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摄影专业周记

XX年X月X日，是我第一次拿起相机给客户进行主题拍摄。当我拿起相机的时候瞬即的激动和兴奋不久被紧张代替了。在影棚拍照过程中我使用的触发器不能带能闪光灯，我第一次遇到这种问题。不知道怎么解决，手上都是汗。而且顾客在等着，最后我求助前辈把问题解决了。事虽小但对我的触动很大，让我明白摄影师要懂的不仅仅是摄影技术，还应该包括相关的电路知识等。

摄影在很大方面可以锻炼人的交际能力。在摄影过程中面对的是形形色色的人，他们的言谈举止，性格背景都个不相同，所以就要求我们对不同的人有不同的方法。你需要和客户相互彼此试探对方的底线，从而最大限度的挖掘潜在价值，把片子拍到最好，实现自己的价值。曾经有一次我给一个客户拍摄，在拍了三分之二的时候突然发现顾客的领结是反的，无奈这是我的失误。所以只能删了重新拍摄。还有一次是后期加洗的时候仅仅因为我的一句话，客户就选择了我给他提出的方案。其实我觉得不论是主题创作还是后期加洗，最主要的是注意细节和沟通方式。

我的理想是做一名自由职业摄影人，我很庆幸找到了自己的兴趣，并且为我将来从事摄影做了很好的铺垫，我积累了一定的经验拥有了必要的专业知识技能，我想我以后会在摄影这条道路上走的更远，更好！

第二篇：摄影心得

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孟美娅

经过一个学期的学习，在老师的带领下，我对于摄影由以前的一窍不通到现在有了一些初步的了解。虽然学的并不是很深入，但终究受益匪浅。

在学习期间，通过我对摄影的了解，要拍一张好的照片需要从以下几个方面着手。首先是构图。例如静物拍摄，如何排列静物，如何搭配颜色，选择什么样的物体形状，才能使整个画面不死板而有活力，不杂乱而又协调，不偏离重心而更加稳定。如能将这些问题解决，那一定不会拍的太差。其次选择拍摄角度。可以笼统的分为三个方向，即仰视、平视和俯视。三种角度各有其优缺点，所表达出的效果，给人的感觉也是有着很大的差距。我个人比较喜欢用仰视角度拍摄，当然要具体问题具体分析，我认为仰视拍出来的效果给人一种充满向往和信念的感觉，让人更加坚定的朝着自己的目标奋进。再次，在拍摄之前要大体给想要拍的东西选定一个主题，然后按照自己的主题逐步改进，这样可以达到自己想要的结果，更有可能达到意想不到的结果。这一点很重要，古人画画胸有成竹方可下笔，摄影也是这样，胸有成竹，才可以按下快门。

摄影与其它的艺术形式最大的差别在于，他往往被容易误解为对内容的一种被动的记录，而不是主观的源自于主题思想的一种主动的创作行为。这是因为，其它的艺术形式，其内容都可以被人主动的表达出来，而摄影，你只能寻找或者等待，直到你所需要的内容出现，你才拍摄下来。而譬如绘画，你想要什么，直接画出来就成了。

因此，要从观念上扭转过来，不要被现实牵着鼻子，要逆向思维，首先明确主题，再根据主题遴选合适的内容，再通过等待、寻找、演绎等各种手段是需要的内容出现，最后，按下快门。对于一幅摄影作品，对焦、测光、按下快门等技术工作应该仅仅是最后那1%的工作，遗憾的是随着现代数码器材的普及和不断的更新换代，很多爱好者已经被器材厂商们牵着鼻子走了，你的注意力全部在器材参数上，那1%变成了你的100%，而你丢掉了真正的99%。

那真正的99%，在风光摄影里就是来到那最动人的景致，找到最合适的拍摄角度，等待最合适的天气，预测最佳的光线，当最神奇的那一刻出现时，按下最终的那1%的快门吧。那真正的99%，在人文摄影里就是确定你想拍摄的主题，然后找到能表现该主题的人或事，去接近他们，了解他们，然后选择最恰当的时机，按下最终的那1%的快门吧。

学习摄影以来，不断加强了自己对摄影的认识、认识水平，这主要体现在摄影的基础操作、构图与用光的实践练习、学习国内外摄影史。学习本来就是一个不断认识、不断发现、不断总结的过程，反复地学习和不断的总结会形成良好的学习方法和认识事物的能力。

通过摄影基础课程的学习，我熟悉了相机的一些基本原理和简单的操作；通过构图与用光的专业课程学习，我们在脑海中就形成了一个很好的意识：谨慎构

图、合理布光，力求使画面达到完美状态，使事物永远停留在最美丽的一瞬间；这只有在学习中才能体会到的，是一个认识的过程，需要我们用心地学，用心去领悟。

唯物主义辩正法告诉我们，只有当量达到一定的积累的时候才会有可能引起质的变化。所以我们要真正的想去认识事物的本质必须要有个量化的过程，这正是我们教学所提倡的，因为这是一个提高认识的必要的途径。在的拍摄当中，一定要勇于去拍、敢去尝试，并且发现问题之后及时总结出来，把弊端和好的方法也记载下来，以便下次的正确的操作提供一些理论依据，不断地知道自己前进。

在摄影过程中，我们要形成自身独特的思维方法和艺术风格。这相对来说是一个比较艰难的任务，我们要尽早确定自己的发展方向、明确自己的目标，才能向着那个方向前进。因此，我们应当培养自己的思维方式，对待事物形成自己独特的见解并通过摄影的渠道很好地表现出来。纵观国内外的各位摄影大师，他们都有着自己的思维方式和独特的艺术表现形式，从而影响了世界摄影艺术的发展。如：罗伯特卡帕是以一名专职的战地记者而著名的，他拍摄了大量罕为人见的战争现场实况；卡蒂埃布勒松是以抓拍现实生活的普通细节和感人场景而著称的摄影大师等等。我认为思维方法不只是摄影者选择的拍摄对象和角度等，还应该包含着摄影者的设计创意、设计元素和所要表达的思想情感。这方面，我们要多看下有名的摄影大师的一些代表作，从中我们就可以看出摄影师所要传递的思想，他的构图和取景方法，对光线的运用等。只有识多才能见广，通过不断地学习和实践加上自己的领悟就会自然而然地形成了自己的风格，也就是所谓的世界观达到了一定的认识程度。

在我看来，摄影有几种特性：

清楚和有条理性

一个被摄体本身可以表现出有条不紊，也可以是杂乱无章。不用说，前一种情况可以拍出好照片来，而后一种情况却不然。被摄体具有图案美、节奏感与重复出现这些特征，往往能够加强照片的结构使之成为佳作，所以大多数摄影家都喜欢拍图案照片，这是很自然的。然而，仅仅是为了图案效果去拍图案照片，没有正当的理由和目的，去追求所谓“抽象”的形式，那就容易落入俗套而令人厌烦。当然，如果图案构成主体不可分割的组成部分，特别是当它能突出主体的结构和功能的时候，它就具有上像的特征，在这种情况下拍摄图案最能保证照片的艺术效果。

反差的高低

绝大多数照片的反差是中常的，既不太高，也不太低。这样的照片只从反差方面看，不会讨人喜欢。然而，那些反差异常或反差不明显的物体往往却有着奇特的效果，原因是以少见为新奇。因而，经过敏感的摄影家巧妙的处理之后，反常的高反差或低反差却是上像的特征。事实上，有独创性的摄影家都知道，逆光照明的被摄体（反常的高反差）和雨雪天或雾中的景色（反常的低反差），能够拍出效果最好的照片来。

大的、突出的形状

一般说来，大的、突出的、明确的形状，比起大量小的、复杂的、边缘不清楚的、平淡的东西来，容易创作出好照片。

表面质感

用侧光或逆光适当地照明物体表面的质地，对照片是有好处的，因为它能提供信息，告诉观众，物体的表面是什么构成的：是石头、混凝土、树皮、金属、玻璃、织物、纸张还是毛皮等等。这就使得富有特点的表面结构成为上像的好题材。

色 彩

色彩提出一个特别的问题。因为从摄影的角度来说，它可能是一笔资产，也可能是一笔债务。就彩色摄影来说，颜色能使一个物体上像，而就黑白摄影来说却是不上像的；反过来说也是一样。例如，唤起我们对某种花、鸟、热带鱼或蝴蝶爱慕之情的那些生动的颜色是使这些被摄体特别上像的特征，这是从彩色摄影家的观点来看的。但对黑白摄影家来说，同一特征却是绝对不上像的，困为拍成黑白照片以后，由于失去了原有的颜色，这些被摄体会变得无法辨认；五颜六色变成了灰色影调，互相难以分开，结果使照片效果极差，并且给人以单调虚假的印象。因而，从事黑白摄影的摄影家要避免拍摄那些以颜色突出为特征的被摄体，象色彩艳丽的花朵、食品、水果、鸟类、蝴蝶、热带鱼、秋叶、绿叶、油画和日落时火红的天空。无论拍摄技巧如何熟练，在黑白摄影中这样的被摄体产生的照片总是令人失望的。

但是，甚至对彩色摄影家来说，有些颜色也谈不上具有上像的特征。肉眼看来漂亮的颜色或颜色的组合在幻灯片或照片上可能是庸俗而令人厌烦的，例如蓝色天空下的绿色田野，那只是明信片一类的平庸之作。另一方面。一些最富魅力的彩色照片，它们的特殊效果来自一种最浅淡的颜色，几乎象没有颜色一样，有些阴雨天或雾天所拍的照片就属于这种例子。对于摄影家来说，只有不寻常的色彩才具有上像的特征，它必须是非常鲜艳、非常强烈，或者非常浅淡、非常素雅。几种和协的颜色在一起可能很上像，而互不相关的几种强烈的颜色混杂在一起却是华而不实、不上像的。此外，少数几个大片色块要比大量小块颜色效果更好。

自发性

自发性动作是有生命的被摄体非常上像的一种特征。自发性动作使照片显得可靠、朴素、真实。

上摄影课之前，我觉得摄影无非就是拍照。但是通过学习终于认识到摄影是一门艺术，而这门艺术是源于生活的。摄影不仅仅是对生活的记录，而是要将生活中的美，看见的和者看不见的，更加深刻的表达出来。