展的节奏线：开始：和尚发现一条鱼想抓没抓住。发展1和尚看不进去去抓鱼没抓住发展2和尚叫人一起抓鱼大家走了发展3和尚睡不着去抓鱼没等到。高潮4早上和尚拼命的去跟着鱼去抓。结尾和尚和鱼成为朋友和谐的在一起。小结情节设计清晰，递进性强，矛盾突出） “起承转合”四个阶段的时间分配所形成的情节节奏的运动线是筹备阶段导演要重点确定的。情节节奏的
运动线以图表形式出现，通过运动线很清楚看清剧情的发展情况，每个段落在情节发展中所在的位置、时间、节奏都会很清楚。这个确定后导演就可依据情节节奏的运动线来安排音乐、色调气氛、光影基调的变化。这个表可以根据导演的需要绘制得很详细，将导演的一切安排(情节、矛盾、场次段落、色彩、光影、音乐)都以时间为横轴画在一张表上。表制作的成熟度会为后续的创作和制作带来极大便捷。有些没经验的动画创作者在创作过程中出现各种问题就因为在创作的前期没将各种关系理顺，只有理顺了各种创作元素间的关系，布置好了全局具备全局意识之后，创作才会顺利，影片才会成功。 六工作计划—制作时间：制作时间指整片需要多少时间来制作。导演在筹备期需要和制片一起商量来制作一张分工和时间进度表。在这张表内需对每个创作和制作环节进行人员分工并为每个环节的制作时间确定一个进度时间。虽然在动画片的创作中每个环节都是环环相扣的，有一定的前后顺序，但通常各个环节间都是交叉进行的。如在进入绘制期后，设计稿先开始制作。设计稿完成到一定阶段后原画马上跟上，交叉进行。而不是所有的设计稿都完成再开始原画的。原画和动画间也是这样。在设计稿制作时原动画师要熟悉和练习角色形象。角色形象的各个转面及角色的个性动作和表情一定要在这个阶段先练习掌握。导演还需对原动画进行动作实验，不断掌握准确性，统一形象和表演风格，不然一旦进入原动画制作之后，表演就会不顺畅，影响制作进度。原动画在进行动作实验的同时，背景绘制组也开始熟悉色彩调子及绘制风格，确定每场戏是什么调子，怎么衔接。制作时间周期表在制作中途要检查好几次，一旦发现有问题需要马上调整。各方面问题：制作速度或是片子的内容问题等，主要由导演和制片来掌握和调整。管理利用好时间，协调好各个制作环节的关系，及时解决制作中出现的问题，确保影片的顺利完成是制片的第一要务 七完成导演阐述
★1导演阐述的重要性：动画是个集体创作的项目，有些大片子可能在制作期间分散到很多地方去制作需要将前面一些确定下来的总体设计和导演意图用文字和图表形式确定下来，在后面的创作和制作期间先由导演统一讲戏再分发到各个主创人员手里，以便做到导演的意图和影片的总体规划都能准确地落实下去。 ★2导演阐述的内容：
①主题内涵及表现;~影响整个作品的叙事，画面，造型，节奏风格等，所以这是第一需要明确确立的 ②形式风格：~是根据主题内涵，题材样式，剧情内容，经过深思熟虑后确定以什么样的艺术形式风格来表现，做到形式和内容的统一。动画短片的风格极其多样，一个引人瞩目和主题内容相符的行事风格对于动画短片来说也是个有力法宝。动画片是综合性的艺术，一旦总体形式风格确定下来后后面的美术设计、动作表演、音乐风格都要相应与之统一，只有这样作品才能完整统一
③角色分析：对片中的所有角色作全面的分析。包括姓名年龄性别性格身份所处时代背景以及服饰外形特征相貌特征和一些特定习惯动作和动作、表情的夸张幅度等。这些整理出来对后面的人物造型和原画设计都有了基本的指导，这样后面的工作才不会乱。
④场景美术风格：对片中的场景做全面的创作构想，包括风格、色彩、光影、色调的转变等等。
⑤对整体节奏的处理方案：一张理顺各种创作元素间关系的大图表(含情节矛盾场次段落色彩光影音乐) 案例：《随》主题内涵：通过种草籽这个小细节折射为人处世的大智慧。形式风格：画面清雅温馨柔和构图简洁。角色分析：第一主小和尚，5岁男孩。外形特征：憨态呵掬．穿普通棉袄。小脸圆圆胖胖。半懂不懂的思考状是标志动作。每次师傅傅说的话他并不是很懂但还是乖顺接受。第二主师傅，80多岁的老和尚。性格：智慧、慈祥。外形特征：敦厚和善、笑眯眯的，穿普通和尚长袍。慈祥微笑是他的标志动作。师傅是智慧的化身，慈祥地看着、提点着周围的人事，等待着他们的成长。点缀配角：小鸟陪衬小和尚、点缀画面的作用。场景美术风格：场景较简单，禅院和禅房。为突出禅意，禅院的结构主要包括：禅房、禅房口的伸展木塌、院中央的大菩提树，树边的小佛塔、围墙。禅房的结构包括：佛台、蒲垫、门和窗。四季分明，每个季节用不同的色调表现。注意光影对气氛的烘托。画面清雅，但不朴素，整体节奏平和，情绪的高潮在最后。段落间转换明显有停顿。每个段落有小高潮。故事脉络：开始，发展1发展2高潮和结局。矛盾冲突的设计：以外界对草籽的播种和生长的干扰为主要发展矛盾，小和尚的心理为矛盾发展的表现。矛盾发展过程：矛盾的双方?矛盾的解决 第三章前期工作阶段
一文字分镜的要求：~是在剧本的基础上进行大致的分镜，要求“简单、明了、准确”。~是画面分镜创作的依据，~不用像画面分镜一样将镜头组织得很细腻，考虑到每个镜头间的组织关系或设计镜头的具体位置和运动。“突出主题、突出人物”是~的首要任务 二文字分镜的基本格式：A场地B内容 C镜头描述 三寻找细节包括2方面：情节细节（整个故事和事件由一个个具体的情节组成，每个情节的细节设计是否与剧情紧密相关，是否能突出主题，能否推动情节的发展是十分重要的。Eg：法美丽城三重奏，极富夸想象力的细节设计是孙子训练回来后奶奶为给放松腿部肌肉用上了打蛋机和吸尘器）和动作细节（角色动作推动剧情发展同时也是展现角色性格和要求的具体表现。可通过动作细节更加生动的塑造角色的性格。利用角色的动作细节体现这些要素是塑造角色时要考虑的重要问题，EG奶奶有个快速抬下眼镜的习惯动作这个动作细节准确刻画奶奶坚毅善思的性格特征，给观众留下了极其深刻的印象）
动画片是细节的艺术:所有的宏观构架：主题，内涵，角色性格，冲突，情节都用细节体现。许多细节组成完整剧本。在创作文字分镜时一些精彩细节如同舞动在画面上的精灵将会使剧本中的角色栩栩如生 好的细节特征：A从生活中仔细挖掘的b与剧情密切相关c对塑造人物有帮助d具体可视的
好的、独特的、引人入胜的细节设计得来并非易事，也是目前大到中国动画小到学生创作都非常缺乏的 四抽象描述转化为具象展现：剧本中有些并不一定完全按画面镜头感觉去写，里面经常会出现些文学性的抽象描述，这些抽象描述必须转化为具体可视的画面才能展现在观众面前，所以在文字分镜创作时还需将这些文学性抽象描述语言转化为直接描写可视的具象展现。文字分镜是在写每个镜头画面，需有很强的画面意识。常见需要转化的抽象描述：1表现人物想法或感受时要转化为动作或表情直接展现2出现主观抽象的文学化语言要直接转化为视听语言3交代时间过渡要转化为空镜头画面(没有角色只有场景的镜头) 五运用蒙太奇，把握节奏:蒙太奇：就是产生逻辑关系的组成方法将段落和段落连接起来产生逻辑关系的组成方法就是段落蒙太奇。场景+场景是场景蒙太奇。镜头+镜头是镜头剪辑蒙太奇。声音+声音是声音蒙太奇。声音+影像是影音蒙太奇 (同一段画面配上不同音乐有不同的心理效果)一般比较重视镜头间的逻辑关系，比较忽视其他四种逻辑关系，认为蒙太奇就是镜头剪辑,其实这五种逻辑关系都很重要。在任何形式的动画片创作中都需要十分重视.导演最重要且贯穿制片始末的工作就是组织把握好这五种逻辑关系.段落蒙太奇和场景蒙太奇是从剧本创作就开始了的。镜头蒙太奇，声音蒙太奇和影音蒙太奇是从文字分镜开始设计，到画面分镜时趋向具体，然后一直延续到后期剪辑。整个动画片的创作就如编制一张逻辑关系网。这个关系网从种类上看有画面和画面的，声音和声音的，画面和声音的；从组织大小上看有段落与段落的，场景与场景的，镜头与镜头的，镜头内部的。动长与动短在这个关系网上的区别只是网大网小的问题，里面的内容是一样的，一个也不能少。把握好这五种逻辑关系之后，影片的节奏就同时显现了出来。这些节奏包括：1剧情推动的节奏2情节的波折，变化，紧张与松弛3矛盾的冲突与化解4剧中角色的情绪起伏，欢喜与悲伤，舒缓和急促5角色动作的节奏6随着情绪和剧情的发展，光影及色调的变化节奏 六脑袋里的动画片 “把摄影机纳入剧本的构思中！”在创作文字分镜的时候必须要有很强的镜头感和画面感。动画片由众多的镜头组成的，每个镜头都是一个画面，用镜头写剧本就是设计一个个的画面。先在自己的脑子放动画片，如果这部动画片还不清晰那就还没成形，只有在你的脑中清晰鲜活了，那才成形了。 七角色设计:角色设计与场景设计可以是同步进行的。通常导演在导演阐述中已经对角色塑造有了大致的定位，包括：性别年龄性格时代服饰常用道具外形特征造型风格，甚至是些特定的细节动作。要根据这些定位设计具体的角色造型，但其过程需要经过多次的反复探索和修改,相当于是个创造和选演员的过程. 导演在把握角色造型时要注意:1切合主题：在进行具体的角色造型前一定要先明确影片的主题内涵。了解剧中的角色，然后确定用哪种风格、哪种具体的外形特征来表现主题和塑造角色2简练、归纳：动画片中角色造型风格多种多样，有写实、装饰、漫画、写意、儿童风格等。但是哪种风格都应采取最简练的造型方法。用最简练、最归纳、最有代表性的方法来刻画角色造型。因为多一根线条后面的创作时间就多一点，表演也就复杂了一点。3性格刻画及性格间的形象差异：性格刻画:动画片的角色设计往往是非常类型化的.”类型化”指具备典型的性格和外型.动画片的角色设计就像故事片的选演员.角色的形象设计就是需要造型是设计出一个符合这个角色典型性格的典型外形。这个外形形象要在角色还没进入主戏之前，一亮
相就让观众知道这是怎样性格的人物.性格之间的形象差异：一部作品有时会出现好几个角色，有主角、次角、反角、配角。每个角色之间有不同的性格特征、背景环境。同部作品中的角色间既有个性，又有共性。性格、形态的差异是个性部分，整体统一的造型风格是共性部分。他们需要在组合关系中获得形象的节奏变化与和谐.变化：每个角色的性格不同，外在形象一定要符合角色性格．角色间的性格形象差异一定要拉开。每个角色的形态与量感的控制很重要。设计时要注意对比：高矮、胖瘦、方圆等。有对比画面才丰富，角色的识别也更清楚。和谐：统一造型风格。组合关系时可以将一些确定的元素运用到每一个角色中，形成系列化的形象，使整体风格异常突出，易于识别（美超人特工队既和谐又差异对比的造型手法）4色调把握：角色设计重要环节是色指定。给每个角色设定个主色调，标注出身上每个部分的色彩标准值。角色设计中的色指定环节还需经历好几个反复和回合。因为设计时还需要看场景，角色的色彩调子要和场景色彩调子相协调、吻合，所以需要和场景反复对照。景画得再好，永远也只是为了突出角色5人景的风格协调：角色和场景是同时出现在画面上的，角色设计的风格应和场景设计的风格相协调，共同营造作品的美术风格和意境，为主题服务6绘制★标准图，动态图和表情图：动画中一个角色往往有许多人共同绘制，所以需要标准造型图。标准造型图包括：身形比例，几何造型方法，多角度立面图，角色间比例，常用道具等，目的是为动画制作的中期环节提供尽量详尽规范的标准图示。每个角色还应该设计些他们典型的表情和动态。既是对角色的性格塑造，同时也给中期绘制时角色的性格塑造和动作表演起示范的作用 八场景设计：导演在进行具体场景设计时对场景的美术风格、共有几个主场戏都有明确的定位。场景设计继续完善其他细致的设计工作，如戏中出现各种大小场景和特殊环境、角度及景物。必须按既定风格统一设计，完成景物造型，包括线稿和色彩气氛样稿等，经导演审看认可后作为绘景工作人员的样本。 九画面分镜头：通过镜头的组织，用镜头画面讲故事
画面分镜的作用: 一是前期拍摄的脚本；二是后期制作的依据；三是长度和经费预算的参考
1画面分镜头的创作要求：~是前期一个重要工作，往往由导演亲自设计。即使不是，导演也需要和画面分镜头的设计人员紧密联系。关于每个镜头画面如何处理设计人员必须领会导演意图才能画出比较准确的画面和镜头处理。如镜头数量，镜头时间，镜头角度，大小和运动，镜头蒙太奇处理等。画面分镜头不仅是导演思考怎样处理全部剧情所形成的总体构思和设想的画面体现，同时也是对未来动画片基础画面蓝图逐步深入和完善的过程。分镜头剧本绘制要求: 1充分体现导演的创作意图，创作思想，和创作风格2分镜头运用必须流畅自然3画面形象须简捷易懂（分镜头目的是把导演的基本意图和故事以及形象大概说清楚。不需要太多的细节。细节太多反而影响总体认识）4分镜头间连接须明确5对话，音效等标识需明确
2导演在画面分镜头设计中应注意：①镜头蒙太奇的运用:将镜头和镜头连接起来产生逻辑关系的组成方法.逻辑关系包括:前后,平行,因果,对比,比喻,交叉,重复关系等.镜头相当于文学创作中的语句,如何来组织语句使之形成需要的逻辑关系组成一篇文章,这就是镜头蒙太奇的作用.一般用的最多的是根据情节和动作的发展按时间前后安排镜头顺序②轴线原则和五种镜头在镜头剪辑蒙太奇中很重要的基本原则-~。★~是为了便于观众理解，导演在镜头调度工作中所遵循的一种镜头摆放和镜头间剪接的原则。这个原则往往适用于同一场景中的系列镜头。原理是将镜头中的场景理解为一个舞台，角色在这个舞台中表演，确定观众在这个舞台的哪一边观看的问题。这里的“边”不是指“前后左右”，而是以一根贯穿角色的线为轴，观众选择在这根轴线的两侧中哪一侧观看，即“屏幕方向”。确定好屏幕方向后，摄影机就可摆放在同一侧180度范围内的任何一个位置。摄影机可以放高、放低，也可以运动。这个空间内的任何位置、运动都可以,就是不能越过这根轴线。如果在几个紧密连接的连续镜头中，观众一会在舞台的前面看，一会在舞台的后面看会产生方向性的混乱进而引起对画面理解上的困扰。这根轴线也可跟着角色的运动需要一起运动。当角色或物体在不断运动时轴线也要随之改变，相当于摄像机跟着角色运动找出新的轴线。~是基本的原则，基于让观众产生连贯的视觉。在一般情况下轴线是不可逾越的，但有时导演为丰富镜头画面的组织形式，使镜头表现灵活多样或是情节动作的需要，还是会经常出现一些越轴处理，如果要越轴就需要有个越轴前的过渡镜头。如角色的动作，转身离开，这样就破除了这样的方位关系，为下个镜头的越轴处理做好过渡。如切入个其他镜头，暂时离开下这个场景，下个镜头回到这个场景，但是越轴处理。五种镜头指：反打、主、切入、切出、反应镜头。这五种镜头是摄影的一些基本镜头和规则，沿用到动画③注意画面构图：画
面构图取决于很多因素，轴线是一个，其他还有机位、角度、镜头大小、镜头运动、角色运动、光影和色彩。每个元素的不同变化和组合所产生的单个镜头的镜头“语言”是不同的．导演不仅要考虑镜头组合之后产生的“语言逻辑”，还要考虑镜头本身的“语言”是否能表达准确。随着现代审美观变化和发展，导演在设计画面构图时也要拓展思路，以影片剧情的需要为前提注意镜头角度的灵活变动、画面构图的现代感以及远近纵深透视的运用。特别是在处理剧情急剧变化和动作性较强的镜头，为了制造某种悬念或特殊的气氛时可以合理地使用一些高视线的大俯视、低视线的大仰视、斜角度的歪画面等构图，以示与正常和缓情节下的平稳画面构图产生反差。这些气势恢弘的高角度镜头或者是一些独特视角的镜头虽然在画面上会有独特的视觉效果，活跃画面气氛，但也要注意运用一定要恰当，需紧紧符合剧情要求，如果只是为了玩效果卖弄摄影技巧就会失去意义（美埃及王子典范）④镜头衔接的节奏：一部动画中故事情节的发展，矛盾冲突的变化本身有它的节奏，这就是剧情的内部节奏。画面视距的运用，镜头的转换，组接调度的速度也是一种节奏，这就是外部节奏.内部节奏需要和外部节奏有机配合。当内部节奏较舒缓如抒情忧伤离别时镜头的外部节奏也要舒缓，利用一些慢镜头长镜头缓速的运动镜头或者慢推、缓移、长叠等，还可采用人景重叠,空景摇移等把情感抒足．把戏做够。当内部节奏较激烈，如表现激烈的情节,矛盾的抗争,热烈的感情等，可采用一些镜头时间上的长短交错,景别上的远近交差或连续几个短而近的镜头画面跳跃等，有助于加强紧张激烈的气氛和情绪上的热烈与亢奋。情节的内部节奏与镜头衔接的外部节奏是相辅相成的⑤运动镜头的流畅性：为了保持视觉的流畅性，导演在处理“角色运动镜头”的镜头调度时需注意：A视线的连贯B运动方向的连贯C动作出入画的连贯D环境的连贯⑥对音乐或作曲的风格要求：音乐在动画片中占重要的地位，动画作为一种“视听艺术”．听觉形象在片中起着强调画面动作、解释画面内容的作用与画面有着不可分割的联系。导演在进行画面台本创作时应根据剧情的发展、人物的情感发展、剧中气氛的变化等，仔细考虑哪几场戏需要音乐来烘托。导演可以在这个阶段将对音乐的思考与作曲家充分交换意见：每段音乐的情绪和长短以及起止点与画面的关系．全片作先期音乐还是后期音乐录音处理，或者是部分作先期音乐处理等，均可商讨决定，同时要在分镜头台本上标明清楚
十设计稿1设计稿的创作要求：设计稿是画面分镜后、原画设计前的重要工作环节。设计稿是要求在画面分镜头台本的基础上，进一步丰富和完善导演意图和影片风格。根据动画片中每一个分镜头按l：l的尺幅比例进行绘制，绘制时把人物、背景分开绘制，方便日后原画与背景同时进行工作。设计稿的好坏直接影响原画的创作和影片整体的质量。因为这是原动画、绘景、摄影和其他有关人员开展工作的重要依据。每一张设计稿都是代表着未来影片中观众在银幕上所看到的每一个动画镜头的具体画面。所以导演必须对设计稿进行认真审阅，如有差错，立即进行修改。以免造成下一道工序不必要的修改和返工。
2导演在指导设计稿创作的环节注意：A要有准确性,不可太潦草,随便勾画会给原画带来麻烦B对形象、动态及透视要准确掌握C动作方向,位置要合理.把人物放入框中时要预留其动作的空间D人景关系要准确E POSE按需要设计多做几个,帮助原画绘制表情和动作F注意上下镜头间画面动作的连贯关系,其中包括动作幅度和动作要点的连贯.画出动作起始部分,动作过程部分和动作结束部分的提示G有镜头运动(如移、摇、叠等)要标注出准确时间(秒数、长短)H如景有分层，则分层绘景I注意构图,构图直接关系到画面美感 第四章中期工作阶段 一导演交代对动作及场景的设计要求
1讲戏：中期绘制阶段，导演要召开摄制组全体主创人员会议，由导演说戏 A让全摄制组的主创人员对影片总体构思有全面认识了解导演意图B交代对动作及场景的设计要求。导演根据人手一册的分镜头画面台本，从故事内容、分场分段的情节发展，结合每个镜头电影手法和电影技巧的运用，讲故事那样绘声绘色的从头至尾讲述一遍C针对重点戏和重点段落对原画部门进行深入讲戏，确定每个镜头的表演意图表演过程表演时间动作要求
★2分配：A根据每个原画师的特点分配给个人所擅长的戏和段落B出场戏和高潮戏十分重要，需将它们交给最好的原画师做。导演和原画师需要不断交流，导演要善于启发原画师进行符合创作意图的构思，引导深化他们的动作设计，这是塑造好角色及表现好戏的重要环节，是关系未来影片的艺术质量高低的关键 3导演在原动画环节时要注意：①研究剧情、设计动作：在对原画讲完这段戏的动作设计要求后，要求原
画师对如何来处理这段戏，形成一组镜头中连贯的组合设想；原画师也可以同时勾画些关键动态的草图经过交流和讨论逐渐得到完善，取得导演认可便可正式开始这一段戏的原画创作②表演时间：原画的修改经常是在表演时间上面进行修改，如画的时间太短、戏出不来，所以在画原画时要注意表演时间是否到位。原画师一般很容易将注意力放在画面笔调的帅不帅上。动画是一个集体性的创作，修形人员修改之后，再帅的线条也没用了③表演风格的统一：角色动作的表演风格需要依据角色外形、性格特征及全片的主题风格来确定。全片一般都有个基本统一的表演风格，这取决于全片的主题风格。如果主题风格是写实的那片中角色表演风格也要偏写实。什么样的主题风格决定什么样的表演风格来表达。但是表演也不能一概而论，同一本片子的角色根据性格、年龄、体形的不同，在表演节奏和动作风格上会略有不同.如男女有区别、老少有区别.导演应该准确拿捏好全片的表演风格和每个角色的表演特征,如果每个原动画都按个人的方法来做戏表演风格就乱套了.导演在审查原动画时应牢牢把握这点。不管什么样的动画片，表演是第一位的。目前国内有些动画片不受观众喜欢，有很大一部分原因就是没有表演，有的虽有表演但风格不统一④对动画的要求：原画出来后需对动画师交代清楚本片的动作风格，因为动画师要具体掌握动画张数所以需要向动画师明确交代整个动作的运动弧线在符合运动规律之外是圆的，还是棱角的。如果交代不清片子的风格就不能统一。按速度尺准确加出动画位置也是需要强调的.有些动画师偷懒喜欢将动画往两头的原画靠，这样加出来的动画动作节奏会走样·影响角色表演⑤表情戏质量的把握：角色表情不是光靠角色头部亮相，眼睛眨眨，嘴巴动动就可以了,需要仔细设计面部的表情细节，让表情自己 “说话”.表情戏非常重要,它是展现角色性格和情节发展的重要细节刻画.有经验的动画导演当给予角色近景或特写的时候往往很注意刻画表情. 同时表情戏也是很难画的表演.所以画原动画的人员应该有面镜子当需要表演这个表情时自己先傲做，看看要夸张突出哪部分，如何突出。一定要看看表情戏有没有到位：有些动画片中的表情戏只是一张表情原画的定格，没有细腻的表情动作，而且这个表情的特写动作也不是很到位，定格在那里三、四秒后观众就会觉得不连贯，动作有停顿，这样的表情特写前后镜头之间不连贯就死板的很 二校对工作的重要性：从设计稿—原画—动画—线拍—返修—后期都需要校对工作。单个镜头的校对需要将角色运动、背景、摄影表三者关系理顺，由于角色和背景是分别绘制的，所以细节上的校对很重要。镜头间的校对需要将每个镜头的前后关系，镜头间动作的连接或镜头运动的连接校对清楚
1审查校对的工作分工职责：①逐个镜头检查：原动画的校对由原动画师自己负责然后交校对。在拍摄线稿时要仔细对照设计稿，将人景对位。要求每个原动组将动作和人景的统一都要仔细校对过然后交校对。②镜头组校对和总体校对一般由校对组进行校对：~成员进行校对。每个镜头组有校对，总校对的时候就会方便，容易发现问题.如果单个镜头或镜头组不校对，总校对的时候就会出现很多混乱.这是个很小的细节．但由于这个细小环节的疏忽而引起后面很多麻烦,线稿一次又一次重拍，经常因为这个问题.每个环节都校对清楚了，后面的合成才能顺畅,不会因为很多中期的失误而一次次地返工修改
★2导演在指导校对工作中要注意①单个镜头角色运动和背景的走位关系。角色性格，动作是否到位。不同性格的角色有不同的表演，原动画的表演一定要到位②镜头上下之间的动作连接、镜头间镜头运动的衔接是否到位。动作表演风格是否一致③在上色之后，色彩的准确性和光源的准确性. 第五章后期工作阶段：~关系到全片的关键步骤，导演要严密掌控全局，指挥好后期工作人员。只有通过导演的统一调度、剪辑和调整才有发挥后期工作人员制作能力的可能性。动画制作是个非常繁杂的过程，到了~素材越来越多，而且这些素材往往来自不同的加工单位,到了后期汇总时许多问题都会暴露出来.这时导演要提高对素材和人员管理的科学性，使统筹与调整工作井井有条.导演每天要做出详细的管理记录,把制作人员的制作进度和当前程度反映在管理系统上。首先要检查完成的镜头，并把检查记录通过管理系统反映出来。其次，对于完成无误的单镜头，要把它们调入“已完成的存储目录”中，并记录在管理系统上；而对于返修的镜头，要开放服务器的权限，通知制作人员及时返修并记录在管理系统上。导演每天都要进行这些工作，及时科学地管理现有素材。在后期工作中，还要随时记笔记，这些笔记用来对当前的材料准备、工作进度与返修情况做出及时记录，明确当前的任务并指导下一项工作,这些工作笔记要言简意赅,包括A目前素材和资料的准备情况B目前存在的工作问题C对制作人员的具体工作要求，如返修要求、工作计划”，在开剧组会议时，这些笔记的内容将是开展工作的重要依据。后期工作面对的是一个复杂的”集团
作战”，工作人员要在导演的统一调度下，各就各位，发挥自身的能力把当前工作做得尽善尽美。 一人景的单镜合成A人和道具的色彩指定。进行必要的调整，人景协调B后期特效处理：镜头的变焦处理 1执行前期的“指定”，并作必要调整:动画分镜头上色的工作基本涵盖在后期工作中了。虽然在前期工作中，前期组已完成了人物和道具的色指定工作，在后期工作中主要是参照色指定来进行上色。．在每个单镜头上色时除了人物和道具要根据色指定统一着色以外导演还要注意很多其他问题:如背景设计是否合理,色调光线景物是否统一:由于光线强度不同,人物在着色时必须有区别,这些区别是否表现到位.由于前期工作的一些局限很多前期指定好的东西会在后期阶段发现问题.如人物着色后放在某背景中色调不和谐.就要修改直接影响动画效果的问题.不能完全机械化照搬以前的指定。后期的调整尽量用小动作,不宜把调整的工作变成沉重的负担.要尽可能减小工作周期和成本.导演在做调整工作时一定要注意统筹全局着眼全片作出合理统一的修改命令.背景往往是表现画面气氛的主体,对于一个镜头来说把握背景非常重要。导演把自己的想法准确地化达给背景师除了口述和文字表达外还可以让“美指”去搜罗具体图片来作参考。比如，场景中需要一个“夕阳笼罩”来作动画背景，那么“美指”可以去找一些比如饿罗斯油画、西部山村的摄影、电影的场景，或者同风格的动画片截图等等，由导演选定最合适的一张，再交给背景师作绘画参考。背景师参照这张图片的氛围、色调、光感，甚至还可以选择其中的颜色来进行绘制背景从而达到在导演心中已形成的美术风格。最后在后期合成中，把景和人物合成起来并进行必要的调整
2后期特效:在表达一些特殊场景或状况时如下雨下雪爆炸闪电等,可以靠三维或后期特效软件做后期加工,还有镜头变焦效果,特殊光线处理等.这些特效的内容在前期绘制中往往是不表现的,导演要在后期中对每个分镜头的具体特效提出要求并控制其表现程度.对于雨雪的特效处理较容易,只要先完成该分镜头的其他部分最后在画面上执行滤镜在做些修饰工作就行了.爆炸特效相对来说复杂些导演要控制好爆炸时飞射的碎块及爆炸产生的火光浓烟.动画也有镜头的变焦处理,这是模拟摄影机的工作方法,在不同机位情况下让画面中心通过变焦转移到另一地方.由于动画不用摄像机所以导演要在单镜头后期工作中完成这步。还有一些特殊光线效果如火光、闪电光反射在人物脸上的效果,如黑暗中突然照亮的探照灯；逆光情况下，光线透射的效果。这些特殊的光线也需要借助后期特效来实现其魅力。对于一些大场景的镜头，目前比较常用的是用三维作背景、二维表现人物的结合式做法。两者分工给不同的小组分别制作，最后在后期中合成。如果导演在这步中发现问题，尽量让三维组做修改，避免二维组返工。这样做对工作量和成本控制好
3导演“镜头感”的后期应用：动画不光是让每张画面或每个镜头看上去完美这么简单，还要考虑它们连起来后的视觉效果和节奏感,动态的视觉媒介和静态的视觉媒介及其美学规则是不一样的.作为一个导演除了把握画面效果外更重要的是要注意把握镜头运动(节奏),要预测每个单镜头在连接了后产生的整体视觉效果和节奏感.这就是“镜头感”，这种感觉，往往正是习惯了平面审美思路的人所不擅长的思考方式。导演要具备一种先知的能力，要能预测未来的效果。当动画还是一堆正在加工的单镜头时就要开始通过预测镜头效果，发挥操纵力量。这种能力称为“强烈的镜头感”。在具体工作当中，导演要保持清醒，随时做出必要的调整。在后期工作中，由于这一步工作越来越接近成片所以更容易发现问题。导演通过良好的镜头感，预测单镜头内部以及单镜与单镜之间的效果，及时发现后期工作中暴露出来的问题并果断地做出修改。如果导演不具备这种强烈的镜头感就无法预测那种令视觉兴奋的镜头效果.在后期工作中觉得好像没有导演什么事，任由后期的工作人员凭经验和台本工作，这样往往导致后期工作一摊散沙，即便每个分镜头都很漂亮，但整体视觉效果却还是平淡无味，没感觉。“强烈的镜头感”还包括导演要在后期工作中把握镜头的远,中,近,特写的镜头调度。电影艺术感觉：镜头连接以后把握整体视觉效果和节奏把握镜头远中近特写的镜头调度，穿插运用.当导演把这些”远中近特”镜头穿插起来合理调度就会形成视觉的诗歌惟妙惟肖.合理的调度镜头虽有一定的规律但却没固定的法则,这就需要导演的镜头感在后期工作中发挥作用 二剪辑、排列、理顺全局关系：动画电影要经历两个剪辑过程,A分镜头剪辑B合成以后的后期剪辑
1分镜头剪辑:又称前期剪辑。目的是控制分镜头和整部影片的节奏及掌握各镜头和全片的时间关系.这个件及工作所需要的素材不必很正式还可以是些简单着色的原画动画,但要对动画的动作、运动轨迹、摄像机位、场景的色彩气氛和光影等内容大致交待清楚。导演通过这批素材剪辑，确定个镜头和全片的动画节奏（对动作的运动频率和持续时间的掌控,以及对镜头数量和捧列顺序的安排，做一定的镜头取舍从而把各镜
头用富有情感的节奏连接起来，表达清楚每场戏的松弛或紧张程度,交代起伏跌宕的剧情。处理抒情场面镜头可较为缓慢,结合叠化,淡入淡出等手法处理,处理快节奏的打斗奔跑等镜头可采用快切定格闪屏等方法处理）及时间关系（要考虑到局部和整体,视觉和听觉的内容.让每个镜头的动作在整部影片的环境中，呈现出最合理的效果就必须正确决定做戏的时间长短。此外还要考虑对话、背景音乐与动画的配合。如何让声音和画面共同渲染故事情节，需要把握住动作的时间长短，以及何时留出时间给音乐烘托剧情等） 2后期剪辑:第二次剪辑过程.通过之前的分镜头剪辑影片基本结构已确立,接下来的后期剪辑中导演要组织更加紧密的镜头秩序和节奏变化.在实际操作中~不是一次性完成的，分为“粗剪”(大刀阔斧的修剪方法使故事更完整情节通顺无歧义流畅)和”精剪”(细致仔细的剪辑过程,所耗时间较长.更接近成片)
★在后期剪辑中导演要注意：①表达内容要经得起观众推敲,符合观众的心理角度；哪些情节会对整体故事发展构成歧义②所有的动画运动必须符合视觉心理.动画运动轴线指动画运动的方向及摄像机运动的方位.如果一个动画的运动方向是从左向右那么接下来的镜头如果不是刻意要发生碰撞，那么在运动时最好不要改变总体运动方向否则观众会觉得动画接不上，发生跳轴.对于机位视觉来说也是这样,相邻的动画镜头要保持机位在物体的同一侧.突然改变机位方向就会牵扯到需要换背景、光线、投影方向等问题，观众的视觉有可能不能接受这一突然的改变，产生混乱③要注意保持镜头的流畅性。镜头流畅首要因素就是动作连贯。一般动画的动作由原画师来设计。如果原画阶段设计的动作出问题在后期剪辑中就很难弥补了。有经验的原画师会把一组动作设计好并把戏做足，在后期剪辑时才有剪辑空间。如果相邻的两个镜头是静止的这是比较容易处理的。但是如果相邻的两个镜头是运动的，那就比较容易出问题了。比如两个镜头的动作是连贯的，但是“景”发生了变化，那就要小心翼翼地拼接两个镜头，以确保动作连贯，否则就会有“跳格”和“重复动作”的现象。如果相邻的两个镜头一个静止、一个运动，导演要控制由静转动的节奏，不能太突然。可以让运动的镜头先停一下，再逐渐动起来，这样会令视觉舒缓很多④调度镜头长度时除了考虑情节发展的必要时间外还要考虑镜头内部的具体情况，如镜头涵盖的信息量。远、中景的画面信息量较大，要让观众看清楚就要考虑用长镜.而短镜较适合近景。总之要充分考虑到观众的视觉和心理的接受情况⑤注意各镜头的光影是否一致，色彩是否统一流畅，如果光影或色彩突然变化，就会影响视觉上的连贯性。如果对比反差强烈的两个镜头连在一起就会让人有突然改变了时空一样的感觉。当导演发现这些问题时，可以通过非编系统或校色的软件来具体调整画面的色彩与光线偏差。通过分镜头剪辑和后期剪辑，把全片的镜头排列关系理顺,使故事情节发展顺利，视觉效果流畅，剪辑的目的也就达到了。导演在分镜头剪辑和后期剪辑工作重心的区别:分镜头剪辑要把握好动画的气氛和节奏,后期剪辑不仅要考虑到动,光,影,色,声等问题还要把所有的场景和镜头准确合理在联结,要用观众的眼光挑剔每一个细部。导演在剪辑时，还要遵循很多摄影的规则。这些规则保障画面不出问题的一些基本观念。在前期设计分镜头台本时，其实已经注意过这些规则，但是为了给后期剪辑积累足够的素材，很多戏会做的比较多超出实际需要；并且在后期剪辑过程中有时还会改变以前计划的镜头排列顺序。这样在剪辑时就要重新考虑这些摄影规则选择最佳的方式。这些规则简要概括为“一个原则，五种镜头”。“一个原则”就是轴线原则。五种镜头指反打镜头，主镜头，切入镜头、切出镜头、反应镜头”。这是摄影的一些规则也是组接镜头时要充分注意的东西。“轴线原则”：在场景当中，假设一根直线然后保证在该场景中拍摄的所有镜头都在这条直线的一侧，让所有的机位不要越过这条直线.遵守这个原则可以保证这些镜头在切换当中不会引起“跳轴”的错误。如果不遵守这条原则，发生跳轴，就会出现视觉不流畅，以及动画运动方向混乱的问题。“反打镜头”：一种常用的剪辑模式，在角色位置不变的情况下，摄影机转移角色反面拍摄，但是机位仍然要遵循“轴线原则”，保证不要有“跳轴”情况。“主镜头”：拍摄一场戏时有个摄像机连续不间断地把该场景的全部内容拍下来，它是记录该场戏全部人物，动作的镜头。这个镜头可以为剪辑时保证动作的连续性打下基础。“切入镜头’’：在两个镜头相接的时候，在其间插入一个局部特写镜头，比如比武的戏，插入一个抽刀的特写。但这个特写镜头应该是剧中已经出现过的、某个局部的特写。“切出镜头”：在两个镜头相接的时候，在其间插入一个局部特写镜头，但是这个特写镜头应该是剧中未出现过的，一般是具有象征意义的空镜头，比如云、河流、树叶飘落等等。“反应镜头”：在拍摄一个事件的发生时，不去拍摄其主题事件，而是拍摄某个角色观看事件发生的反应。这种技法是很多大师喜欢使用的剪辑技法，他能用间接的形式，更大程度的表现剧情。在剪辑时，按照“一
个原则，五个镜头“规则就可更加放开手脚发挥自己的剪辑才能 三运用蒙太奇的手法进行再创作及混录成片
1运用蒙太手法的后期再创作：★蒙太奇法文“montage”原为建筑学术语，意为构成，装配，后成为电影学重要理论之一。在电影默片时代对电影蒙太奇就已具有了明确的解释：将若干片段构成场景，将若干场景构成段落，将若干段落构成一部影片的方法就是蒙太奇。蒙太奇是电影创作的主要叙述手段和表现手段之一。电影将一系列在不同地点从不同距离和角度以不同方法拍摄的镜头排列组合起来，叙述情节，刻画人物。但当不同的镜头组接在一起时，往往又会产生各个镜头单独存在时所不具有的含义。例卓别林把工人群众进厂门的镜头与被驱赶的羊群的镜头组接在一起；普多夫金把春天冰河融化的镜头与工人示威游行的镜头组接在一起就使原来的镜头表现出新的含义。爱森斯坦认为，将“对列镜头’’组接在一起时，其效果“不是两数之和，而是两数之积”。在动画创作当中，导演使用蒙太奇的手法将对列镜头组接可使影片效果倍增魅力。这种手法常被一些著名的艺术动画大师所采用。一些看上去不是同一主题的镜头但暗示着一些内在本质的联系。把这些镜头穿插起来那些内在的东西会撞击观众的内心，触及深刻的思考点，可以超越视觉审美的范畴故而可使影片效果倍增。捷克动画大师杨·史云梅耶就是典型代表，《疯狂疗养院》在真人演出的影片中穿插一些看似不相关的动画镜头，这些镜头虽然形式怪异，却暗示许多人性本质的东西这使影片具有了那种不可思议的深度魅力。把蒙太奇手法称作为“影片的再创作手法”，是因为这种手法具备的艺术力量非比寻常，凭借蒙太奇的作用影片享有时空的极大自由，甚至可以构成与实际生活中错位的时空。蒙太奇可以产生动作和摄影机动作之外的第三种元素就是深刻地击内心所产生的触动。善用蒙太奇的导演，会从根本上掌控影片的影响力。艺术短片《天错》，是一个比较典型的运用蒙太奇再创作力量的产物。这部短片没有情节，其镜头都是运用具有暗示性的符号语言。蒙太奇理念正是短片各个镜头组接形式的参照物。《天错》每个镜头都暗示一些人类社会的负面因素，并都使用很隐晦的手法表现，其中表达有神迹的启示、有战争的缩影，有死亡的预兆，有毁灭的信息等。把这些东西按照蒙太奇理念组接在一起来警告人类正在犯着一个不可挽回的错误。这比用故事去演绎情节更具备说服力。由于蒙太奇的组接形式摆脱了“情节连贯性”的束缚，可以更直接地调动视觉和心理因素 蒙太奇的处理方法有很多，没有固定的守则，比如下面这几种运用方式：为了达到使观众在视觉上产生极大的反差效果，我们可以在后期制作中使用一些反常的技法。如从一个远景直接切换到特写。这组反差极大的镜头会使观众视觉感觉不适应却可用来突出强调影片中的情节突变，或者人物心理突变。在描写回忆的剧情中，由于牵扯时空变化和心理变化，直接描绘反而效果不好。可以选择用“闪回”的方法来处理回忆剧情。在使用闪回的时候务必要表达清楚时空的转换让这段剧情在观众面前呈现出“过去时”。导演使用闪回，要在一个恰当的画面切回“现实”。比如某件有纪念的道具、某个场景，或者某个构图，还可以是一个突发的事件或声音等。当导演发现有些表达剧情的素材不够用时，可以尝试使用“空镜头”。空镜头指那些单纯的场景镜头，没有人物。这种空镜头可以借助其主题表现时间和空间，可在大多数剧情中出现，即使多用一些，也不会对影片产生不好的影响。如果场景的转换过于突然，导演可以增加一个人物特写，排在该镜头前面，从这个人物的神态出发，展开视角，并转到下一个场景，使场景过渡自然，并且还能升华剧情。导演的后期再创作中，还离不开声音的帮助。导演可以借助对白、音乐、画外音、歌声等等来配合巧妙的组接镜头，实现剧情转折，或情节升华等
2导演的最后战役—混录成片：动画不能采用同期录音的方法。一般除了特殊的音乐片以外，多数都是采用后期录音的方法。当动画的画面工作全部完成后就可进入录音工作了。A导演在对白开始前要把每场戏的对白和对白的顺序整理成文字台本，交给配音演员、录音师、剪辑师、制片等相关工作人员，要求他们必须熟练台词，并对台词表现的剧情和情感内容完全把握B导演亲自选择合适的配音演员，推敲演员的声音与角色是否般配并向配音演员具体讲述角色人物的心理，启迪他们发挥出各自的特点，展现角色。为了达到特殊效果，还可以使用一些特殊方法来达到变音效果C导演要亲自把关配音环节，始终在现场监督每句台词配音的准确性、表达感情、间隔时间等，随时返工不合适的配音D剪辑师实现声画对位，导演要反复检查声画同步放映。除对白配音之外，导演还要监督音乐录音工作。动画片的配乐风格是由导演和作曲家共同商议而定的，导演要交待清楚每一段音乐需要的轻重缓急的程度。通过剪辑师的工作，作曲家可以
明确每一段音乐的具体长度。然后作曲家可以进入作曲阶段最后在录音棚中录音。录音期间，导演在场监督执行直到音乐完成，导演必须亲自定夺。所有音乐完成之后，录音棚还要把影片中所需要的音效制作出来。这些音效可由工作人员现场录制出来，初选后，再交由导演决定这样可减少导演的工作压力。当这些录音工作全部结束交由剪辑师混合录音。导演要在剪辑师旁边具体指导各种声音的强弱配比。如什么时候加强背景音乐，什么时候突出对白，什么时候强调音效。总之导演要严密控制声音的表现力，向剪辑师发出明确的指令，直到混合录音效果令导演满意为止。混合录音工作完成后，可提请相关领导、投资方、负责人审片。导演、制片等重要剧组人员都要在场听取意见。影片通过审查后，整个动画的工作才全部完成。整个后期的工作不是一个简单“加工”的工作，很大程度上说，后期工作更是一个再创作的过程
1远景：所处环境2全景：人体的全部和周围背景3中景：膝盖以上4近景：胸部以上5特写：突出局部 灰色脚本 主角：男人和男孩 配角：女医生
镜号 景别 时间 内容 音效 场景1：医生办公室
1 全 3 医生和男人的对话 啊,那个小伙子啊~哎~肝癌,晚期了
2 特 5 男人沉思看不出心情的脸 ??
镜号 景别 时 内容 音效 场景2 ：医院病房走廊
1 全 7 男人在走廊上走着，回想着医生的话 空旷效果的脚步声，女医生之前说的话
最多还有半年，可惜啊，还这么年轻
2 近-中 3 男人仍没有表情的脸，走在走廊上 空旷效果的脚步声
3 中 3 男人在一间病房门口停下不动 ??
4 特 5 手的特写拉住门把，又放下，终于转动了 转门把手声，吱呀开门声
5 全 6 男人关上门，停顿了一下往病床方向走 关门声，轻微脚步声
6 中 9 病人秘密被揭穿后尴尬的脸，咳了一下说话 你，都知道了啊（苦笑）呵，会..分手吧 7 特 5 男人毫无表情的脸,紧盯着对面的男孩 鸦雀无声
8 近 3 男孩紧张又痛苦无措的脸 ??
9 近 7 男人开口说话 想多给你买点吃的。再瘦下去，戒指的尺
寸就不合适了
10 近-特 6 男孩惊讶的脸，情绪波动起伏的胸口，紧接
着辛酸又幸福的表情，流下了眼泪 ??
11 近 5 男人也终于快要哭出来的脸 ??
12 中 5 两人紧紧相握的双手，消瘦骨感的手指上戴
上了一枚闪闪发光的戒指 ??
13 全 8 病房里有两个紧紧相拥的人（画面淡出） 悲伤忧缓的曲调
1动画制作流程:①前期:策划,编剧,文字分镜,导演剧本(制作人是导演)②中期:动画分镜,动画造型,原画,动画,扫描上色(原画动画,工作量最大)③后期:剪辑,录音合成,输出影碟
2动画剧本:文字形式,文字依据,文字基础。导演和原画师工作的出发点.没好的剧本拍不出好电影 3动画剧本的特点：①语言的视觉性,文字描述画面②蒙太奇结构,镜头感③造型的动态性,角色动作
4剧本的八大要素:①戏眼:一部戏最精彩好看的地方②戏的效率③偶像剧男女之间的障碍设置④主角的设置要有个性,符合观众的审美需求⑤闲笔废笔妙笔⑥小道具⑦单线索和多线索⑧类型的应用
5剧本的构成:故事大纲 1角色2故事3主题4文字表达(人物台词,叙述性语言)
6主题要独特深刻。追求自我价值的体现。文学作品的价值首先体现在主题上。没有主题的技巧毫无意义.动画编剧头一件事就是要确立故事的主题,主题是否深刻是否独特是判断动画剧本优劣的主要标志 7主题的隐蔽性,多义性(不同的解读)与美型化(符合一般大众的审美品位)
机甲格斗 侦探悬疑 武侠功夫 神话传说 新编神魔 童话寓言 青春校园 恐怖惊悚 爆笑恶搞 奇幻冒险 8动画人物的重要性①人物是动画银幕形象的主体②经典的共同点就是创造了一个或几个性格鲜明独特的人物③动物和物体做主角还是表现人的生活，情感和梦想④人物的塑造和情节结构缺一不可
9动画剧本的主配角①一部动画片的主要人物不要出现多于3-5个②编剧在动手写作之前最好先将全部人物理清楚谁是主角谁是配角③主角一定要有强烈鲜明的性格，内心活动④切忌简单化概念化类型化 10动画剧本的可塑性人物①出场很重要：实出，虚出②利用对比③造型和性格鲜明特别让观众记得住 11动画剧本的情景与困境:情境:经过艺术安排（典型）的特定的情境.自然场景（时间和地点） 情势和氛围 特定的人物.情节：把特定性格特定目的的人物放到一连串特定的情境中让他们去行动.困境：刺激人物积极行动起来的情境（外部行动受阻，内心情感受到困扰）
★12剧本的动作：①（因）情节变化（果）动画人物的动作（打斗追逐抢夺魔法变化等）②镜头本身的运动和光影变化③镜头的组接即蒙太奇④音效的变化
13表现动作：①只有充分了解人物的内心动作才能准确表达人物外部行为动作②动画在表现人物动作时，有比戏剧更优越的手段③设计动作时要找出人物的贯穿动作④在设计人物动作时不能忘了反动作
14动画剧本的结构A序幕（预备戏）①相关背景知识和内容②为主戏设下悬念埋下伏笔③展现艺术风格和基调B开端①故事主要事件的开始部分②介绍主要角色内容矛盾C发展（剧本的最主要部分）①将剧情推向激化②彻底展现角色的行为和心理D高潮①矛盾冲突的焦点，故事最激烈，最尖锐的部分②作者思想精神得到彻底释放E结局①主题体现后的平衡②故事中所有的疑虑和悬念都被解开和排除F尾声
15动画剧本对白的重要性A对白大大丰富了动画的信息量使动画画面更生动，更易于理解，使原有的悲剧或喜剧氛围大大加强并增添了语言幽默B声音蒙太奇：可与画面合作，互相补充衬托也可与画面冲撞使镜头更有力度C★对白三忌：A舞台腔：要生活随意口语化B学生腔：说教式语言C娃娃腔
16动画剧本对白要点：A符合人物的身份性格地位年龄文化思想感情B考虑人物所处的特定环境，具体的人物关系C对话要尽可能生活化.只有画面和语言形成互相补充的关系才是最恰当的关系
17剧本的语言分类：A对话B旁白：补充画面人物的内心世界C独白：独个说话用显示人物内心活动 18动画剧本创作过程:①动画艺术积累A用心感知生活B尽可能开阔视野，丰富生活阅历感知他人生活C艺术积累②题材选择：A具备一定时代感B有艺术审美价值和强烈的市场意识③艺术构思：在素材积累和艺术发现的基础上在某种创作动机指引下以心理活动和艺术概括方式创造出完美的意象序列的艺术过程A主题定位B角色塑造C情节设置：a设置情节点b情节上设置对抗c将以上两点融入到场景和矛盾冲突中 19文学剧本是动画拍摄的基础是动画生产的头一个环节
20动画剧本的创作步骤是整体构思,故事大纲,分场大纲和初稿
21动画编剧必须了解矛盾冲突,认识它在剧情动画中的重要性和作用原理
22离开主题技巧便毫无意义:①一切文艺作品包括动漫和动画它的价值首先体现在主题上,形式为内容服务.离开主题技巧便毫无意义②对整个动画剧本而言主题同时也是整个剧本的支撑点,人物,情节,矛盾冲突都依据主题而存在③主题是否深刻独特是动画剧本优劣的主要标志,动画编剧在写剧本的头一件事就是确立故事主题④如果将技巧和主题本末倒置一味要求技法,电影便无内涵只是一堆炫耀技巧的画面堆砌
23分镜头台本和文学剧本的区别:①文学剧本是”一剧之本”是动画拍摄的基础,已确立主题,结构,人物,主线,冲突场景等影片主要元素,文学剧本由编剧编导,使用的主要是文学语言②分镜头台本是导演在文学剧本基础上的二次创作,导演使用的主要是镜头语言是将文学形象创造性的转化为声画结合的形象,将文学剧本的内容分切成一系列可拍摄的镜头剧本
1动画导演职责范围2导演中心制3导演前期设计中的任务4动画前期设计流程5中期流程6后期流程 1一剧之本的意义2剧本体现的内容3起承转合4画面形式风格5影片基调6设计阐述的内容
1文字分镜的要求和基本格式2电影是细节的艺术,什么是好的细节3蒙太奇4动画片的节奏5角色的造型风格和特点6情节细节和动作细节
1原画绘制的重点2中期导演讲习3导演在指导原画创作时的注意4导演在指导动画绘制时的注意5哪些戏在中期绘制时是特别重要的6怎么统一表演风格7导演在分配工作时的注意8强调校对工作
1后期制作的阶段2在单镜合成阶段注意事项3动画后期特效作用4分镜头剪辑注意5后期剪辑导演注意事项6一个原则五种镜头7要遵循轴线原则8跳轴处理9运用蒙太奇的手法进行再创作的手法